Narcos México; entre De Palma, Shakespeare y las fake news.

La serie es sin duda uno de los mejores intentos por contar una historia que no se mostrará por completo en las próximas décadas. Una historia que se diversifica a diario.

Armando Enríquez Vázquez

El estreno de la segunda temporada de Narcos México, me dejó con un extraño sabor de boca. Por lado el reconocimiento a la gran camada de actores nacionales que estelarizan la serie. Diego Luna en al papel de Miguel Angel Félix Gallardo, José María Yazpik como Amado Carillo, Andrés Almeida quien interpreta al Cochiloco, Alejandro Edda que hace el papel de El Chapo Guzmán, lleva su papel en crecendo, peleando por destacar y fiel a sus amigos, le queda el mostrar su capacidad histriónica porque de suceder una tercera temporada, su personaje irá convirtiéndose en protagónico. Noé Hernández que hace el papel del policía juarense Rafael Aguilar, Gerardo Taracena que interpreta al despreocupado y campechano Pablo Acosta, y sin duda destacan la presencia de la tres empoderadas mujeres de la serie interpretadas por tres extraordinarias actrices; Teresa Ruiz que hace el papel de Isabella Bautista, un personaje ficticio basado en La Reina del Pacífico, que con su porte y osadía llena la pantalla, la norteamericana Sosie Bacon que interpreta a Mimi, la joven norteamericana amante de Pablo Acosta, pero sobre todo a Mayra Hermosillo quien tiene a su cargo representar a Enedina Arellano Félix, la poderosa matriarca del Cartel de Tijuana. Mención merece también Fernada Urrejola que interpreta a María Elvira, la primera esposa de Miguel Ángel Félix Gallardo. Las caracterizaciones de estos personajes que marcaron y siguen marcando la historia negra reciente de México son poderosas, pero humanas. Figuras de tragedias de Shakepeare. La soledad que va envolviendo a Miguel Ángel Félix Gallardo a lo largo de los diez capítulos de la segunda entrega. La capitulación impostergable de quien quiso ser dueño de todo el tráfico de estupefacientes está magistralmente actuada por Luna y escrita con una sobriedad desconocida en cualquier historia otra de narcos mexicanos. El hombre que se presenta como empresario, siempre elegantemente vestido, con un gusto refinado en sus grandes mansiones que inicia en una ostentosa boda y termina refugiándose en una finca abandonada tras un atentado contra él y que finalmente es apresado bebiendo whisky en calzoncillos sentado en una enorme mesa de su fastuosa mansión, me recuerda al Scarface de Brian de Palma. Luna ha hecho uno de sus grandes trabajos en la serie. Un ánimo siniestramente juguetón y muy mexicano en el sentido chingaquedito queda claro en el Cochiloco y el Chapo, que recuerdan a personajes de Shakespeare como Rozencrantz y Guildenstern, El Chapo además siempre está en busca del reconocimiento de sus amigos y compinches en especial de su jefe Héctor El Güero Palma (Gorka Lasaosa), feliz de sus pequeñas grandes bromas y pequeña victoria. Ambos personajes pueden cambiar de humor de forma inmediata para convertirse en violentos y brutales criminales. La personalidad de los miembros del Cártel de Sinaloa contrasta con la solemnidad de Benjamín Arellano Felix (Alfonso Dosal) y la pasiva adicción de su hermano Ramón (Manuel Masalva). Sí Félix Gallardo es Scarface, los Arellano Félix son los Corleone, con Benjamín como Sonny Corleone y Enedina como Michael. Lo campirano, afable y bonachón del astuto Juan Nepomuceno Guerra (Jesús Ochoa) ese mafioso que se rige por un código muy personal lo hace cercano a un Robin Hood. Las personalidades con las que se representa a estos hombres y mujeres históricos del crimen organizado mexicano obvian su violento actuar y su crueldad.

El complejo mosaico de personajes que integran esa etapa del crimen organizado en nuestro país, las desavenencias, las alianzas, traiciones y acuerdos rotos que comenzaron el baño de sangre en el territorio nacional el cual no se ha detenido desde ese entonces y que aunque suavizado y adecuado para la narrativa de la serie funciona muy bien, contrasta con la visión y representación de los agentes norteamericanos en una ficción que se vuelve una mentira acerca de la participación de los norteamericanos en este Boom del crimen organizado en nuestro país. El presidente Díaz Ordaz alguna vez declaró que México era el trampolín de la droga porque Estados Unidos era la alberca. Aunque las agencias americanas se la pasan haciendo sus listas de personas más buscadas, lo cierto es que como dibuja Narcos México a la DEA, CIA y otras agencias norteamericanas beneficiarias directas del narcotráfico y su dinero con el que financian operaciones ilegales que el congreso norteamericano no aprobaría, es maniquea y melodramática. Los norteamericanos en todos los niveles son cómplices de lo que sucede en México, baste recordar la participación directa del gobierno de Obama en la venta y tráfico de armas a los cárteles criminales de nuestro país.

