ZeroZeroZero una historia de familias.

Tres visiones, tres naciones, con sus tradiciones y características y tres grupos criminales demasiado definidos, dentro de ellos, tres tipos de familias diferentes.

Armando Enríquez Vázquez

Como en otras ocasiones la reseña esta llena de spoilers, si no estas dispuesto a que te arruine la serie, te recomiendo verla primero y después si quieres regresa a este texto.

Si algo nos quedó muy claro desde El Padrino de Mario Puzo, popularizada e internacionalizada por la excelente trilogía de Francis Ford Coppola, es que la familia es el núcleo más importante no únicamente para una sociedad “sana” sociedad, si no para el crimen organizado también. Después de la cinta de Coppola, un gran porcentaje de las películas acerca de organizaciones criminales tienen líneas narrativas que relacionan los núcleos familiares de los protagonistas.

La familia como tradición, como refugio, como fortaleza, como protección son los temas de la nueva serie de Amazon Prime. ZeroZeroZero es una historia de familias en la vista de diferentes culturas criminales en tres distintos países, que representan tres de los protagonistas de las cadenas criminales del planeta; vendedores que están en México, intermediarios en Estados Unidos y destinatarios en Italia.

ZeroZeroZero basada en la novela homónima de Roberto Saviano publicada en 2013. Es una historia acerca de la cocaína y de cómo más allá del crimen, la droga como cualquier producto que se exporta toca cientos de vida, lo que sirve de pretexto para contar una intriga, cuando en realidad la historia es más compleja y más humana. Habla de lo que muchos definen como el fundamento del tejido social. Tres visiones, tres naciones, con sus tradiciones y características y tres grupos criminales demasiado definidos, dentro de ellos, tres tipos de familias diferentes.

Con grandes actuaciones la serie nos lleva a través de las historias de una familia de comerciantes norteamericanos encabezada por Edward Lynwood (Gabriel Byrne), un intermediario que se encarga de llevar droga de América al continente europeo, en especial de Tampico a Calabria, la empresa de Lynwood se encuentra en Nueva Orleans donde el intermediario norteamericano vive con sus dos hijos; Emma (Andrea Risenborough) y Chris. La esposa de Lynwood murió años antes por causa de la enfermedad de Huntington y Chris (Dane DeHaan) ha heredado la enfermedad, por lo que de una manera natural y fría Edward ha decidido hacer a Emma la sucesora y cabeza de su negocio. Una familia endógama, desconfiada, sola como lo son muchos de los norteamericanos. Al iniciar la serie en una balacera en un lujoso restaurante de Monterrey, México, Edward es herido y a pesar de los esfuerzos de Emma y el rápido traslado del empresario norteamericano a su casa en Nueva Orleans muere dejando un negocio pendiente, el traslado de un cargamento de cocaína perteneciente a un cartel mexicano a Italia para entregarlo a la mafia calabresa liderada por un viejo capo llamado Don Minu (Adriano Chiaramida) que vive escondido, temiendo ser traicionado.

El viejo capo italiano teme a sus asociados, pero también a su familia. Su nieto Stefano (Giuseppe De Domenico) está interesado en vengar la muerte de su padre, a quien su abuelo asesinó cuando este en compañía de otros jóvenes de su generación quisieron rebelarse en contra del Don Minu. Stefano hará todo lo posible para que el cargamento que es transportado por barco desde Tampico no llegue a Calabria y Emma Lynwood se concentrará en que esto no suceda, mientras en Monterrey los hermanos Leyra esperan que el cargamento llegue a su destino para que Emma les pague. Los Leyra a su vez tienen ciertos problemas al interior de sus filas con un ex militar metido a narcotraficante, Manuel Contreras (Harold Torres).

La historia en general lidia con los temas de un trhiller, pero las traiciones familiares, el amor familiar, alianzas al interior de las familias, responsabilidad, empatía entre los miembros de un clan y también cuenta la historia de cómo uno puede crear su propia familia, si la vida no le ha dado esa oportunidad.

Y para crear la atmósfera correspondiente y la veracidad de los arcos narrativos, la compañía productora se concentró en un casting extraordinario con grandes actores. Andrea Risenborough interpreta una Emma Lynwood fría, calculadora, desconfiada y para la que su hermano no sólo es a quien debe proteger, sino a quien puede comenzar a darle alguna responsabilidad a pesar de las advertencias de su padre de nunca incluir a Chris en el negocio familiar y Dane DaHann recrea a un hombre joven con todos los miedos de quien esta cierto de la condena que tiene dictada por la enfermedad que ha heredado de su madre y que ha comenzado a manifestarse. Sin embargo, los Lynwood con su destino de tragedia griega, no son el centro de la serie porque la serie se parte siempre en tres, un tríptico de países, de familias y una sola trama que los une de una manera azarosa al principio y shakespeariana al final, cuando el orden es restaurado de la manera más lógicamente absurda y cruel.

Harold Torres es sin duda uno de los grandes actores de la serie y su papel de militar que se convierte en narcotraficante es uno de los más completos y complejos de la serie; adusto hombre de Dios, un descastado que creó una familia entre los militares y a esa familia la lleva por lo que él considera un mejor futuro. Una familia de militares leales a Manuel, comprometidos y convencidos de la visión de su líder y jefe de la manada. La torcida visión del bien y el mal de un hombre que asiste a una de las tantas iglesias protestantes que aparecen en México, que obliga a Manuel deshacerse del hombre más honesto a su cargo y asesinar a su superior.

Y entre los actores italianos es Adriano Chiaramida quien desde la ceguera y la vejez muestra una fuerza y determinación para no dejarse vencer por la generación de novatos ambiciosos y banales de la que es parte, y sólo un chivo expiatorio Stefano, su entusiasta y visceral nieto que no calcula nunca las consecuencias de sus actos. Don Minu siempre habrá una esperanza en las nuevas generaciones.

Los encuentros entre estos tres personajes, el crecimiento de cada uno de ellos y arcos narrativos paralelos interesantes hacen de ZeroZeroZero una de las series que vale mucho la pena verse, no es la serie de 2020, pero sin duda es una serie inteligente que cuenta las cosas de una manera fría e inteligente. ZeroZeroZero es la respuesta de Amazon Prime a Narcos, el hitazo, de Netflix y la realidad es que sí quiero ver una segunda temporada donde Emma, Manuel y Don Minu vuelvan a encontrarse, pero hasta el momento la segunda temporada no ha sido confirmada.

publicada en roastbrief el 23 de marzo de 2020
imagen Amazon Prime 

Carrier el aire como nadie lo pensó

La invención del aire acondicionado nació de una necesidad de producción de una empresa dedicada a la encuadernación.

Armando Enríquez Vázquez

Willis Haviland Carrier nació en Angola, Nueva York Estados Unidos el 26 de noviembre de 1876. Dos años después en Buffalo nació la empresa para la cual Carrier trabajó y en la que diseñó el primer sistema de aire acondicionado llamada Buffalo Forge Company, en sus inicios esta empresa se dedicó a la fabricación de fraguas, taladros y ventiladores.

