La cabeza del alce emblema y orgullo canadiense.

 

De las antiguas cervecerías que se crearon en Canadá, solamente esta permanece independiente después de más 150 años de historia.

Armando Enríquez Vázquez.

En muchos países la industria cervecera local va desapareciendo ante la voracidad de los grandes corporativos internacionales, muchas grandes marcas clásicas han sido adquiridas por estas enormes empresas cerveceras, lo que de alguna manera afecta en la identidad del producto y el orgullo del consumidor local. Hoy sobreviven etiquetas y marcas, no estoy tan seguro que el sabor y personalidad de la bebida lo haga.

Son pocas las cervezas nacionales han sobrevivido a la ambición del duopolio, esta es la historia de una de estas sobrevivientes.

La historia inicia en la bahía de Halifax en Canadá con la llegada en 1862 de John Oland, un inglés que como muchos se embarcó a América buscando nuevas oportunidades para él y su familia. Tres años después de la llegada de John atracaron en el puerto de la colonia inglesa su mujer Susannah y los nueve hijos del matrimonio, a pesar de todo lo que la familia esperaba, la situación económica no mejoró de manera sustancial en Nueva Escocia, por lo que Susannah comenzó a fabricar cerveza casera para ayudar a la economía familiar. En esa época los Oland vivían en el poblado de Dartmouth cercano a Halifax en Nueva Escocia. La cerveza producida por Oland era del tipo llamado Brown Ale. Rápidamente la cerveza de Susannah Oland cobró popularidad, un militar amigo de la familia decidió junto con otras dos personas invertir en la cerveza y convencieron a Susannah para crecer la producción de su cerveza.

De esta manera el 1º de octubre de 1867 se inauguró la Turtle Grove Brewery, aunque en la documentación se menciona a John como el director de la planta, era Susannah la encargada de toda la operación. Gracias a los contactos de uno de los socios económicos, la cervecería creció rápidamente y se colocó en el tercer lugar entre las cerveceras del área de Halifax. 1870 fue un año de cambios; John murió en un accidente, y los socios de la cervecería por diferentes razones se vieron obligados a cambiar su residencia, por lo que decidieron vender sus acciones a un miembro de la competencia de apellido Fraser, quien decidió cambiar el nombre de la cervecería por el de Army & Navy Brewery. En 1877, un golpe en la fortuna de Susannah la convirtió junto con sus hijos en dueña de la cervecería cuando gracias a una herencia pudo comprar su parte a Fraser. La compañía volvió a cambiar de nombre por el S. Oland, Sons & Co. La cervecería sufrió su primer incendio en 1878, la parte central del edificio fue consumido por las llamas, pero lejos de rendisrse, de acuerdo con el sitio oficial de la cerveza, Susannah reconstruyo su fabrica y la hizo más grande que la original que devastó el incendio.  

Susannah Oland murió en 1885 y fue sustituida por el menor de sus hijos George W.C. Oland quien fue ayudado por su hermano John. En 1893, durante una crisis económica y las presiones de los grupos religiosos intolerantes contra la bebida, la empresa se vio en problemas, los hermanos vendieron la cervecería a una poderosa empresa cervecera manejada por sindicatos ingleses, los hermanos Oland permanecieron en la gerencia de la nueva empresa y George Oland finalmente después de un par de años renuncio al no sentir la libertad que tenía con anterioridad. Tras abandonar la empresa e intentar diferentes negocios, George Oland regresó a Halifax y compró una cervecería con la que creó su propia Oland and Son en 1909, recuperando la tradición familiar. Poco después compró otra cervecería en la ciudad de Saint John en la provincia canadiense de New Brunswick. En 1917 una explosión producida por un accidente naval, la cervecería de Halifax quedó destruida, la operación se centró entonces en la planta de Saint John que sigue siendo la sede de Moosehead.

Durante los años de la prohibición en Estados Unidos, que se impuso también en Canadá la cervecería de los Oland sufrió las consecuencias, durante esos años se dedicaron a fabricar refrescos y una cerveza que hoy llamaríamos Light, que entraba en los limites de lo legal. Por debajo del agua la cervecería vendió cerveza normal a diferentes bares, lo que le costo una multa, pero fue lo que ayudó a la empresa a sobrevivir durante la difícil época.