En ese sentido son las actuaciones de Scoot McNairy (West Breslin), Clark Freeman (Ed Heath) tan falsas como es toda esa parte del guion de la serie. West Breslin es un mediocre personaje interpretado de manera mediocre por McNairy, por lo que las apariciones del agente de la DEA y su escuadrón resultan muchas veces desesperantes en el avance de la serie. Salvo Miguel Rodarte (Danilo Garza) que es muy reconocible por su presencia en las pantallas mexicanas, el escuadrón de McNairy es totalmente irrelevante, no hay un personaje al que podamos ubicar en un momento y darle una personalidad. Esa parte condescendiente de la serie es la parte que desde la primera temporada rompe con la verosimilitud en la historia de Narcos México, si bien el asesinato de Kiki Camarena sucedió y el gobierno mexicano en muchos niveles fue partícipe del mismo, los norteamericanos no han sido protagonistas en la historia de horror si no como una parte importante de la misma, nunca como antagonistas, son cómplices de la corrupción y de las muertes de muchos mexicanos inocentes. Por eso quien no conozca la historia reciente de México que les compre a su patético y triste agente McNairy.

La parte política está apenas dibujada y a diferencia de los personajes criminales, la mayoría de los personajes políticos no llevan los nombres reales de actores que aún figuran en el gobierno del país como Manuel Barttlet, personaje importante en la ecuación del fraude electoral y en el asesinato de Camarena. Los hermanos Salinas sus nexos con algunos de estos criminales como Juan Nepomuceno Guerra, están ahí dibujados.

La serie es sin duda uno de los mejores intentos por contar una historia que no se mostrará por completo en las próximas décadas. Una historia que se diversifica a diario, que se ha hecho más compleja y que da para otras cuantas temporadas de Narcos México en los próximos años, a diferencia de la parte de la historia colombiana. La tercera temporada está en la mesa de negociación de Netflix y pronto sabremos sí existirá.

Narcos es el triste recuento de la corrupción y la evolución del crimen organizado en México y ese poder oculto que se maneja desde las altas esferas del poder que sentó las bases para ese México que está en nuestra cotidianidad, en la representación mundial de nuestro país, aunque no nos guste. Pero que independientemente que se debe contar, no podemos opacar y Netflix lo ha hecho de una manera digna que no glorifica a los protagonistas. Intenta solamente retratarlos como son. Violentos criminales que se visten de seda, pero que no cambian en el interior.

publicado en roastbrief.com.mx el 24 de febrero de 2020

imagen: Netflix

Karhu el oso deportivo de Finlandia

Esta marca con más de cien años de existencia ha sido la encargada de calzar a muchas de las grandes estrellas del atletismo finlandés y mundial

Armando Enríquez Vázquez.

En 1916 a un año de lograr su independencia de Rusia, Helsinki la futura capital de Finlandia tenía poco más de 150,000 habitantes. Ese año Arno Hohental fundó una empresa que se llamó Ab Sportartiklar Oy, en un principio era sólo un taller en el centro de la ciudad, donde a partir de madera de abedul se fabricaban esquíes, jabalinas y discos de lanzamiento. La empresa también elaboraba calzado atlético. Uno de los primeros clientes fue Hannes Kolehmainen, atleta finlandés dedicado a las largas distancias, Kolehmainen fue el primero de los afamados corredores de distancia que con el tiempo se conocieron como los Finlandeses Voladores. Junto con otro corredor conocido como El Lobo Volador de nombre Ville Ritola en 1917 llevaron sus zapatos por primera vez a través del Atlántico cuando compitieron en Berwick, Pensilvania. De esos llamados Finlandeses Voladores, ganadores de muchas medallas en los Juegos Olímpicos a lo largo de los años 20 y 30, el más importante fue Paavo Nurmi, quien impuso 22 récords mundiales en las pistas durante la década de los años 20. Todos ellos utilizaban zapatos de pista de la marca Karhu, lo que fue posicionando a la marca entre los atletas del norte de Europa.

En 1924, antes de cumplir diez años de existencia, Karhu fue nombrado proveedor oficial de los atletas finlandeses. Fue en 1920 que el nombre de la empresa cambió a Karhu que es la palabra finlandesa para designar al oso.

La empresa comenzó a tener una visión de diseño y desarrollo del producto como pocas en el mundo de los implementos deportivos de la época y fomentó entre sus trabajadores hacer ejercicio en sus horas de descanso laboral. Como resultado de esta política Matti Järvinen y Lauri Lethinen ambos trabajadores de Karhu ganaron medallas de oro el primero en lanzamiento de jabalina y el segundo en 5,000 metros en los Juegos Olímpicos de Los Ángeles de 1932.

En los años de la II Guerra Mundial, la empresa confeccionó, uniformes tiendas de campaña, botas para los soldados y por supuesto esquíes para el ejército finlandés. Al finalizar la II Guerra Mundial, Karhu retomó el liderazgo en la confección de zapatos para atletismo, continuó también con la fabricación de jabalinas y discos, pero estaba claro de que su producto principal eran los zapatos.