En los años de consolidación y crecimiento de la empresa, Carrier crecía y se educaba hasta lograr en 1901 su tituló como ingeniero en la Universidad de Cornell y ese mismo año entró a trabajar en la Buffalo Forge Company, una de las primeras asignaturas a las que se enfrentó el joven Willis Carrier fue solucionar un problema en una imprenta en Brooklyn llamada Sackett and Wilhelm; la humedad al interior de la planta alteraba el color de la tinta de sus impresiones. Willis Carrier presentó como solución lo que se conoce hoy como el primer diseño para un sistema de aire acondicionado. Un sistema dedicado a mantener y controlar las condiciones de la humedad al interior de una empresa y de esta manera conservar las condiciones óptimas en el medio ambiente para una producción ideal. Con los años este sistema pasó de ser un solucionador de problemas industriales a un activo indispensable en lugares con climas extremos para el confort de los seres humanos.

El diseño de Carrier se implementó exitosamente en la imprenta en julio de 1902. En 1906, Buffalo Forge Co. vendió a una empresa textil en Carolina del Norte, el primer sistema central de aire acondicionado, diseñado y patentado por Willis Carrier, el éxito logrado gracias al establecimiento del sistema en esta empresa obligó a otras empresas del ramo a comprar e implementar los sistemas de aire acondicionado creados por Carrier. En 1907 los sistemas de aire central fueron instalados por primera vez en un laboratorio productor de medicinas.

Cada cambio y ajuste en los sistemas de Carrier, las variaciones debidas a las particularidades de cada empresa, de un lugar geográfico a otro, por la diferente correlación entre temperatura y humedad del medio ambiente, fueron documentados cuidadosamente por Carrier y de esta manera publicó y creó lo que se llamó Fórmula Psicométrica Racional que se revisó y actualizó a lo largo de muchos lustros.

Para 1914 el invento y los sistemas creados por Carrier tenían una demanda industrial a nivel mundial, con presencia en Asia y Europa. Ese año Carrier logró un nuevo éxito al instalar el primer sistema de aire acondicionado doméstico en una mansión en Minneapolis, Minnesota propiedad de un empresario dedicado a la producción de alambre, el petróleo y los ferrocarriles de nombre Charles Gates.

Con la llegada de la I Guerra Mundial la estrategia de la Buffalo Forge Company fue contraerse, pero Willis asociado con J. Irvine Lyle y acompañados con otros cinco ingenieros destacados de la empresa decidieron fundar la Carrier Engineering Corporation, vendiendo sistemas por un lado e instalando un sistema en la fábrica de armas del ejército norteamericano como parte de su contribución a la guerra. Carrier creció rápidamente.

En 1918 se abrió el Laboratorio de Carrier en Newark, Jersey.

En 1922 Carrier Corporation presentó un nuevo invento, el sistema de enfriamiento por centrifugado, lo que revolucionó el mundo de los aires acondicionados para lugares muy grandes. En 1925 abrió sus puertas el renovado, Madison Square Garden, la utilización de enfriadores de centrifugado de Carrier fue esencial para mantener la dureza de la pista de hielo casa de los Americanos de Nueva York, el segundo equipo de la NHL en tener sede en Estados Unidos. Al año siguiente el Edificio T.W. Pattinson en Fresno California, que había sido inaugurado en 1923, se convirtió en el primer edificio en utilizar un sistema de aire acondicionado con los centrifugadores instalados en el sótano del mismo y los sistemas de aire en la azotea del mismo. Mientras que 1928 en San Antonio Texas, se inauguró el Edificio Milam, en su momento el edificio de ladrillo más alto en Estados Unidos con 21 pisos, este edificio es reconocido como el primero en su altura en ser construido incorporando desde su construcción un sistema de enfriamiento para todo el inmueble, el diseño de este sistema fue realizado por Willis Carrier.

En 1931, el crucero italiano V.M. Victoria de la naviera italiana Lloyd Triestino se convirtió en el primer barco en tener un sistema de aire acondicionado y por supuesto este fue diseñado por Willis Carrier. A lo largo de esa década Carrier también diseñó sistemas de enfriamiento para refrigerar y congelar comida. Estos sistemas de refrigeración y el mejoramiento de los sistemas de aire acondicionado y enfriamiento fueron de gran ayuda para las fuerzas armadas aliadas y una de las prioridades de Carrier.

El 7 de junio de 1942 J Irvine Lyle murió en Syracuse, Nueva York, siendo el presidente de Carrier. El 7 de octubre de 1950 Willis H. Carrier murió en la ciudad de Nueva York. De 1950 a 1965 E. Cloud Wampler, un ex banquero que se convirtió primero en asesor financiero de la empresa y de ahí escaló puestos hasta llegar a la presidencia y ser nombrado el sucesor de Willis Carrier. En los 15 años que dirigió la empresa las ventas de Carrier aumentaron de poco menos de 20 millones de dólares anuales a más de 300 millones y la planta laboral de Carrier creció de 2,200 empleados a más de 7,500.

En 1957 bajo la presidencia de Wampler se desarrolló y se presentó al público el primer sistema de aire acondicionado portátil.

En 1979 Carrier fue comprado por la empresa United Technologies Corporation que hasta la fecha es dueña de la empresa.

Al inicio de la marca se creó un personaje que utilizaba como peto una junta de tubería y cara de humano al que se llamó Mechanical Weather Man. Este personaje fue en teoría el autor en 1919 de un pequeño libro en el que se explicaban los beneficios del aire acondicionado en las diferentes industrias al público en general. El logo actual de la empresa se limita a un óvalo azul que encierra la palabra Carrier y al que se le ha añadido en la parte inferior una hoja de árbol verde con la leyenda; Turn to the experts.

Willis Carrier es conocido, al menos dentro de la industria norteamericana, como el padre del aire acondicionado. Carrier fue además de un pionero y gran inventor, un hombre que creía en la capacidad de las mujeres, en 1917 contrató a Margaret Ingels, quien es la segunda ingeniera graduada en una universidad en Estados Unidos y la primera mujer en obtener el titulo de ingeniera mecánica. Los aportes de Margaret a la empresa fueron importantes y en 1952 escribió y publicó la biografía de su mentor; Willis H. Carrier.

publicado en thepoint.com.mx el 15 de junio de 2020
imagen carrier.com

Annie Goetzinger el paso de la moda a la novela gráfica.

La novela gráfica también tiene grandes ilustradoras y argumentistas, los dibujos de Annie Goetzinger son clásicos de un trabajo realista elegante e histórico.

Armando Enríquez Vázquez

En 1977 en la tercera edición del Festival internacional del Comic en Angouleme, Francia uno de los eventos más importantes en el mundo de los comics y la novela gráfica, la ilustradora y artista gráfica Annie Goetzinger fue galardonada con el premio a la mejor novela gráfica realista de origen francés del año por: Légende et réalité de Casque d’or. Una historia acerca de una prostituta y la mafia parisina del siglo XIX.

La ilustradora y escritora de 26 años, en ese momento, estaba por convertirse en un verdadero referente de la novela gráfica y trabajar con leyendas del sector.

Annie Goetzinger nació en Paris el 18 de agosto de 1951, estudió en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Paris donde se especializó en diseño de moda, pero gracias a que una de las materias la obligaba a dibujar comics, Goetzinger descubrió esta vertiente del arte.

El maestro titular de esa materia era George Pichard, que era uno de los viejos maestros del comic en Francia. Durante sus años en la escuela el trabajó de Goetzinger llamó la atención de dos de los grandes historietistas y argumentistas franceses del comic que eran docentes en la institución: Jaques Lob y René Goscinny, este último uno de los creadores de Asterix el galo, quienes la invitaron a trabajar en la revista Pilote y en 1972 publicó su primera historieta en una revista para mujeres adolescentes llamada Lisette y se tituló Fleur.