En 1928, los Oland compraron una antigua cervecería que era un icono de Saint John; James Ready Brewery, una vez efectuada la compra, George Bauld Oland uno de los hijos George que estaba a cargo de la planta de Saint John, desde antes de que desapareciera la fábrica de Halifax por la explosión, se dedicó a inspeccionar todos los papeles que se encontraban en la antigua compañía. En uno de esos papeles se encontró con una antigua cerveza llamada Moosehead. George entonces valoró el nombre, la importancia y elegancia del Alce y decidió llamar a una de las cervezas con ese nombre.

Su hermano Alexander Keith quien estaba a cargo de la cervecería de Halifax nunca sintió afecto por George, y a la muerte del padre, los hermanos decidieron dividir la empresa. Una en Halifax y la otra en Saint John.

En 1947, el mismo George Bauld Oland decidió cambiar el nombre de la empresa por el de Moosehead Brewery Co. La empresa dirigida por Alexander Keith y sus descendientes desapareció en la década de los 70 del siglo pasado cuando la empresa fue vendida a la cervecera Labbat, en esa época una de las grandes cerveceras canadienses que hoy pertenece a ABinBEV.

Diez años antes, en 1937, el hijo de George Bauld, Philip, aprovechando unas vacaciones de su padre decidió cambiar la receta de la cerveza y por primera vez la cervecería de los Oland produjo una cerveza del tipo Ale a la que llamaron Alpine.

Fue en los años setenta cuando Moosehead decidió atacar el mercado norteamericano y para ello empezó a embotellar su cerveza en una botella de color verde para diferenciar de su competencia.   

Uno de los slogans más conocidos de la marca es: The Moose is Loose, que en español se traduce como: El alce está suelto o libre fue el grito de guerra de la expansión y se puso de moda en esa época en que la cerveza comenzó a venderse fuera de Canadá.

Con más de 150 años de existir y seis generaciones de Oland a cargo de la empresa, Moosehead no sólo es la única cervecera familiar de Canadá, a la fecha es la única 100% canadiense que se mantiene en la tierra de la hoja de arce y el alce.

imagenes; moosehead.ca

El final es el principio y viceversa, el origen es diferente.

Como siempre la advertencia, el texto esta lleno de spoilers, lo recomendable es ver la serie primero, no tiene desperdicio y después los invitó a leer el texto y compartir sus ideas.

Amando Enríquez Vázquez

Dark, la extraordinaria serie alemana de Netflix, llegó al origen de la tragedia y al final de la serie de una manera magistral.

Compleja y sin autocomplacencias, Dark mantuvo la lógica fría y dura de la propuesta inicial. De la misma manera que los personajes trataban a través de siglos de un eterno retorno de acabar con una historia que destruía no solo familias y relaciones, si no el tejido del tiempo espacio y sobre todo marcaba el final de la historia de la humanidad y del planeta en el que vivimos, los escritores nos enseñaron a tomar distancia y recordar la frase de Einstein acerca de no esperar resultados diferentes teniendo los mismos pasos que lo precedieron.

La premisa final de la serie es contundente e impecable y nos hace voltear a la idea de que sobre el bien y el mal lo que persevera es el amor. Un amor que triunfa gracias al sacrificio que elimina a sus protagonistas, un amor que se consume para que lo demás subsista.

Los diferentes universos y su irreparable condición tienen su origen en un acto de amor, un acto que proviene de un personaje ajeno a toda la pesadilla que Adán, que en realidad es como sabemos Jonas, pero que se duplica porque un universo paralelo que se anuncia al final de la segunda temporada esta manejado por Eva, Martha de vieja. Y si bien es cierto que Jonas y Martha lucha Ad infinitum por reestablecer lo que ambos creen que debe ser el orden, funcionando como una pareja separada con sus respectivos rencores para mantener la supremacía de su mundo, Martha y Jonas, Eva y Adán creadores de mundos; dos vanidosos demiurgos que mueven las piezas, personajes de su limitado circulo de conocidos, de su tablero de ajedrez, una y otra vez. Prueba y error que terminan siempre en el mismo lugar. Con el mismo caótico resultado donde los dos mundos se entremezclan, se contaminan uno del otro y de las personalidades dominantes y prepotentes de Jonas y Martha.