Karhu diseñó y patentó el logotipo de tres líneas, era el distintivo de los zapatos deportivos finlandeses. En 1952, Karhu vendió los derechos del logo a Adi Dassler, por el equivalente aproximado de 40,000 pesos y dos botellas de Whisky. Adidas estaba usando tras la pelea entre los hermanos Dassler y creación de Puma, las tres líneas en sus zapatos deportivos, incluso anunciaba sus tenis como los de las tres líneas, a pesar de que la propiedad intelectual del logo pertenecía a Karhu.

Karhu buscó una nueva insignia para sus tenis, y estilizó la letra “M” con la que empieza la palabra finlandesa Mestari que en español significa Campeón. A lo largo de las décadas la “M” de la marca se utilizado en diferentes formatos en los zapatos. Durante los Juegos Olímpicos de 1952 celebrados en Helsinki, Karhu se destacó como la marca de los campeones, Emil Zatopek el checo que destronó a los finlandeses, también utilizaba Karhu.

Los sesenta marcaron el diseño de zapatos de entrenamiento y que se usaban fuera de la pista, este modelo llamado Trampas tuvo mucha demanda entre los corredores y también los entrenadores de atletas de las universidades norteamericanas.

En 1970 Karhu fue la primera empresa de zapatos deportivos en obtener la patente por un sistema de soporte de aire para sus tenis que aminora el impacto en la columna del corredor. En 1986 junto con investigadores de la Universidad de JyväsKylä, Karhu desarrolló un sistema de soporte y muelleo al que llamó Fulcrum y mantiene la fuerza del movimiento y afectando de manera directa a las fuerzas que actúan de manera inversa en el corredor.

En 2016 la marca presentó su nuevo desarrollo para brindar la mayor comodidad al corredor al que llamo Ortix y en 2018 junto con la empresa Fleet Feet comenzó a ofrecer un zapato personalizado a partir de un sistema llamado fit id que consiste en escanear el pie del usuario

A lo largo de cien años el símbolo de la marca ha sido obviamente un oso, el oso es el animal nacional de Finlandia y símbolo también de fuerza. Existen más de 30 versiones que se han utilizado en 100 años del oso. Ese oso de la marca no olvida los orígenes nórdicos y los productos de abedul con los que inició la marca, en un principio de cuerpo completo el oso iba sobre esquíes y con los bastones para impulsarse, hoy la imagen del oso es más cerrada la parte alta del cuerpo de mamífero, pero bien que se nota que empuña los bastones de los esquíes.

Sin tener la popularidad de otras marcas de tenis y zapatos deportivos Karhu es una de las más icónicas, importantes y especializadas del segmento.

publicado el 18 de mayo de 2020 en thepoint.com.mx 
imagenes karhu

¿Dónde quedó Hollywood?

Los guiones y directores que han triunfado en los Oscar la última década son mayoritariamente extranjeros. Lo que demuestra la crisis de talento en Hollywood.

Armando Enríquez Vázquez.

El domingo 9 de febrero, sucedió lo imposible en el premio más maniqueo y predecible del cine. La película coreana Parásitos ganó el premio a la mejor película, convirtiéndose en la primera película no hablada en inglés, no producida por norteamericanos y no dirigida por un norteamericano en llevarse otros premios tan importantes en el esqueleto de cualquier película como dirección y guion original.

Lo que muchos periodistas de espectáculos llaman de manera pretenciosa: La temporada de premios, terminó con un derechazo directo a la mandíbula de Hollywood y lo que el sistema establecido de producción norteamericana representa. Bong Joon-ho, con su magistral película, su guion y una extraordinaria dirección cimbró los cimientos de la llamada Meca del Cine. Su saludo-homenaje a Martín Scorsese y su agradecimiento a Quentin Tarantino, junto con su declaración acerca de emborracharse hasta el amanecer, fueron sin duda, su reconocimiento y a la vez su forma de magnificar su victoria.

El cine, como otras fuentes de entretenimiento que se volvieron comunes e imprescindibles a lo largo del siglo XX, vive hoy una crisis y un abandono que preocupan a muchos miembros de la industria, ocupan a otros y enfurece a aquellos incapaces de enfrentar la nueva realidad.  El año pasado tras el músculo demostrado por Netflix por las 14 nominaciones, y 4 estatuillas conquistadas por la plataforma, Steven Spielberg encabezó toda una campaña en contra de las producción en las plataformas, Netflix en particular, que parece no haber sido muy bien vista por muchos otros productores y directores pues a pesar de que la plataforma sólo ganó dos Oscar el 9, Netflix obtuvo 24 nominaciones, diez más que el año pasado, así como el reconocimiento mundial de ser uno de los estudios productores más importantes en la actualidad. En un artículo de The New York Times de julio del año pasado (1) se habla de cómo la industria fílmica está creciendo en Nueva York y la posibilidad de que este se convierta en el nuevo Hollywood. Entre quienes ven esto como una posibilidad y están invirtiendo en estudios se encuentran Netflix, Robert De Niro y su hijo Rafael. Pero estos golpes virtuales, físicos y verdaderos, no tienen nada que ver con lo que realmente debe preocupar a una industria que se vuelve global en muchos sentidos. Sí bien los superhéroes de Marvel, DC y otros tienden a ser un hit de taquilla a nivel mundial, la misma industria fílmica, que se alimenta de estas cintas, las menosprecia al momento de considerar sus mejores premios, estas cintas sólo encuentran sitio en premios dedicados a los efectos especiales. Nunca veremos a ninguna de las actrices o actores encargados de personificar a un superhéroe o a un villano de las tradicionales cintas ser siquiera nominado. La excepción que significa el premio a Jaoquín Phoenix por su interpretación de El Guasón, se debe a que, sin la actuación de Phoenix, la película no existe. En Joker ningún planeta está en riesgo, la humanidad no está a punto de desaparecer, Joker no es una película cerca del ego demencial de una sociedad que se cree la policía y la salvadora del mundo, se trata del nacimiento de un villano, es una película acerca del génesis de este personaje que en ocasiones cobra una mayor fuerza que su antagonista. Sobre todo, es una película cercana a un monologo, más que una obra a varias voces. Joker se sostiene y cautiva gracias a una sola persona, a un solo actor que mantiene 2 horas de película.