El premio sirvió como promoción de su trabajo y el argumentista Victor Mora le ofreció ilustrar la novela gráfica Felina, una especie de Gatubela francesa ubicada en el siglo XIX y que tuvo mucho éxito entre los lectores. Algunos críticos e historiadores del género la han calificado como la versión femenina de Fantomas. Creada a finales de la década de los setenta del siglo pasado y con dos entregas extras en la de los ochenta, Felina como casi toda la gráfica de la época está cargada de imágenes sexuales que resultaban subversivas y muy atractivas en esos años.

En 1978 y junto con la argumentista Adela Turin crearon una biografía en novela gráfica acerca de la vida de George Sand, la escritora francesa, socialité y amante de varios compositores como Chopin y Musset. Gracias a esta novela el escritor Pierre Christin la invitó a trabajar con él en una serie de historias que tenían como personajes principales a mujeres. De 1979 a 1987 se publicaron cuatro libros diferentes que llamaron la atención de los lectores franceses. Otro trabajo entre los dos autores fue la serie de siete libros acerca de una detective llamada Edith Hardy, titulada La agencia Hardy.

A lo largo de más de cinco años a partir de 1997 la dibujante junto con el escritor Bruno Frappat publicaron en el periódico La Croix, una columna ilustrada llamada El humor de los días.

Pero como los estudios de Goetzinger habían sido en diseño de moda, la artista también diseñó a lo largo de su vida vestuario y escenografías para obras de teatro, trabajó en diferentes diarios creando ilustraciones.

Entre sus últimos trabajos como ilustradora se encuentran una historia acerca del fantasma de María Antonieta y una biografía de la escritora francesa Colette.

En 1992, junto con un escritor alemán, Andreas C Knigge y el poeta noruego Jon Sveinbjorn creó uno de las primeras novelas gráficas acerca del SIDA y la homosexualidad. L’Avernir Perdu.

Una de las obras más importantes de Goetzinger fue la biografía que la artista hizo de Christian Dior en 2013 y que se titula Una chica Dior.

En 2014 se le otorgó el premio bd-Boum y se convirtió así en la primera mujer en recibirlo.

Annie Goetzinger murió el 20 de diciembre de 2017.

imagenes: es.wikipedia.org

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Whitexicans al ataque.

Desenfrenadas, la nueva serie mexicana de Netflix demuestra que un argumento políticamente incorrecto; racista y clasista, continúa funcionando entre los mexicanos.

Armando EnríquezVázquez

El creador de la serie, Diego Martínez Ulanosky, que en su historial en IMDB presume haber sido productor general de una serie tan exitosa como Soy tu fan, únicamente en su primera temporada, realmente no demuestra haber aprendido nada de los matices de una serie de comedia consentido y exitosa con personajes bien dibujados y una narrativa con objetivos y un fin. A diferencia de su trabajo como escritor y creador, Martínez Ulanosky demuestra ser un decente director y lo expone con los capítulos que dirigió para la serie que son la mayoría.

La serie que en general abunda en lugares comunes y malos diálogos es salvada por las excelentes actuaciones de sus protagonistas y en especial las de Tesa Ía (Vera)quien logra una excelente representación de una mirreina y Coty Camacho (Marcela) quien es la antagonista de Vera, una joven de clase humilde que es explotada por su novio y un capo local que la obligan a trabajar en un table, y que se ve obligada a escapar por el adeudo de un dinero robado que la pone en la vera de convertirse en prostituta para saldar la deuda.

Ambas actrices sostienen la serie y ésta se completa con las actuaciones de Bárbara López (Rocío) y Lucía Uribe (Carlota) quienes completan el cuadro de cuatro protagonistas. Desenfrenadas es la historia de tres jóvenes mujeres de la Ciudad de México hartas de sí mismas, de su realidad y de su entorno. En ese huir inconsciente, pretextando despedir a Rocío antes de que viaje a su especialización médica a Suecia, sólo logran estrellarse con la realidad de un país que por su posición económica les es desconocida y por sus prejuicios de clase y color de piel no pueden concebir. Incapaces en un principio de la empatía, al final de la serie no habrán cambiado mucho, pero al menos habrán rescatado a Marcela del círculo vicioso en el que vive y que anula su persona. Tesa Ía demuestra una capacidad histriónica en la comedia que hace mucho tiempo no veía en una actriz mexicana y el personaje que ha creado será sin duda un referente en el futuro de la comedia y farsa de nuestro país. Las secuencias lugar común y mal escritas del mundo de la redacción de la revista de modas donde Vera trabaja son salvadas sólo por la actuación de Tesa Ía, que es la única actriz que no se siente fingida en ellas a diferencia de interpretaciones acartonadas de las actrices que interpretan a su enemiga, su jefa y su asistente. La contraparte, Coti Camacho, hace una mexicana de esas de cepa que trabaja y mantiene a su familia, que enfrenta al machismo en el que vive inmersa; desde una pareja que la padrotea, pasando por su hermano menor, al que ha mantenido desde la muerte de sus padres, y la ven como un ser menor, cuya función es resolver problemas consiguiendo dinero para ellos que la  explotan en un table, la ceden o traspasan como un mueble y después la desprecian. La fuerza y agresividad del personaje se asoma en la mirada de la actriz. Su incapacidad de entender a las demás y su forma de vivir, ni el drama de lo que las whitexicans creen problemas vitales denotado no sólo en diálogos, sino también a partir de gestos, miradas, en el dialogo interno del personaje es digno de verse. Lo aguerrida, decepcionada de quien vive al día, en todos los sentidos de Marcela están presentes a lo largo de la impecable y poderosa actuación de Camacho.

En el caso de Rocío y Carlota parecen haber sido creadas únicamente como acompañamiento a ese choque entre Vera y Marcela. Carlota es una entusiasta de la nada, una mujer que quiere comprometerse más por moda pero que tiene miedo y su personaje es una de esas comparsas que es agradable seguir en una serie de comedia, mientras que Rocío que pretende ser el personajes que se descubre, que rompe con las represiones e imposiciones familiares y que se culpa por el suicidio de su hermana, termina siendo un personaje tan sobrio y solemne que realmente nos importa poco lo que suceda con ella y las decisiones que tome. El personaje se pierde con el estridentismo de Vera, la violencia de Marcela y la ingenuidad proactiva de Carlota. Ni siquiera el rompimiento con su padre, una celebridad en la medicina que impulsa e impone un futuro a Rocío, parece importante, no se nota el crecimiento en el personaje.

Lo peor de la serie es la caricatura de personaje que es Juanpi (Tomás Ruiz), el novio de Rocío, quien tiene tanto interés por ella o por romper con ella como por hacer creíble su personaje. La serie de galancetes playeros y músicos de cuarta son los clásicos rellenos que ni siquiera resultan graciosos. En general los personajes masculinos; machos, débiles, triviales están escritos como lo peor de los seres humanos, y claro ejemplo de una percepción sesgada em el guion.

La forma en que está representada una generación de mexicanas, y de mexicanos egoístas y narcisistas es acertada y creo que es una muestra de porque sucedieron una marcha y un paro la semana pasada en el país

Si el timeline de la serie se extendiera, me queda la certeza que a los pocos meses las tres whitexicans inmersas en sus problemáticas personales y su egoísmo generacional habrán de olvidar a Marcela en las calles de la gran urbe. La insensibilidad de los personajes es la misma de la quien ideó una serie tan políticamente incorrecta en tiempos en que el feminismo mexicano es punta de flecha a nivel mundial.