Yin y Yan separados sin darse su cuenta de que se complementa a pesar de que en más de una ocasión a lo largo de las tres temporadas ambos personajes lo dicen a su par después de que los mundos se encuentran, se contaminan uno con el otro y la posibilidad de que a cada paso el ser humano crea nuevos universos con su decisiones como en el cuento de Borges, se dibuja en el penúltimo episodio de la serie, de hecho la realidad de esa posibilidad es la que permite destruir los infinitos círculos viciosos que sólo logran repetir el universo de Adán y Eva fracasando en restaurar el orden deseado por ambos personajes una y otra vez.

Claudia quien viaja por el tiempo buscando una solución, motivada por el amor maternal será la que les descubra la realidad y que no importa modificar o desaparecer el momento en que ambos mundos se encuentran, el llamado Apocalipsis, si no llegar al origen de todo para cortarlo de raíz. La dominante imagen del dragón comiéndose su cola que ha llamado la atención a lo largo de las primeras dos temporadas; el famoso Ouroboros, que obsesiona a Jonas/Adan y también, como descubrimos en la temporada final a su contraparte Martha/Eva, se transforma gracias a una visión externa en la Triqueta Celta, un figura que habla de una tercera dimensión y que está presente en la serie desde la primera temporada en el cuaderno que Noah lleva consigo y que contiene los apuntes de como se desarrolla el mundo de Jonas. Claudia entonces se convierte en esa tercera parte que complementa la triqueta entre los personajes de la serie y la única que consigue su objetivo.

La serie creada por Jantje Friese y Baran Bo Odar, es sin duda una de las series más importantes no sólo en Alemania, si no a nivel mundial. Ambos escritores trabajan ya con Netflix en sus dos próximos proyectos 1899 la historia de un barco de migrantes que va de Londres a Nueva York y Tyll¸ la historia de Till Eulenspiegel un juglar que, durante la edad media, en el siglo XIV recorrió lo que son hoy Alemania y Holanda entreteniendo a la gente de acuerdo con la tradición.

publicado en roastbrief.com.mx el 8 de julio de 2020

imagen: Netflix

Nagra, la nitidez del sonido

 

Una máquina imprescindible en el cine por más de 40 años fue la grabadora que diseñó un joven ingeniero suizo y es referente de innovación tecnológico y la base de un gran grupo tecnológico.

Armando Enríquez Vázquez.

A lo largo de su vida Stefan Kudelski ganó 3 premios Oscar en 1965, 1977 y 1978. Así como un par de Emmy en 1983 y 1986. En 1990 recibió por parte de la Academia de Cine y Ciencia de Estados Unidos le otorgó el prestigioso premio Gordon E. Sawyer por sus contribuciones al cine.

Kudelski jamás actuó, dirigió, escribió o fotografió una película, sin embargo, su contribución al cine es tan grande e importante que nadie en la industria cinematográfica mundial, puede decir que nunca ha usado uno de los aparatos del ingeniero suizo. Kudelski además ayudó a otras industrias incluyendo a la del espionaje internacional.

Stefan Kudelski nació en Varsovia, Polonia el 27 de agosto de 1931. Hijo de un arquitecto y una antropóloga, Stefan pertenecía a una clase intelectual acomodada de Polonia, pero con la llegada de la II Guerra Mundial los Kudelski migraron a Francia en 1939. Tras la invasión Nazi del país galo los padres de Stefan se unieron a la resistencia y cuando su red de rebeldes fue descubierta los Kudelski huyeron a Suiza. Con el paso de los años la madre y el padre de Stefan fueron recompensados con la Cruz de Guerra otorgada por el gobierno de Francia.