Los guiones y directores que han triunfado en los Oscar la última década son mayoritariamente extranjeros, e incluyen nombres como Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu, Michel Hazanavicus, Tom Hooper, Alfonso Cuarón y por supuesto Bong Joon-ho, de ese tamaño es la crisis existente entre escritores, productores y directores norteamericanos dedicados a películas intrascendentes de superhéroes y a remakes de remakes. La mezquindad de los productores de Hollywood interesados en apostar únicamente por argumentos que les prometan ganancias muestra cómo han perdido el colmillo y la costumbre de arriesgar por nuevos talentos, y a pesar de ellos existen directores norteamericanos que destacan y triunfan en festivales fuera de Hollywood como el Sundance Film Festival, con mayor prestigio entre cineastas, críticos, fans que disfrutan, gustan y se divierten con el cine, que la noche de la estatuilla dorada.

Aparte de la temática, hay que tomar en cuenta los nuevos hábitos de consumo y la comodidad que buscan las audiencias. La gente quiere ver las películas en casa, a la hora que decidan pertinente. De acuerdo con un estudio publicado por el sitio statista.com (2) si bien 2019 presentó una pequeña variación positiva en el crecimiento de salas cinematográficas en Estados Unidos, 66 cines más con respecto a 2018, lo que puede ser tomado como algo optimista, ¿o no? Se espera que en 2020 las ganancias mundiales de los servicios por Internet (Netflix, Amazon Prime, Disney+) superen las ganancias mundiales generadas en las salas de cine. En estados Unidos esto viene sucediendo desde 2017, lo mismo sucede el Reino Unido de acuerdo con una nota de Hollywood Reporter publicada el 17 de diciembre de 2018 (3).

La fastuosa ceremonia de los premios Oscar pierde audiencias de manera dramática año con año, sólo el 9 de febrero pasado; 20% con respecto al año 2019. Esto demuestra el poco interés que tiene la gente por ver lo que la comunidad de Hollywood tiene que decir acerca del cine, siendo un grupo que como se pudo observar en esta entrega es racista y machista, No existe un número importante de nominados latinos, mujeres o negros, que son una buena parte de la población norteamericana. Latinos y negros, en este orden, son las dos principales minorías en ese país que presume de ser una olla de nacionalidades y contradictoriamente se ha encargado de etiquetar y separar a cada una de ellas. Para muchos jóvenes lo que suceda al interior de la industria cinematográfica norteamericana los tiene totalmente sin cuidado. La poca imaginación de los productores de la ceremonia ha hecho a las audiencias alejarse, sin conductores graciosos, censurando el tiempo y el contenido de los discursos, El Oscar es la clara muestra de lo que sucede en una industria maniquea, sosa, chabacana, llena de lugares comunes y que se autocensura. Una industria en la debería imperar la creatividad que tanto presumen y de la que carecen más del 90% de los directores, escritores y productores que se pasean altivamente por las calles de Los Ángeles, se cae a pedazos por la falta de ella.

1 https://www.nytimes.com/2019/07/10/nyregion/robert-de-niro-studio-queens.html

2 https://www.statista.com/statistics/188643/number-of-us-cinema-sites-since-1995/

3 https://www.hollywoodreporter.com/news/global-streaming-revenue-set-outpace-box-office-2019-study-finds-1169945

publicado en roastbrief.com.mx el17 de enero de 2020

Philip Castle el hombre detrás del poster de Naranja Mecánica

Philip Castle es un diseñador que trabaja con aerógrafo, entre sus trabajos no sólo está el poster de dos películas de Stanley Kubrick, si no portadas de discos de artistas muy reconocidos.

Armando Enríquez Vázquez

Para algunos el crear un poster para un producto cualquiera, o para promocionar una película, una serie, es simplemente un trabajo menor, puesto que no es un producto, como tampoco es una obra per se. Se trata únicamente de una creación derivada por la necesidad de la obra central de ser dada a conocer. Arte implicado, dicen algunos, su propósito no es sorprendernos, ni despertar nuestros sentidos sino llevarnos a comprar algo.