La historia esta más que completa si se cuenta de manera lineal, pero esa moda e incapacidad de los escritores de series de trabajar el subtexto y a falta de creatividad e ingenio crear flashbacks mediocres, largos y cuya única finalidad es llenar el tiempo a cumplir de un capítulo, así como personajes y situaciones que al espectador le importan poco y le dan tiempo para ir al baño o a prepararse un sándwich hace que la serie tenga algunos baches relevantes en su narrativa, la secuencia de la partera, de la que se agradece la actuación de Angelica Aragón, pero que es un capítulo de relleno es un buen ejemplo de esta incapacidad de ser sintético. El ejemplo más claro de estos rellenos en la creatividad que rompe el ritmo de la historia es el personaje de la ex modelo de Colombia, amante del padre de Vera, que al final de cuentas es sólo una versión más banal y prostituida de las tres amigas y sólo Vera es capaz de vislumbrarlo, sin que realmente suceda nada en la joven y sólo se vuelva una acusación visceral a la colombiana y lo que parece también un asunto xenófobo, pero el creador que es argentino debe conocer bien estas historias de trepadores en un país malinchista.

Factor aparte resulta la fotografía que es extraordinaria en lo general y las paletas de colores igualmente elegidas con la misma discriminación socioeconómica con la que se escribió la serie. El trabajo es de Julio Llorente, fotógrafo español.

Desenfrenadas resulta atractiva y divertida, no por el argumento que es un lugar común, si no por las extraordinarias interpretaciones.

publicado en roastbrief.com.mx el 17 de marzo de 2020

imagen Netflix

Tayto las papas fritas de Irlanda.

En una de las naciones que adoptó al tubérculo peruano como uno de sus cultivos básicos se encuentra la marca de papas fritas que le dio sabor a la industria.

Armando Enríquez Vázquez

La papa es uno de los miles productos con los que América contribuyó a la alimentación del mundo, originaria de Perú la papa llegó a Europa gracias a los españoles y a los ingleses.

La tradición dice que, en 1585, el famoso pirata y político inglés, Sir Walter Raleigh plantó las primeras papas en Irlanda. Lo cual parece ser sólo un mito, un portal dedicado a la historia de Irlanda cree que es más probable que el responsable fuera Sir Francis Drake, otro notable pirata isabelino, puesto que tuvo contacto con los españoles y los barcos donde estos transportaban papas a diferencia de Raleigh que estuvo en América del Norte sobre todo en Virginia donde no se conocía y mucho menos se cultivaba la papa.

Lo cierto es que los irlandeses pronto hicieron de la papa uno de los cultivos básicos para su alimentación y depender de la papa llevó al pueblo irlandés a una de las más grandes migraciones de la cultura irlandesa cuando los cultivos de papa fueron arrasados por una enfermedad conocida como Blight en inglés y Tizón Tardío en español. Irlanda perdió entre 1845 y 1849 alrededor del 25% de su población entre muertes y migración, en lo que se conoce como la Hambruna de la papa.

Una vez superada esta época negra de la Isla, la papa volvió a ser uno de los alimentos más importantes en la dieta de los irlandeses y lo continúa siendo, resulta curioso en ese sentido que hasta 1954, la mayor parte de las bolsas de papas fritas en Irlanda eran importadas del Reino Unido.

Esa fue la fecha en que se fundó Tayto, la marca que domina el mercado irlandés y uno de los íconos de los alimentos industrializados de aquella nación. Joe Spud Murphy fue el responsable de esto. La palabra Spud que utilizaba como apodo es un sinónimo de papa. Joe Murphy nació en 1923 y abandonó la escuela a los 16 años para dedicarse a diferentes negocios, sobre todo a la importación de bienes que no existían en Irlanda en ese entonces como bolígrafos y una bebida muy popular en el Reino Unido llamado Ribena.

Murphy era un hombre que buscaba constantemente nuevas oportunidades de negocio y con ello no tardó en idear una nueva forma para las papas fritas. Las bolsas de papas fritas que se vendían en los bares de Irlanda eran totalmente insípidas y junto con las rebanadas del tubérculo se incluía en el empaque del producto una bolsa de sal para sazonar y resaltar el sabor de la papa.

Murphy entonces decidió crear una marca irlandesa de papas de fritas, la gran diferencia también estaría en que el producto de Murphy tendría sabor. La inversión inicial fue de 500 libras esterlinas. Joe Spud Murphy y uno de sus empleados iniciales de nombre Seamus Burke idearon el primer sabor que se añadió de fábrica a las papas fritas; Queso y cebolla, Tal fue el éxito de la innovación de Murphy que de Estados Unidos y el Reino Unido llegaron a comprarle los derechos de la patente.

Murphy innovó con otros dos sabores con los años; Sal y vinagre, Tocino ahumado.  El nombre de la empresa proviene de la pronunciación del hijo pequeño de Murphy de la palabra potato; tayto.

Tayto inició friendo las papas de manera artesanal en calderos de aceite y con sólo ocho empleados. Hoy la empresa ofrece diferentes líneas de botanas además de las tradicionales tiene líneas gourmet de papas fritas y palomitas de maíz para horno de microondas con diferentes sabores.

Otro de las estrategias de Murphy para posicionar su producto fue crear un personaje para representar a la marca: Mr. Tayto; una papa frita que lleva saco y sombrero de los llamados pork pie. Mr. Tayto es muy querido entre los irlandeses y se puede comparar a nuestro Osito Bimbo.

En 1964 dado el éxito de la empresa una parte importante de las acciones fue comprada por la famosa y desaparecida empresa norteamericana Beatrice Foods. Tayto es una empresa que actualmente pertenece a dos empresas Tayto Snacks Unlimited Company y la alemana Intersnack.

Tayto además tiene un parque de diversiones temático con zoológico situado en el poblado de Ashbourne en el condado irlandés de Meath, junto a la fábrica de la empresa. Como muchas cosas, Tayto no es la misma en Irlanda que en Irlanda del Norte. En 1956, la familia Hutchinson compró los derechos a Murphy para utilizar el nombre, el personaje y fabricar sus papas fritas en la parte anglicana de la isla, con el mismo nombre que en la nación católica. Los Hutchinson siguen siendo dueños de la versión de Tayto en Irlanda del Norte.

Joe Spud Murphy murió el 28 de septiembre de 2001.

publicado en thepoint.com.mx el 8 de junio de 2020

imagen. tayto.com

La increíble e infinita historia de Los 100

¿Cuántas veces debes acabar con los demás para justificar tu forma de ser? La respuesta está en cada temporada de Los 100.

Armando Enríquez Vázquez.

Esta lectura está plagada de spoilers es bajo tu decisión continuar.

Justo cuando inicia la séptima temporada y final de Los 100 en la televisión abierta, vi en Netflix la sexta, de la que ya había visto hace un año los primeros capítulos, pero que el esperar semanalmente el estreno me desesperó, sobre todo para una línea argumental que era de esperar.

Si algo nos han demostrado el creador de la serie es que la trama de cada una de las temporadas es circular, la serie es una demostración del Eterno Retorno, del que tanto hablaba Nietzsche.