Llegada la paz, la familia se estableció en Suiza. El joven Stefan inició su educación en la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Kudelski desarrolló a los 21 años el inventó que le dio fama, dinero y sus premios Oscar: La Nagra.

Nagra fue la primera grabadora portátil de audio profesional. Las Nagra eran máquinas de carrete abierto, esto es que se utilizan dos bovinas en las que la cinta magnética de ¼ de pulgada, la parte con la emulsión de óxido registra el sonido y pasa de una a otra. La primera tiene el material virgen que al pasar por la grabadora es recogida en la bovina del otro lado. Las primeras nagras aceptaban carretes de 30 minutos de duración, con el tiempo Kudelski llegó a poner un control en la grabadora para la velocidad de grabación, lo que aumentaba el tiempo de grabado, aunque se sacrificaba la calidad. La grabadora de Kudelski llamó desde un principio la atención de profesionales del sonido, la estación local de Lausana encargó rápidamente al joven ingeniero un par de Nagras.

El nombre de la marca es una palabra polaca que significa: objeto que graba. Kudelski se decidió por el nombre por dos razones; la primera evitar un largo proceso de búsqueda de la marca al momento de registrarla y dos porque Kudelski por decisión personal decidió evitar las palabras phone y vox muy en boga en esos momentos para cualquier innovación que implicara audio.

La grabadora de Kudelski encontró en el cine un lugar donde creció de manera casi que natural, en contra de los enormes, pesados y poco prácticos sistemas de sonido, la Nagra permitió a los directores sacar las filmaciones de los estudios a locaciones naturales y a los sonidistas poder realizar su trabajo de una forma más practica y económica. La Nagra I que comenzó a venderse en 1951, fue rápidamente sustituida por la Nagra II y en 1957 llegó la Nagra III que fue la que conquistó el mundo del cine, la televisión y el radio. Una de las grandes ventajas de su portabilidad era que no dependía de una fuente de energía eléctrica y podía utilizarse con baterías D. Esto hizo posible que la nagra viajara al fondo del mar en un batiscafo, así como a la cima del mundo en el monte Everest.

A mediados de los años sesenta y bajo requerimientos del FBI, la CIA y el Ejército de Estados Unidos, después de una idea de John F. Kennedy, Nagra creó una grabadora miniatura profesional y de gran calidad en la grabación que de acuerdo con las historias se utilizó para el espionaje y también fue seleccionada por la NASA para viajar en las misiones Apollo. Este modelo se conoce como Nagra SN, siglas en francés de serie negra.

En 1971 la Nagra IV fue la primera grabadora portátil estéreo en el mercado. En 1981 Nagra presentó su estudio portátil el Nagra TA y en 1992 sus primeras grabadoras digitales, llamadas Nagra D y Nagra DII sumándose a los cambios en la tecnología, en 1995 la Nagra Ares-C, una grabadora digital para cabinas de producción y estudios se convirtió en un referente de la industria del entretenimiento en Europa.

El imperio de Nagra en la industria cinematográfica se extendió desde los inicios de la década de los sesenta del siglo pasado hasta los finales del siglo XX. Gracias a esta grabadora la Nouvelle Vague del Cine Francés pudo realizar muchas de las películas del movimiento respetando los principios que cineastas como Truffaut, Goddard, Claude Chabrol, Alain Resnais se habían fijado.

Para finales de siglo y totalmente en ambientes digitales Nagra presentó su modelo Hi-fi y en 2008 la Nagra VI una grabadora multitrack para las industrias del Cine y la música.

En 1991 Stefan Kudelski dejó la presidencia de Nagra a su hijo André Kudelski, quien nació en 1960, con la formación del Grupo Kudelski la empresa ha incursionado en diferentes negocios tecnológicos como la televisión digital, la ciberseguridad y el Internet de las cosas.

Stefan Kudelski murió el 26 de enero de 2013 a los 84 años en Lausana, Suiza. Es miembro del salón de la fama del Cine y la Televisión en Estados Unidos desde 1986.