A veces con el paso del tiempo, los cambios en el gusto y la desaparición de los productos anunciados, algunos de estos carteles y los hombres detrás de ellos, quienes crearon estilos personales y hasta escuelas de cartelistas e ilustradores, comienzan a recibir la atención que no tuvieron antes.

La mayoría de ellos permanecen en un rincón oscuro que sólo los diseñadores gráficos y algunos curiosos escarbamos de vez en cuando, y esta vez quiero escribir sobre un hombre muy conocido en su gremio y entre artistas, pero que los mortales comunes e ignorantes desconocemos a pesar de conocer perfectamente su obra.

Sí en una reunión alguien menciona La Naranja Mecánica, difícilmente pensaremos en el libro, pensamos de inmediato en la película que Kubrick realizó de la novela de Anthony Burguess y en el poster que muestra a Alex travesando con el brazo extendido la letra A, el estilete en la mano y el ojo rodando junto al brazo. La mirada penetrante bajo en ala del bombín y la sonrisa sardónica. Rodeando la maldad y la perversión el blanco impoluto que sirve de fondo del poster.

Este maravilloso e inolvidable poster es la obra de un diseñador inglés llamado Philip Castle que nació en 1942.

La Naranja Mecánica no fue la única colaboración de Castle con Kubrick, 16 años después Kubrick lo llamó por teléfono para preguntarle por otro diseñador porque tenía un trabajo y Castle rápidamente se apuntó para realizarlo él. Lo que quería Kubrick era el dibujo de un casco militar de combate y la cinta era Full Metal Jacket. Castle es el autor también del poster de esa película de Kubrick.

Ambos posters son verdaderas referencias de la historia del cine mundial y el trabajo de Castle cumple con lo que creo son las reglas que debe cumplir un poster para una película y ambos son lo suficientemente atractivos para invitar al público a ver las cintas.

Castle es un artista que en lugar de pincel utiliza el aerógrafo y de ahí al calidad y características de su trabajo. Entre otros posters para películas Philip Castle ha realizado el poster para los cines de Europa de la cinta de Tim Burton Mars Attacks! The Boyfrend de Ken Russell, Going South de Jack Nicholson.

El trabajo de Castle incluye también su participación en los retoques de la portada del disco de David Bowie de 1973 Aladin Sane, I’ts Only Rock and Roll but I Like it de los Rolling Stones y His’n’Hers de Pulp.

PEZ un dispensador más atractivo que su contenido.

La creación de la pastilla en su origen de menta fue tan contundente como la forma en que se empacó años después. Los dispensadores de PEZ son piezas de colección hoy.

Armando Enríquez Vázquez

Eduard Haas III nació en Leonding, en las cercanías de Viena, en el imperio Austro-Húngaro en 1897, su abuelo era un médico y su padre tenía una tienda. En 1915 y aprovechando una receta de su abuelo, que él mejoró, se convirtió en el primer empresario en comercializar una harina lista para hornear un tipo específico de pastel conocido como Gugelhupf. La marca de la harina fue llamada Hasin y fue un éxito en Austria. Así nació la empresa madre: Haas. Con el tiempo se ha convertido en líder en materia de harinas, bebidas y otros productos como gelatina y flanes en Austria. Después de 100 años de existencia la empresa continúa siendo una empresa familiar.

Más tarde en los años 20 Haas comenzó a comprar grandes cantidades de aceite de menta y desarrolló la receta para fabricar unas pequeñas pastillas de menta. Los ingredientes principales; el aceite de menta y azúcar. En un principio existían tres presentaciones de PEZ pastillas redondas empacadas en papel, las pastillas en su forma conocida empacadas en papel o en una latita de aluminio similares a las que usa hoy la marca inglesa Altoids

En alemán menta se dice Pfefferminz, entonces Haas decidió crear una especie de abreviatura de la palabra, tomando la primera, la última y la letra de en medio de la palabra y creó PEZ. Haas era un enemigo del tabaco y de los cigarrillos por lo que en su inicio las pastillitas de menta se anunciaban como uno de tantos remedios para acabar con el vicio de fumar, gracias seguramente al azúcar lograron éxito en el mercado austríaco y poco a poco en Alemania, Francia y otros países europeos. Bajo la idea que su mercado principal era aquellos que querían abandonar el cigarro en 1949, PEZ introdujo el dispensador de pastillas, durante años este dispensador tuvo forma de un encendedor lo que causó furor entre los consumidores y rápidamente catapultó las ventas de PEZ. El dispensador fue idea del diseñador Oscar Uxa, un ingeniero free-lance contratado por Haas III, buscando un empaque más higiénico al momento de compartir las mentas. En 1987 se agregó la pequeña base al dispensador para mantenerlo de pie. La patente del dispensador perteneció a Uxa.