La serie que se estrenó en 2014 y ha sido desarrollada a lo largo de sus siete temporadas por Jason Rothenberg basado en la serie de cuatro novelas homónimas de la escritora de ciencia ficción Kass Morgan nos habla de un grupo de habitantes de La Tierra que huyen a la estación espacial cuando ellos presumen que los humanos han sido aniquilados, las necesidades lo hacen enviar a 100 jóvenes a explorar el planeta tras algunas décadas para averiguar si este es habitable y descubren que no solo es habitable sino que existen especies animales y de hombres que pueden ellos acabar para habitar de nuevo el planeta.

En el caso de la serie de televisión, las seis temporadas previas a la final tiene una estructura circular que se repite sin falla: En una sociedad más o menos estable, el cambio de una de las variantes provoca una crisis que pone en peligro su existencia y los obliga a luchar con grupos humanos diferentes al de los protagonistas y siempre de alguna manera u otra Clarke Griffin (Eliza Taylor) se encarga de aniquilarlos para reestablecer un frágil equilibrio, en el último capítulo de cada temporada se boceta lo que puede o parece ser el próximo problema en la historia de estos sobrevivientes espaciales.

En ese tenor la quinta temporada termina con la destrucción del planeta Tierra y los sobrevivientes en una nave militar con capacidad para la criogénesis y que buscará el planeta donde los últimos terrícolas podrían establecerse.

Así pues, la sexta temporada inicia con Clarke y su séquito de colaboradores y antagonistas despertando y llegando a un nuevo planeta que puede soportar vida como la conocemos, han pasado más de 200 años y en su descenso al nuevo planeta, Clarke, Bellamy (Bob Morley), el villano simpático de la serie John Murphy (Richard Hammon), Emory (Luisa de Oliveira), Echo (Tasya Teles), Charmaine Diyoza (Ivana Milicevic) y Octavia (Marie Avgeropoulos) llegan a una ciudad llamada Sanctum que está vacía, un eclipse los vuelve violentos e irracionales y al terminar el fenómeno descubren como siempre que no están solos, que el planeta se encuentra habitado por una monarquía de humanos que salieron también de la tierra muchos años antes del desastre original buscando planetas habitables y que ha aprendido a ocultarse en los momentos de los eclipses para sobrevivir. Los gobernantes los ven como invasores peligrosos hasta que descubren que Clarke es portadora de la sangre negra, llamada por los terrícolas como Nightblood. A partir de este tipo de sangre y de chips que guardan la memoria del individuo, la clase reinante de Sanctum encabezada por Rusell Lightbourne VII, lo que describe el número de cuerpos que ha ocupado, se ha perpetuado en el poder escogiendo los mejores cuerpos para ellos. Seres humanos asesinados para ser ocupados por la conciencia de un muerto, lo que es una versión moderna y futurista de The Invasion of Body Snatchers, película que aparte es uno de los grandes argumentos de la ciencia ficción y que se ha filmado en diferentes versiones a lo largo del siglo pasado y lo que va de este, empezando con la original de Don Siegel en 1956, el remake de 1978 de Philip Kaufman, mi versión favorita con Donald Sutherland, hasta la versión de 2007 estelarizada por Nicole Kidman y dirigida por James McTeigue y Oliver Hirschbiegel. La gran diferencia es que aquí la usurpación del cuerpo se lleva a cabo a través de un chip y de una forma u otra está perfectamente justificada.

Como en las temporadas anteriores, pretextando actuar en contra de algo poco ético, Clarke terminara actuando de peor manera que sus antagónicos. Una de las acciones que aplaudí de esta nueva temporada fue la muerte de la madre de Clarke, Abigail Griffin (Paige Turco) un personaje más que despreciable y al que soportamos por seis temporadas, con una de las actitudes más detestables entre los diferentes personajes que han desfilado a lo largo de la serie, pero siempre tratando de ser agradable y la figura maternal para Clarke a pesar de haber asesinado al padre de Clarke al denunciarlo al gobierno de la estación espacial y hacer que sea lanzado al espacio, esta dualidad en el personaje muy bien lograda habla de la extraordinaria capacidad histriónica de Turco.

La sexta temporada es también una vil repetición de la segunda temporada cuando los jóvenes enviados a La Tierra se encuentran con una civilización utópica, en su fachada, que habita al interior de una montaña y que para sobrevivir se aprovechan y matan a los habitantes de la superficie terrestre.

Lo increíble de esta serie es y sigue teniendo la capacidad de enganchar a la audiencia a partir de la misma historia, matizada de diferente manera, con algunos nuevos personajes y con el sacrificio de otros que se han vuelto familiares.

Se acaba de estrenar la temporada final, la cual veré en unos meses, pero ya se anuncia que CW encargó a Rothenberg el primer capítulo de la precuela que cuenta la historia anterior a la guerra que despobló el planeta y obligó a la migración a la estación espacial. Así que debemos prepararnos para que nos cuente la misma historia ad infinitum.

imagen cw

De pan y otros productos árabes

La migración libanesa enriqueció a nuestro país con diferentes aspectos de su cultura, una de las más importantes la gastronomía y marcas que crearon.

Armando Enríquez Vázquez

Las grandes migraciones insertan en las sociedades que las reciben modismos culturales que impactan de diversas maneras. La migración árabe en México, además de la cultura, integró y popularizó muchos de sus sabores.

Gracias a los libaneses que llegaron al país desde el siglo XIX, en la capital del país se desarrolló el taco al pastor que hoy, los habitantes de la CDMX identificamos como una de las comidas características de la Ciudad de México. Otro producto que el mexicano integró a su forma de comer fue el pan árabe, que por su parecido a la tortilla y ante todo a la tortilla de harina originaria del norte del país y que tiene su origen también en el Mediterráneo, en el pan ácimo de los judíos conversos que llegaron y fundaron Monterrey.

Hoy en casi todas las grandes ciudades del país se encuentran restaurantes que ofrecen comida libanesa a sus habitantes y en la mayoría de ellas existe una comunidad libanesa. Este pretende ser un breve repaso de marcas de comida libanesa que gran cantidad de mexicanos hemos consumido y nos gustan.

El primer horno para pan árabe que se construyó en México y la primera panadería árabe en el país fueron labor de un hombre llamado José Cado y su esposa María Namnum y se ubica en la calle de Las Cruces en el centro histórico de la Ciudad de México, la pequeña empresa familiar aún existe y se llama Casa Cado.

En Puebla de Zaragoza se estableció José Helu, con su familia, en 1936 Helu prendió el primer horno de pan árabe en la capital poblana. La empresa fue un éxito y trece años después Porfirio Helú quien decidió acentuar el apellido familiar, determinó mover parte del negocio a la Ciudad de México, así fue como el restaurante Helú’s abrió en el centro de la Ciudad de México en la calle de República del Salvador. La producción de pan árabe, así como otros alimentos y los populares dulces árabes crecieron la oferta de la empresa. Desde hace más de 70 años Helú’s se ha consolidado y a pesar de mantener una presencia muy modesta en el mercado, sus productos en especial el pan árabe se puede encontrar algunos establecimientos dedicados a comida árabe y supermercados. Hoy el restaurante se ubica en la calle de Mesones en el centro histórico de la Ciudad de México.

El negocio continúa en manos de los descendientes de José Helu, el logotipo de la empresa imita la caligrafía árabe con el nombre Helú’s en azul y muestra la silueta de diferentes cúpulas moriscas en blanco como si tratara del horizonte de una ciudad en un fondo rojo.