Publicado en thepoint.com.mx el 5 de octubre de 2020

imagenes nagra.com 

Spike Lee; Netflix y Amazon.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano.

Armando Enríquez Vázquez

Spike Lee es sin duda uno de los directores de cine más importantes de las últimas décadas, su activismo por la causa de los afroamericanos es parte vertebral de su propuesta creativa. Películas como Haz lo correcto, Bamboozled, La noche del asesino, una extraordinaria cinta que habla del clima social que se vivía en Nueva York el año en que el asesino serial El hijo de Sam cometió sus crímenes poniendo a una de las mayores urbes del mundo en un estado de paranoia. Malcolm X, la cinta sobre el importante y radical líder del movimiento afroamericano en la década de los años 60. El año pasado su película El infiltrado del KKK, ganó el Festival de Cannes y del Oscar por el mejor guion adaptado. Su documental 4 niñas de 1997 sobre el asesinato en 1963 de cuatro en Alabama en un atentado con bomba en una iglesia bautista. Así como sus documentales sobre Jim Brown y Kobe Bryant son parte de su innegable legado sobre los derechos civiles y humanos de los afroamericanos.

Spike Lee es más allá de su importancia como director, guionista y productor, un verdadero líder y ejemplo para la comunidad afroamericana y un hombre admirable. Muchos de los jóvenes directores y escritores afroamericanos están profundamente influenciados por el trabajo y las ideas de Lee y eso no se puede negar.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano, las dos son puntos de vista contradictorias y por primera vez veo en una cinta del Lee, arrogancia y estupidez racista, típica de los norteamericanos.

Da 5 Blood, traducida Los 5 sangre, es un melodrama de guerra con aromas de western y un ejemplo de cómo también del lado de los afroamericanos el racismo y la prepotencia nacionalista gringa puede ser mayor que los fundamentos válidos e innegables con los que en general señalan a la cultura occidental y en especial en Estados Unidos que los ha segregado y criminalizado por el simple hecho de tener la piel de otro color.

Los 5 sangre esta estelerizada por Delroy Lindo (Paul), Jonathan Majors (su hijo, David), Clarke Peters (Otis), Norm Lewis (Eddie) y Isiah Whitlock Jr (Melvin). La historia cuenta el regreso de cuatro veteranos de la guerra de Vietnam, después de 40 años, al país que destruyeron y los cambió, bueno no del todo, para recuperar un cargamento de oro que robaron al gobierno de su país y que estaba destinado a grupos guerrilleros en el Vietcong. El quinto sangre fue muerto en el fragor de la batalla y sus restos nunca fueron recuperados, lo que sirve de pretexto a los otro cuatro para regresar por el oro. En el camino se encuentran con un mercenario financiero francés interpretado por Jean Reno, que hace la versión grotesca de la caricatura del francés en el arrogante imaginario norteamericano.

El verdadero cambio, el que atañe a Paul, quien al final develará el origen de los cuarenta años que lleva volviéndose loco y desarrollando el síndrome de guerra. Lo triste de la cinta, una imitación de película de Tarantino sin el sentido del humor retorcido y en tanto la factura e historia, es la visión que el director americano hace de los vietnamitas a los que desprecia y que cómo en todo buen western se acerca a la de los indios o mexicanos del género, malos, estereotipados y a los que no importa matar por esas mismas razones. Este planteamiento argumental racista no es extraño a un gran número de películas estadounidenses, pero resulta extraña y patética en un hombre que a lo largo de su vida se ha dedicado a combatir el racismo y la discriminación, incluso el hacer estereotipos de los seres humanos como en el caso de Bamboozled. Los 5 Sangre es sin duda la peor película de Spike Lee y no por su factura o sus actuaciones, si no por su planteamiento ideológico.