Al ser un producto dirigido a consumidores adultos durante las primeras décadas de venta de PEZ, se utilizaron edecanes llamativamente vestidas con pantalones que ofrecían la pastilla a los posibles consumidores, pronto surgieron los carteles con atractivas chicas para promocionar PEZ y con el paso de los años y cambios en la moda los pantalones fueron sustituidos por faldas que mostraban las pantorrillas de las modelos. Esas edecanes y modelos para los carteles pronto fueron conocidas como las chicas PEZ. Al mismo tiempo la empresa tenía como slogan: “Prohibido Fumar, PEZ permitido” (Rauchen verboten PEZ-en erlaubt). Otra de las estrategias de venta de PEZ fueron las máquinas expendedoras de los dispensadores, de acuerdo con la página de la marca entre 1950 y la década de los ochenta cuando fueron retiradas, existieron en Alemania y Austria más de 36,000 máquinas expendedoras de PEZ.

El logo de la marca son pastillas apiladas de manera independiente que formas las tres letras del nombre de la marca y se ha mantenido sin modificaciones a lo largo de los años. En 1953 la empresa llegó a Estados Unidos y durante los siguientes años mantuvo ventas de forma conservadora, los dulces de menta para no fumar, no eran algo atractivo en un país en el que médicos y Santa Claus fumaban y el fuerte sabor de la menta tampoco.

Otros sabores con los que se comercializó PEZ fueron; limón, eucalipto y hasta orozuz.

Al estallar la II Guerra Mundial la fábrica tuvo que detener su producción al carecer de materia prima, al finalizar la guerra Eduard Haas regresó a Linz y hecho la empresa de la familia a trabajar con los problemas de un abasto irregular y la prohibición de algunos productos de la empresa.

A finales de la década de los años 50, PEZ reposicionó la marca y el público objetivo. En Estados Unidos comenzaron a ofrecerse pastillas de sabores frutales y los dispensadores comenzaron a adoptar otras formas en lugar del encendedor, primero un Santa Claus, un Robot y una pistola de rayos, finalmente en 1958 se creó la primera cabeza para decorar la parte superior del dispensador se trató de una bruja de Halloween y en 1958 PEZ compró la primera licencia de un personaje. Los primeros dispensadores de PEZ caracterizados fueron de Popeye. Poco tiempo después compró por primera vez una licencia de Disney y en 1962 aparecieron los dispensadores de Mickey Mouse y el Pato Donald. Fue en esa época cuando PEZ lanzó uno de sus dispensadores menos exitosos y se conoce como Aritmético que era una especie de calculador de números, además se anunciaba como regla también. En 1968 en plena revolución de las flores y conforme al diseño de la época PEZ sacó a la venta dispensadores sicodélicos, en lugar de cabeza uno de ellos tiene una mano con un ojo.

En 1973, debido a la gran demanda del dulce en Estados Unidos se construyó una planta en Orange, Connecticut que hasta la fecha es la única fabricante de PEZ en Norteamérica. Más de 3 mil millones de pastillas de PEZ son consumidas anualmente tan sólo en Estados Unidos.

Los dispensadores son vistos como piezas de colección, existen miles de diseños diferentes y cada día hay más, existen historias de dispensadores que han alcanzado precios realmente estratosféricos como un prototipo del primer dispensador de Mickey Mouse que se vendió por 7,000 libras esterlinas. En la película ET, Elliot le muestra al extraterrestre un dispensador de PEZ con sus pastillas.

El 15 de junio de 1991, se llevó a cabo la primera convención de coleccionistas de dispensadores de PEZ en Mentor, Ohio. Tal fue el éxito con asistentes de todo el mundo que actualmente este tipo de convenciones se realizan en diferentes lugares del mundo y varias veces al año.

En la primera subasta que la casa Christie’s de Nueva York realizó en objetos de cultura pop había dispensadores de PEZ. En 2011 Pez abrió en sus instalaciones de Connecticut un espacio donde se exhiben piezas, dispensadores y la historia de la Marca.

La fábrica recibe peticiones para personalizar sus dispensadores y son rechazadas, lo que no quiere decir que no se hagan ediciones especiales con personalidades como Elvis Presley y más recientemente en 2011 con Kate Middleton y el Príncipe Guillermo, pero son decisión exclusiva de la marca. Por ejemplo, los dispensadores con la pareja real fueron subastaron por e-bay a 13,300 dólares con fines de altruismo.

publicado en thepoint.com.mx el 11 de mayo de 2020
imagenes pez.com 

Tamara de Lempicka la belleza del art deco

Entre los grandes exponentes de esta corriente de arte muy estilizado y figurativo se encuentra esta polaca que sobresalió por el erotismo en sus pinturas y vivió de sus retratos.

Armando Enríquez Vázquez

Para una mujer que vivió su vida al límite, que no conoció reglas, tal vez nada más lógico que terminar sus días en una ciudad que le niega un espacio al invierno y que sus cenizas fueran esparcidas en el cráter de un volcán.