Existe otro local que reclama la herencia de José Helu en el centro en un pasaje de República del Salvador donde se afirma que Porfirio inició su negocio en la ciudad de México, el propietario actual Huberto Helu en un programa de canal 11 menciona que su abuelo inició la fabricación del pan árabe en Pachuca y no en Puebla como sugiere el sitio de Helu`s el restaurante ubicado en Mesones. En Puebla existe un negocio llamado Vicente Helú que pertenece a otro descendiente de José, por lo que la información de Pachuca parece no ser del todo verdadera. Existe promoción y distribución de la marca en Guadalajara también.

Mientras Helú’s es una marca antigua y de tradición entre los productos árabes en nuestro país han surgido en estas décadas marcas nuevas que han cobrado gran presencia en el mercado.

Una de ellas es Baalbek que utiliza el nombre de un antiguo asentamiento fenicio en el mediterráneo que con el tiempo se convirtió en la ciudad helénica de Heliópolis. Las columnas de la ruina de un templo de esta época dentro de un escudo es el logo de la marca, enmarcado en una guirnalda de olivo con una palabra en árabe en la parte superior toda es iconografía encerrada en un grueso círculo rojo y la palabra Baalbek fuera del circulo en la parte inferior de la composición. La marca pertenece a una empresa llamada Ibrahim S.A. de C.V. fundada por una familia del mismo apellido en el año 2000.

Baalbek tiene presencia en las tiendas de autoservicio y en las especializadas en productos árabes.

Otra empresa dedicada a la elaboración de pan árabe y otros productos de la cocina árabe es Interdeli fundada en 1997 y cuya principal marca es Libanius. Esta empresa tiene presencia no sólo en nuestro país, gracias a una alianza con la empresa Damafro, dedicada a productos lácteos como yogurt tiene presencia en Canadá desde 2007 y su primera exportación a Estados Unidos se llevó a cabo en 2008.

Existen otras marcas mucho más pequeñas y regionales que son conocidas a lo largo y ancho del país por consumidores miembros de la comunidad libanesa, pero en especial por el consumidor común. De hecho, Libanius acuñó un término para sus productos y los llamas Mexiterráneos al tener variantes de humus con diferentes tipos de chiles.

A pesar de la importancia de estas empresas, como suele suceder y he escrito al respecto, poca o nula información se encuentra de ellas a no ser los escuetos renglones en sus sitios de Internet. 

publicado en thepoint.com.mx el 1º de junio de 2020

El artista peruano de 82 años y su portada de disco.

De acuerdo con Rolling Stone una de las mejores portadas de discos LP de la historia es la creada por Alberto Vargas de 82 años para Candy-O de The Cars.

Armando Enríquez Vázquez

¿Qué tienen en común una de las bandas de pop rock más exitosas de los ochenta y un artista gráfico de pin-ups de origen peruano? La respuesta; una de las portadas de LP, que de acuerdo con la revista Rolling Stone esta entre las mejores del rock.

En 1979 la banda The Cars cuyo vocalista, compositor y guitarrista era un alto y delgado personaje llamado Rick Ocasek, lanzó su segundo disco al que título Candy-O y para la portada del álbum el baterista del grupo, David Robinson quien además se encargaba de la dirección artística del grupo sugirió utilizar a un artista gráfico de los dedicados en las décadas anteriores a dibujar pin-ups. Los pin-up son imágenes ya sea fotografías o ilustraciones de mujeres posando de manera sugestiva y que bien podían en sus años adornar las paredes de una carpintería o de un taller mecánico. La moda principalmente norteamericana se prolongó a lo largo de más de 3 décadas del siglo pasado de los 30 a los 60 y después muchas de estas ilustraciones pasaron de ser artículos de colección a ser parte de un arte implicado, como cualquier, con gran demanda y muchos creadores e imitadores contemporáneos.

La destreza y calidad de algunos artistitas gráficos dedicados al pin-up los hace muestra como grandes talentos dentro de su especialidad, tal es el caso del Alberto Vargas, un hombre nacido en 1896 en Arequipa, Perú. Estudió en Europa, y antes de estallar la I Guerra Mundial llegó a Estados Unidos. Vargas se especializó en la técnica del aerógrafo que aprendió a usar retocando fotografías en el estudio de su padre en Perú y lo que más le gustaba pintar eran mujeres.

En 1919, Vargas era ya el artista oficial del teatro de variedades de Ziegfield, trabajó para ellos creando carteles a lo largo de 12 años, hasta que la llegada de la depresión de los años 30 acabó con la empresa.

Vargas además se dedicó como casi todos los cartelistas a la publicidad y creo entre otras campañas una para la Mayonesa Hellman’s en la que pintó a actrices como Marlene Dietrich, Heddy Lamarr, Greta Garbo, Shirley Temple entre otras. A finales de esa década obtuvo la nacionalidad norteamericana y una invitación de parte de la revista Esquire para colaborar en la publicación. Las provocativas ilustraciones de Vargas impulsaron a la Oficina de Correos de Estados Unidos a presentar una demanda legal contra la revista por utilizar el servicio postal para enviar material inmoral y pornográfico, demanda que ganó la revista.

En 1941 creó el poster para la película Moon over Miami donde actuaron Betty Grable y Don Ameche.  

A partir de 1959 Vargas comenzó a trabajar con Playboy. En 1974 murió su esposa y poco después Vargas decidió retirarse, cuando en 1978 David Robinson se acercó al artista con la propuesta para la portada del disco, Vargas rechazó la oferta. Una sobrina de Vargas de 16 de nombre Patty y que era una fanática de la banda se enteró por medio de una plática con su tío de la oferta del grupo y lo convenció de llevar a cabo la portada. Vargas tenía sus dudas de poder lograr un trabajo como en sus mejores años.

A partir de una sesión fotográfica que dirigió Robinson en una concesionaria de Ferrari con una modelo, Vargas creó la portada que es una de la más sexy entre los discos de los ochenta y hoy es otra de las grandes muestras del trabajo de Alberto Vargas.

Alberto Vargas murió a los 86 años en 1982. El disco no fue el más exitoso de la banda, pero el arte de Vargas lo hace destacar.

imagenes discog.com
                wikipedia.org

Fanny Rabel la muralista que llegó del este

Llegó a México huyendo del fantasma de la II Guerra Mundial, reforzó su vocación en tierras mexicanas y se convirtió en representante olvidada del movimiento muralista.

Armando Enríquez Vázquez

Sin duda que uno de los lugares comunes al hablar de la pintura en México es el movimiento muralista y sus tres grandes representantes; Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Después por lo general en un segundo plano, incluso de promoción y conocimiento se encuentran O’Higgins y O’Gorman, Chavez Morado, Tamayo, incluso del Dr. Atl, pero lo que poco han hecho aquellos llamados historiadores del arte y charlatanes que creen que en el panorama pictórico del siglo XX en México en materia de mujeres sólo existe la figura de Frida Kahlo, desconocen y obvian la importancia del papel que diferentes artistas gráficas jugaron dentro del muralismo, algo que Kahlo no realizó dentro de su labor artística.

Entre esas figuras femeninas que trabajaron en enormes paredes resaltan nombres como el de Aurora Reyes, Olga Costa, María Izquierdo, cuyas semblanzas ya he escrito y otras que están en la lista como las hermanas Greenwood y Rina Lazo.

Entre estas artistas que trabajaron en gran escala con mensajes sociales y críticas al sistema contadas como historias con sus pínceles se encuentra Fanny Rabel. Quien hablaba de la importancia del muralismo como un arte público al que todo mundo tiene acceso a diferencia de la pintura de caballete de que una vez terminada y vendida se pierde en el mundo.