Amazon Prime, por su parte, estrenó Pass Over, que se puede traducir como Cruzar. La cinta basada en la obra de teatro homónima de la dramaturga norteamericana Antoinette Nwandu que a su vez se basa en la obra fundamental del escritor y Premio Nobel de Literatura irlandés Samuel Beckett Esperando a Godot, es una poderosa visión desde el Teatro del Absurdo de la irracional y demagógica situación actual en materia de racismo que se vive en los Estados Unidos de Donald Trump. La historia es una metáfora acerca de la opresión y cómo a los afroamericanos continúan siendo víctimas de una libertad ficticia basada en una libertad real. La historia totalmente actual y más en el momento que vivimos con las manifestaciones en contra de la violencia racial proveniente desde el poder y a través de los llamados brazos de la ley del Estado.

En este caso la historia es muy poderosa, con pocos actores, sólo cuatro. Dos jóvenes indigentes de una zona marginada en una ciudad norteamericana; Moses (Jon Michael Hill) y Kitch (Julian Parker) sueñan con superar el círculo de miseria y de violencia en el que viven y para ello sólo necesitan cruzar la calle, pero cada vez que lo intentan o lo sugieren las balas se los impide. El poderosísimo final de la cinta deja a todo mundo en un silencio sepulcral.

Y digo a todo mundo porque la propuesta de cámara de Spike Lee es hacer del fenómeno teatral, un fenómeno cinematográfico. La cinta inicia a la manera de un documental con personas afroamericanas que son llevadas de un centro escolar al teatro donde presenciaran la representación de Pass Over, La puesta en cámara, va en función de la puesta en escena y las reacciones del público sirve a Lee para acentuar el ritmo y el punteo de la cinta. A diferencia de Los 5 sangre, Pass Over, es una película que mantiene los temas de Lee y una con un valor actual, envuelta en una creativa y atractiva propuesta narrativa y visual. La teatralidad de las actuaciones, la escenografía y las miradas y reacciones del público dan como resultado una película entretenida que a pesar de carecer de los elementos más llamativos de una película; los efectos especiales, no es pesada, ni lenta. Yo la pongo entre las mejores de películas de Spike Lee.

Pass Over no tiene desperdicio, Los 5 sangre es totalmente intrascendente y ofensiva.  Luz y sombra de uno de los artistas más importantes actualmente en Estados Unidos.

publicado el 1º de julio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen: Amazon Prime

Prada, el elegante negocio familiar.

 

Durante más de sesenta años la marca se dedicó básicamente a vender maletas y bolsas muchas de importación hasta que contrario a la visión de su dueño una mujer redefinió la marca.

Armando Enríquez Vázquez

En 1913 los hermanos Mario y Martino Prada abrieron un negocio dedicado a la venta de bolsas para mujeres, baúles y maletas que importaban de Inglaterra, Alemania, Austria y otros países muchos de ellos hechos con pieles exóticas, tambien vendían otro tipo de lujosos accesorios como bastones, cinturones, algo de joyeria. La tienda Fratelli Prada se encontraba en uno de los edificios icónicos y más importantes de Milán hasta la fecha. La Galleria Vittorio Emmannuele II considerada uno de los primeros centros comerciales del mundo. Inaugurada el 13 de septiembre de 1867 es un representante del estilo arquitectónico neorrenacentista italiano.

Mario era un empresario hasta cierto punto visionario, ya que si por un lado en 1919 su tienda se convirtió en proveedor oficial de la casa real de Saboya que gobernaba Italia en esos tiempos lo que le permitió abrir una segunda tienda en la calle Manzoni en Milán también, por otro lado, su posición machista impidió que ninguna mujer se dedicara a la administración de sus negocios mientras él vivió. Irónicamente el único hijo varón de Prada decidió no participar en el negocio de la familia. Antes de la II Guerra Mundial, Martino, abandonó la empresa para dedicarse al activismo político en contra del creciente fascismo, algo en lo que el mismo Mario simpatizaba. A partir de ese momento Mario se convierte en el único dueño de la empresa.

La historia y el karma pusieron al empresario italiano en su lugar, a Mario se le recuerda únicamente como fundador de la empresa, pero quien la desarrolló, décadas después, innovó con ella y la convirtió en un referente mundial de moda, elegancia y extravagancia fue su nieta Miuccia.