Tamara de Lempicka nació con el nombre María Górska en Varsovia el 16 de mayo de 1898, en esos años Polonia era parte del Imperio Ruso, aunque la artista manipuló de tal manera su biografía que existen quienes dudan del lugar de nacimiento y de la fecha, sus mismas descendientes desconocen esos datos básicos. Lo cierto es que, siendo parte de una familia de dinero, vivió desde niña una manera muy cómoda, aun cuando sus padres se separaron cuando tenía cerca de 10 años, su lujosa forma de vida no cambió y fue enviada a estudiar a Suiza. A su regreso a San Petersburgo se enamoró y casó siendo una adolescente con un rico y distinguido abogado ruso al que conoció en la ciudad rusa de apellido Lempecki. La Revolución Rusa de 1917 puso a Tadeusz Lempicki en la cárcel y Tamara lo rescató, el matrimonio se exilió sin dinero, como muchos otros rusos, en Paris.

Tamara comenzó a pintar, tomó clases con Maurice Denis un artista decorativo de cierta importancia y André Lothe un pintor cubista. Tamara supuestamente había tomado ya clases de arte en la Academia de San Petersburgo. Comenzó a pintar para ganar dinero que le hacía falta a la pareja, tras el consejo de su hermana, la arquitecta Adrianne Górska que también se desarrolló en el art deco. Tamara además, tuvo una hija alrededor de 1919, a la que llamó María Krystina, pero a la que siempre llamó afectuosamente como Kizette. Kizette fue modelo desde la infancia de muchas pinturas de su madre. Lempicka es una de las mejores representantes de la pintura art deco. Sus figuras perfectamente definidas, solidas y con un gran peso dentro de la composición, estilizadas y estéticas la posicionaron como una artista importante dentro de la corriente y en el gusto de los ricos de la época. Lempicka pintó a Alfonso XIII, el derrocado monarca español y a la reina Isabel de Grecia. A Tamara no le costó trabajo regresar al ritmo de vida al que estaba acostumbrada desde su infancia. En 1931 Tamara se divorció de Lempicki.

Tamara de Lempicka retrató a la aristocracia francesa de entre guerras, en esa sociedad decadente que había sobrevivido a la I Guerra Mundial y que de manera egoísta y hedonista se dedicaba a vivir la vida de la mejor manera posible. Lempicka no actuaba de manera diferente y sus cuadros lo muestran, más allá de los retratos con los que se mantenía en un principio, La principal obsesión de Lempicka eran las mujeres desnudas.

Su bisexualidad, afición por las orgías, la cocaína y el champán, no le impedían trabajar por más de nueve horas en su estudio, creando sus imponentes pinturas. Mujeres en baños públicos, cuerpos femeninos voluptuosos y sólidos en sofás, sus retratos de mujeres son de una sensualidad innegable. La revista alemana Die Dame, la primera revista para mujeres en Alemania y la más popular de entre guerras en aquel país, publicó como portada una pintura que encargó a Tamara; un autorretrato de ella manejando, convertida en la imagen de la nueva mujer; atrevida, que nada le impide llevar a cabo tareas que se suponían exclusivas del hombre, pero al mismo tiempo mantiene su belleza como un punto importante. El cuadro hoy en manos de una familia suiza se llama Autorretrato en el Bugatti Verde es uno de los más importantes de Lempicka. En 1932 pintó Adán y Eva que es uno de los cuadros más importantes y representativos del art decó.

En 1934 se casó con un Barón húngaro; Raoul Kuffner. Con los tambores de guerra sonando en Europa a pesar de ser amiga de intelectuales fascistas y simpatizar con la ideología, Lempicka convenció a su marido de vender la mayor parte de sus propiedades en Hungría y poner su dinero en Suiza, con el tiempo la pareja emigró a Estados Unidos y Lempicka se sintió de nuevo en su ambiente, el frívolo y festivo mundo de Hollywood replicaba de alguna manera el ambiente al que la pintora se acostumbró en Paris. Su pintura cautivó por un tiempo a actores, productores y magnates norteamericanos. El paso del tiempo, el rescate de las corrientes vanguardistas de principios de siglo y las nuevas direcciones de la pintura fueron dejando el arte de Lempicka en olvido, hasta que en la década de los setenta se hizo una magna exposición en Nueva York con la obra de la artista.

Al finalizar la II Guerra Tamara de Lempicka reabrió su estudio en Paris en la Rue Machain. Cambió su estilo por uno abstracto, pero no logró la atención que tenía con su antiguo estilo art deco. En 1962 el Barón Kuffner murió de un infarto. Tamara de Lempicka se mudó a Houston, Texas donde vivía su hija Kizette.

La baronesa junto con Kizette y la familia de ésta se mudó en 1978 a Cuernavaca donde vivió hasta su muerte el 18 de marzo de 1980, por solicitud de la artista sus cenizas fueron arrojadas desde un helicóptero por Kizette al interior del cráter del Popocatépetl.

Su pintura la Bella Rafaella fue calificada entre los mejores desnudos del siglo pasado.

imagen it.wikipedia.org
                

Dos fuertes mujeres de la comedia.

Con mujeres empoderadas y la necesidad de politicas reales de equidad de género y no de cuotas, surgen dos extraordinarias series protagonizadas por mujeres fuertes e independientes.

Armando Enrìquez Vázquez

Sin ser lo más reciente en el catálogo de Amazon Prime, sin son las dos comedias más poderosas de la plataforma y ambas están estelarizadas por mujeres y cuentan historias de empoderamiento. Se trata de las series La maravillosa Sra. Maisel y Fleabag. La primera norteamericana, la segunda inglesa.