La artista gráfica nació en Lublin, Polonia el 27 de agosto de 1922 con el nombre de Fanny Rabinovich, sus padres eran un par de actores judíos que a finales de la década de los años veinte se habían establecido ya en Paris, la infancia de Fanny Rabel transcurrió en la pobreza y viajando constantemente en trenes de un lugar a otro, en un video en que su hija, la actriz Paloma Woolrich habla sobre la artista, cuenta que su madre dibujaba desde niña y en esa infancia de carencia Fanny Rabel dibujaba las muñecas que no tenía. Diez años después migraron a México. Una vez establecidos en la Ciudad de México Fanny comenzó a estudiar en la Escuela Nocturna para Trabajadores uno de los verdaderos logros de la Revolución Mexicana, es ahí al realizar cursos de dibujo y grabado que la joven confirmó su vocación y en 1942 se inscribió a La Esmeralda donde tomó cursos con Chávez Morado, Frida Kahlo y Feliciano Peña.

Fanny se casó con el médico Jaime Woolrich y tuvo dos hijos que se dedicaron como sus abuelos a la actuación; Paloma y Abel.

Su primera exposición se llevó a cabo en 1945 en la Liga Popular Israelita, el texto introductorio a la exposición lo escribió Frida Kahlo: No es pintura personalista sino social. Le preocupan fundamentalmente los problemas de clase, y ha observado con una madurez excepcional, el carácter y el estilo de sus modelos, dándole siempre una viva emoción. Todo esto sin pretensiones, y llena de feminidad y finura que la hacen tan completa. (1)

Como discípula de Frida Kahlo, Fanny Rabel formó parte del grupo llamado Los Fridos y es la única mujer del grupo de cuatro artistas que incluye a Arturo Estrada, Arturo García Bustos y Guillermo Monroy. Fanny Rabel fue asistente de Diego Rivera en los murales de Palacio Nacional y aprendiz en el equipo del coronelazo David Alfaro Siqueiros. Pero ella desarrolló no sólo su visión propia en su obra de caballete, sus murales tienen también la personalidad de esta mujer judía, que se sentía orgullosamente mexicana y observaba la injusticia en los indefensos niños del país. Una de sus pinturas más conocidas se llama Luces y muestra a un niño indigente en medio de la modernidad de la ciudad de México. De la misma manera el crecimiento salvaje de la capital del país llamaba la atención de la artista y en diferentes pinturas que realizó en la década de los años setenta plasmó el caótico tráfico de autos y personas de la ciudad, así como la deshumanización de la urbe. La crítica social es otro de los recurrentes en la obra de Rabel y su cuadro El Lambiscón muestra a un abyecto y deforme personaje gris en cuclillas del que sólo el gorro verde envidia resalta.

Uno de los murales más conocidos e importantes de Fanny Rabel se encuentra en el Museo de Antropología e Historia y es titulado Ronda de tiempo, en el se aprecia a una serie de niños jugando, agarrados de las manos a lo largo de la historia desde la época prehispánica hasta el México contemporáneo.  

Otra obra importante de Rabel es el mural que se encuentra en el Centro Deportivo Israelí llamado Sobrevivencia de un pueblo que cuenta la historia del pueblo judío, el mismo Deportivo celebrando sus 70 años de fundación subió a Youtube un breve video entrevista con la artista hablando sobre el mural y el pueblo judío. (2)

En el Hospital Infantil de México Federico Gómez de la Ciudad de México se encuentra otro de sus murales llamado Hacía la salud.

En el video citado arriba la artista dice: “Yo lo único que sé, es que tengo que pintar.” Esa fue su gran pasión en la vida y su arte así lo demuestra. Fanny Rabel murió el 25 de noviembre de 2008 en la Ciudad de México, tenía 86 años.

(1) https://www.jornada.com.mx/2007/05/20/sem-raquel.html

(2)   https://www.youtube.com/watch?v=JB8M_tHfB5Y

imagen twitter.

Ragnarok contra los superhéroes de cartón.

Los personajes de Marvel y DC se han convertido en propaganda del American way of life y su doble moral, existen intentos de creadores independientes por darles una dimensión menos humana.

Armando Enríquez Vázquez

La fascinación por los relatos de héroes y superhéroes es una de las características de más antiguas entre los seres humanos, no existe una cultura alrededor del mundo que no tenga a sus héroes y seres con superpoderes. Personajes que ayudan a explicar muchos fenómenos naturales, pero ante todo a darle un orden y un sentido a la realidad, nos han ayudado a crear catálogos éticos y códigos de comportamiento que ayudan a desarrollar el comportamiento y la cosmología de pueblos y naciones. A veces a esos seres poderosos y supernaturales los hemos llamado dioses.

La actual obsesión por hacer esos modelos de comportamiento a grupos de maniqueos personajes, algunos de ellos como salidos de manera directa del Manual de Carreño y de la maniquea, melodramática y pervertida manera de ver al mundo de los norteamericanos. Muchas veces los personajes de Marvel y DC que se ha convertido en una industria muy lucrativa para los grandes estudios, son sólo propaganda del American way of life. Otra parte; los héroes de los universos de las empresas de historietas independientes, son muchas veces la metáfora del mundo corporativo vs el ciudadano común.

La nueva producción de Netflix Ragnarok, el fin del mundo en la mitología nórdica, combina ambas miradas. El nacimiento de Thor en el mundo corporativo de los villanos de la cosmología vikinga. Ragnarok es una historia de iniciación y concientización que ya hemos visto muchas veces. El héroe, en este caso el dios, que comienza a darse cuenta de quién es y cual es su destino a pesar de que el personaje intente en principio rehusarse a cumplirlo.

La producción es noruega lo que en muchos sentidos supondría que la aleja de los clichés melodramáticos de las series norteamericanas, pero esto no sucede. Lo que se agradece es la falta de esa forma de autocensura llamada políticamente correcto. Es el sacrificio y la muerte lo que obliga a los personajes a evolucionar y caminar creciendo en la trama.

Thurid (Henriette Steenstrup) y sus hijos Magne (David Stakson) y Laurits (Jonas Strand Gravli) regresan a Edda, el pueblo natal de Thurid, en un fiordo noruego. A su llegada al pueblo, Magne ejecuta un acto de bondad y es marcado en ese momento por una mujer mayor, desde ese momento el joven, que tiene problemas lento aprendizaje, sufre de mala visión, comienza a percibir diferentes cambios en sus problemas de salud. Poco tiempo después no necesita más los lentes. Sus problemas personales y su falta de habilidades para relacionarse con sus semejantes lo llevan a hacer amistad con la otra marginada del salón; Isolde (Ylva BjorKaas Thedin), una joven comprometida con el medio ambiente, youtuber y que culpa a los magnates de la ciudad del deteriorio del medio ambiente de Edda. Los Jotul, dueños de una planta de electricidad en la ciudad; quienes además son personas distinguidas en la sociedad. El padre, Vidar, es la persona más destacada de la comunidad y uno de los empresarios importantes de Noruega. la madre, Ran, es la directora de la escuela preparatoria y los dos hijos son los líderes de los jóvenes, al más puro estilo de los populares en las preparatorias de las películas norteamericanas, son los encargados de llevar una campaña en contra de Isolde ridiculizándola y minimizando sus acusaciones y teorías. El descubrimiento por parte de Isolde de un túnel en el glaciar cercano será el motivo de la muerte de la adolescente y del viaje de Magne de aceptación y descubrimiento de su verdadera persona.