Al morir Mario Prada en 1958, su hija Luisa se hizo cargo de la empresa y fue ella quien mantuvo a Prada a flote durante las décadas de los sesenta y setenta, al cambiar la orientación de la empresa y convertirla en una marca dirigida a la clase media, esto fue un paso atrás en la historia de Prada, no porque la visión de Luisa fuera equivocada, al fin y al cabo Prada sobrevivió de manera digna a estos años de crisis en toda la sociedad italiana, pero si en el sentido de la presencia de la marca en el ámbito nacional como una marca de lujo desapareció.

En 1977 Miuccia Prada, hija de Luisa y nieta de Mario, licenciada en ciencias políticas y que también trabajó en el teatro, se conviertió en la cabeza de la empresa. Miuccia ya había diseñado diferentes accesorios para la empresa familiar. En 1979 Prada lanzó por primera vez su línea de calzado para dama. En 1983 comenzó también la nueva imagen de las tiendas de Prada primero en Milán y después se abrieron tiendas en Nueva York, Paris, Madrid, Londres y Tokio que se caracterizaban por el verde pastel de sus muros. En 1985 Miuccia, cuyo verdadero nombre es Maria Bianchi, diseñó una back pack negro de nylon que se convirtió en un éxito inmediato de Prada. En 1988, Prada presentó su primera colección de ropa para mujer en una pasarela en Milán para la temporada Otoño/Invierno de ese año. En 1993 Prada presentó su primera colección de ropa para hombres.

Miuccia conoció en 1977 a otro empresario peletero italiano Patrizio Bertelli quien se convirtió en su esposo en 1987 y juntos son quienes han hecho de la marca un éxito y referente mundial de diseñó y elegancia.

En 1992 Miuccia fundó la segunda marca de Prada; Miu Miu, una marca de ropa y accesorios para mujeres jóvenes. Con un diseño mucho más atrevido y moderno que los de Prada. En 1999 Prada compró una marca icónica del calzado inglés llamada Church’s que se distingue por su hechura a mano y sus más de 140 años de existencia y en 2001 la italiana Car Shoe fundada en 1963. En 2014 el Grupo Prada adquirió la casi bicentenaria Pastelería Marchesi de Milán y la empresa curtidora de piel francesa Hervy.

Miuccia Prada ha recibido distinciones y premios. La marca que su abuelo fundó hace 107 años está más fuerte y saludable que nunca, y entre sus muchos productos también destacan los lentes y perfumes. En 2010 recordando sus días de juventud, Miuccia accedió a diseñar el vestuario para la ópera Atila de Verdi que se presentó ese año en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

Prada, como muchas otras empresas dedicadas a la moda, se ha sumado en 2020 a la confección de mascarillas y trajes médicos que ha entregado a los centros hospitalarios de Italia.

publicado en thepoint.com.mx el 21 de septiembre de 2020

imagen: prada.com

Sin salas y con estrenos extraordinarios.

 

Los cines permanecieron cerrados meses y la oferta de contenidos de películas nuevas fue exclusividad de las plataformas de Internet.

Armando Enríquez Vázquez

Justo la semana en que comenzó el confinamiento estaba por estrenarse en las salas de cine una película española que he estado esperando en los últimos meses titulada Mientras dure la guerra dirigida por Alejandro Amenábar y que cuenta la historia de la posición política de Manuel de Unamuno durante la Guerra Civil Española, una de las producciones sobresalientes del cine español el año pasado. A manera de compensación Netflix estrenó en estos días de encierro La trinchera infinita, otra producción española del año pasado, también sobre temas relacionados a esa guerra fraticida que marcó la vida de España el siglo pasado.