La familia Jotul tiene un secreto está formada por un grupo de gigantes inmortales. Llegado el momento Vidar (Gísli Örn Gardarsson) junto con su hija Saxa (Theresa Frostad Eggesbo) son partidarios de acabar con Magne de manera inmediata tras confirmar que no es un ser humano. Mientras Fjord (Herman Tommeraas) y su madre Ran (Synnove Macody Lund) tiene una visión más discreta y mediadora en la forma de acabar con Magne y la familia.

Llena como comenté ya de lugares comunes la serie fue creada por el escritor y productor danés Adam Price, quien también es creador de la extraordinaria serie política Borgen, así como la compleja y terrible Algo en que creer que habla de la iglesia tradicional danesa y la culpa. Ragnarok es una serie que en sus seis capítulos puede ser vista como un prólogo a una serie importante sobre la mitología nórdica en el corazón de la sociedad contemporánea. Netflix ya anunció la renovación de la serie para una segunda temporada. A diferencia de sus dos series anteriores, los personajes de Ragnarok son fríos y la única presencia cálida y llena de esperanza, la de Isolde desaparece de manera brutal al inicio de la serie. Su presencia tácita a lo largo de los seis episodios es en muchos sentidos el motor de Magne y de la acción de la serie.

Ragnarok es un melodrama de fantasía; cruel y realista. Los adolescentes de la serie son eso: adolescentes. Crueles, estrenando y explorando su sexualidad. Con egos crecidos o menospreciándose a sí mismos, desafiando cuando es posible a la autoridad y tratando de demostrar su superioridad. Los jóvenes de Ragnarok son humanos en la medida de los posible. Dirigido sobre todo a las audiencias jóvenes ávidas de nuevas aventuras heroicas, desconocedoras de la mitología nórdica, la dualidad de Magne y Thor el Dios del trueno puede crear empatía con los aficionados a las triviales aventuras de Marvel, pero lo que es indudables es que crea esta empatía con aquellos que gustan de las historias de adolescentes marginales, perdedores, sin éxito. A los que están cansados de la misma historia, pero no tanto.  

Ragnarok, no es la primera serie de este estilo, entre los más claros ejemplos están Umbrella Academy o Titans ambas de Netflix. O Doom Patrol de DC, entre las más llamativas. Pero es la más reciente y carece de la fuerza de la primera de las mencionadas. ¿Puede Ragnarok crecer en la segunda temporada? Sin duda, al menos es lo que espero. 

publicado el 11 de marzo en roastbrief.com.mx
imagen.Netflix

Los Danzantes el éxito del mezcal.

De ser una bebida despreciada, el mezcal se ha convertido en una de las bebidas nacionales de moda y se exporta gracias a empresarios como Gustavo Muñoz y la marca que creó.

Armando Enríquez Vázquez

A diferencia del tequila que sólo puede ser producido en la región de Jalisco, la denominación de origen del mezcal incluye 9 estados; Oaxaca, Guerrero, Puebla, Michoacán, Zacatecas, San Luis, Tamaulipas, Guanajuato y Durango, probablemente la mayoría de los mexicanos y sobre todo en la Ciudad de México identificamos el Mezcal únicamente con Oaxaca. Para producir Tequila solo se puede utilizar el Agave tequilana weber. Para producir el mezcal existen más de 150 especies diferentes de agave.  Entre las especies más utilizadas están el agave espadín Agave angustifolia, Agave americana conocido como agave sierrudo, Agave durangesis, Agave cupreata, Agave convallis, Agave karwinskii.

Durante muchos años el mezcal se consideró una bebida popular indigna de pretensiosas cantinas de las clases media y alta del país. Esto ha cambiado en las últimas décadas, tal vez como consecuencia, por un lado, del aumento en la moda de beber tequila y por extensión la búsqueda de más bebidas nacionales, y por otro al aumento del precio del tequila y que se le da prioridad a la exportación del mismo.

Los Danzantes no sólo es una de las marcas más reconocidas actualmente de mezcal, es también un restaurante en el centro de Coyoacán en la Ciudad de México que fue el origen de todo. Los fundadores son Gustavo y su hermano gemelo Jaime Muñoz la idea detrás del restaurante era promocionar no sólo la gastronomía nacional, si no bebidas alcohólicas nacionales, en un principio se trataba de vino nacional, pero entre algún problema con su proveedor y la reticencia de los comensales por el vino nacional, Gustavo optó en un principio por tequila, pero en un viaje a Oaxaca descubrió el mezcal, al enamorarse de la bebida tomó la decisión, en ese momento arriesgada, de apostar por la promoción de una bebida que era despreciada, más que el vino nacional.

Para controlar la calidad y producción del mezcal que servían en su restaurante, en 1997, los Muñoz compraron un palenque abandonado en el pueblo de Santiago Matatlán. Un palenque es el lugar donde se lleva a cabo la molienda, cocción, fermentación, destilado y almacenamiento del mezcal.

A partir de ese momento el compromiso de Gustavo y su hermano, no solamente fue con los consumidores de su mezcal, si no con toda la comunidad y un grupo de productores de la bebida en la región de los Valles Centrales de Oaxaca. En 1999 surgió el proyecto Alipús con ese objetivo y que hasta la fecha se mantiene, conformado por 9 productores artesanales de la bebida. Alipús como en el caso de Los Danzantes tiene un restaurante que ellos definen como una Mezcaloantojería, un lugar que ofrece además de mezcal y cocteles con mezcal, antojitos oaxaqueños en pleno centro de la alcaldía Tlalpan en la Ciudad de México.

A lo largo de 23 años Los Danzantes ha logrado posicionar el consumo del mezcal no sólo a nivel nacional, actualmente la marca en sus tres versiones; joven, reposado y añejo, se vende en Estados Unidos, Canadá, Australia, Francia, Italia, España, Colombia, Perú, Suiza, Dinamarca entre otros países. El grupo tiene otros dos restaurantes uno en Oaxaca llamado Los Danzantes, también y otro en Coyoacán llamado Corazón de maguey.

El Logo de Los Danzantes está formado por tres máscaras indígenas y de acuerdo con Gustavo el nombre y el logo están tomados de la danza conchera que sincretiza las raíces prehispánicas y las impuestas por los españoles, fusión y orgullo de lo que somos y que afortunadamente gracias a personas como Gustavo ha hecho que revaloricemos lo nuestro.

Desde mi punto de vista es lo que significa México y que muchas personas quieren partir en dos partes que ayudan a los discursos de odio, porque la realidad es que ningún mexicano puede separar estos dos elementos sin deshacer el significado de México.

El éxito de una marca de bebidas alcohólica está relacionado en gran parte con el encargado de crear la bebida con la mezcla que le otorgue su sabor distintivo, en el caso de Los Danzantes esa responsabilidad recae en una mujer; Karina Abad es la maestra mezcalera de la marca y Jefa de producción, es una de las personas que más sabe sobre la bebida actualmente en el mundo. Química de formación, certificada por el Consejo Regulador del Mezcal y se convirtió en su momento en la primera mujer certificadora de Mezcal.

En 2014, Grupo Los Danzantes junto con el Centro de Investigación Científica de Yucatán y la Universidad Autónoma Chapingo creó Proyecto Maguey dedicado a descubrir las especies menos fértiles y como desarrollar programas para su reproducción que eviten la extinción de especies de maguey.

publicado en thepoint.com.mx el 25 de mayo de 2020
imagenes: losdanzantes.com