La cinta que ganó en la pasada entrega del Premio Goya, el mayor premio otorgado por la industria cinematográfica española, 2 premios; el primero al mejor sonido y el segundo a la actriz Belén Cuesta como la mejor actriz del año pasado en el cine español. La cinta cuenta la historia de un hombre que para escapar de las fuerzas franquistas y de la represión y asesinatos promovidos por este dictador, pasa más de treinta años encerrado en su casa; escondido. La cinta esta basada en el hecho real de casos documentados de españoles que vivieron en estas condiciones, de hecho, esta no es la primera cinta sobre el tema, yo recuerdo una protagonizada y dirigida por Fernando Fernán Gómez titulada Mambrú se fue a la guerra que se estrenó en México en una Muestra Internacional de Cine en la década de los ochenta. La trinchera infinita es sin duda una película muy potente y con un par de excelentes actuaciones, el hecho de que no se haya estrenado en las salas de cine de México creo que le da una mayor visibilidad y accesibilidad a las audiencias como en su momento sucedió con Roma de Cuarón o La balada de Buster Scruggs de los hermanos Cohen.

 Otro ejemplo de la importancia de los estrenos en las diferentes plataformas de internet ha sido el estreno de una de las mejores películas mexicanas que he visto en los últimos años; Ya no estoy aquí, dirigida por Fernando Frías y con la actuación de Juan Daniel García Treviño. Sobre una subcultura de jóvenes regiomontanos que ha sido eliminada, como otras por la cotidianidad de narcotráfico en nuestro país. La película mexicana es sin duda uno de los grandes hits de la plataforma y sin duda miles de espectadores en México y el mundo la han visto en estas semanas, algo que difícilmente hubiera logrado de estrenarse en salas cinematográficas.

Esa diferencia entre la cinta española y la mexicana; una producida para las salas, la otra producida por la plataforma para exhibirse en la misma, lo que permite su estreno a nivel mundial en un solo día y no tiene que hacer un circuito de salas cinematográficas y una estancia en las mismas que depende su comportamiento en la taquilla, a diferencia de las ventajas del on demand.

También Amazon Prime ha entrado ya en la producción de películas y uno de sus estrenos; The Vast of the Night, otra de las películas que he visto en este encierro, es una extraordinaria historia de ciencia ficción que no requiere de llamativos efectos especiales que por lo general distraen al espectador de la verdadera falta y fallas en la trama. Con una puesta de cámara que es demencial y nos da ese ritmo que el director Andrew Patterson imprime para acentuar la incertidumbre y ansiedad de los personajes.

Estas y otras películas, que estuvieron pocas semanas en la cartelera, se pueden disfrutar desde la comodidad de casa, con todo lo que esto implica en todos los sentidos y a pesar de todo lo que muchos objetan de la opción. Lo cierto y obvio es que las cadenas de exhibición cinematográfica están obligadas a replantear su modelo de negocio ahora que se vuelvan a abrir.

Cinépolis de hecho mantuvo durante la cuarentena su servicio en línea con su plataforma Cinépolis Click y aunque anuncia un mínimo de salas abierto su negocio en los pasados meses estuvo en su servicio en línea.  

En estos largo meses de encierro se popularizó, también, la plataforma de FilminLatino y su oferta de películas mexicanas que no es fácil ver.

Los tiempos de crisis son también de oportunidades. El regreso paulatino que se ha dado a las salas cinematográficas, está muy lejos de representar las taquillas a las que las empresas estaban acostumbradas y en países como el nuestro donde las cifras del contagio están totalmente maquilladas y en Estados Unidos el país occidental más importante para la industria cinematográfica, pero también el que tiene el mayor número de contagios y muertes esto es un golpe duro.  Una de las soluciones que han tenido cierto éxito en México es la apertura de los autocinemas, aunque sin duda son las estrategias en red las más atractivas y redituables para los exhibidores y productores, así como más económicas para el consumidor que también ha sido golpeado en su poder adquisitivo por la emergencia sanitaria.

Además, existe otro beneficio que había descubierto ya desde hace mucho tiempo. ¿Por qué habría de abandonar la comodidad y ventajas que me da estar en casa, para enfrentarme a gente que habla durante la exhibición de la película o que no pone su teléfono en vibrador?

Y una petición a Netflix o Amazon Prime por favor alguien compre los derechos de Mientras dure la guerra y prográmela en su plataforma.

Una versión de este texto se publico el 22 de junio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen:pickpik.com