La maravillosa Sra. Maisel va en su tercera temporada y fue creada por el exitoso matrimonio de Daniel Palladino y Amy Sherman Palladino creadores en el pasado de Gilmore Girls.  Daniel es también el creador de Family Guy. La maravillosa Señora Maisel cuenta la historia de una joven madre judía neoyorkina Miriam Maisel interpretada por Rachel Brosnahan, que es abandonada por su esposo quien tiene una aventura amorosa con su secretaria, Miriam en un acto de desahogo se para frente a la audiencia de un bar de mala muerte al que ella y su esposo acuden con regularidad a ver comediantes o prospectos de comediantes que hacen stand up y otros tipos de actuaciones como perfomance o interpretar música y desata la carcajada del público subir a escena y contar sus desgracias. Además, Joel Maisel (Michel Zegen), el marido de Miriam, que tiene el sueño de ser comediante paga con una cazuela de comida su actuación en el bar. La administradora del bar es una mujer malhumorada, sarcástica con una carrera como agente de comediantes frustrada; Susie Myerson (Alex Borstein) ve en Miriam a una futura gran standupera, se empecina en convencer a la Señora Maisel en dejar salir a la comediante que lleva dentro. La serie sucede en Nueva York en 1958 en el que la separación y posterior divorcio de Miriam, dentro de una sociedad machista y una cultura aún más machista como la judía, el trabajar para mantenerse ella y sus dos hijos con la ayuda de sus padres, la constante intervención de los suegros y del mismo marido, más el inicio de Miriam en el circuito de los comediantes, la lucha de Susie por darse a conocer y que la tomen en serio, el error de Miriam para hacerse de una archienemiga que es una superestrella de la comedia de sketches en Nueva York y la omnipresencia de Lenny Bruce, el histórico standupero norteamericano, que desafío las leyes norteamericanas y de quien Bob Fosse realizó una película en 1974 estelarizada por Dustin Hoffman como Bruce. La cinta se titula sencillamente Lenny.

La Maravillosa Sra. Maisel se basa en personajes secundarios extraordinarios interpretados por extraordinarios actores, el padre de Miriam, Abe Weissman, un profesor de física de la Universidad de Columbia es interpretado por el excelente actor Tony Shalhoub quien hace unos años interpretó a maniático detective Monk en la serie del mismo nombre. La madre de Miriam, Rose Weissman, una ama de casa judía que vive en acomodada en el lujo de su vida y contra toda su formación religiosa, cree en la adivinación, esta interpretada por la actriz Marin Hinkle, Kevin Pollack como Moishe Maisel, suegro de Miriam, un empresario en ropa barata que choca de manera directa con la personalidad de Abe, su gritona esposa Shirley (Caroline Aaron) y Sophie Lennon (Jane Lynch) la archienemiga de Miriam, son el marco de personajes donde se desenvuelve la historia de la serie, con personajes eventuales como los matones que se hacen amigos de Susie, o los productores de comerciales de la tercera temporada. La maravillosa Sra. Maisel, tiene momentos maniqueos y que satisfacen el ego evocador que caracteriza a tantos escritores y creadores de series, más los homenajes constantes a lo más cursi del cine norteamericano de la época. La fuerza de Miriam y Susie y su instinto para sobrevivir y destacar son el tema de la serie luchar contra convenciones y prejuicios para darse de frente con los propios errores y manías; crecer y madurar. La Maravillosa Sra. Maisel es una extraordinaria comedia escrita dentro de esa moral nostálgica de muchas historias norteamericanas, pero que al mismo tiempo que al mismo tiempo es capaz de arrancar carcajadas entre situaciones absurdas y una sarcástica mirada a esa sociedad.

Del otro lado del Atlántico la mirada de Phoebe Waller-Bridge dio pie a una comedia que no habla de triunfos y progreso, si no de como es sobrevivir para una mujer en una sociedad como la nuestra el día de hoy. Con dos temporadas Fleabag es producto total de la creatividad de Waller-Bridge no sólo la creadora de la serie si no que es la guionista de todos los capítulos de la misma y la actriz que interpreta el papel de Fleabag, una joven londinense que no puede entender y manejar su vida, que ha traicionado a su mejor amiga y socia, que sufre la relación amorosa de su padre tras la muerte su madre, con una ex alumna de su esposa. Con el éxito de su hermana. Fleabag se enfrenta en la primera temporada a salvar su negocio, una cafetería y en la segunda a encontrar su lugar en ese mundo que para ella es hostil, pero es únicamente el mundo caótico en el que vivimos todos.

Fleabag es una serie con un humor muy especial, negro, sarcástico, políticamente incorrecto. De la misma forma que la serie norteamericana, Fleabag se construye gracias a grandes actuaciones y a personajes sólidos que hacen a Fleabag consciente de su fracaso secuencia a secuencia:  Claire (Sian Clifford) La hermana ejecutiva en una transnacional que en la segunda temporada vive viajando los fines de semanas a su hogar en Londres y pasa la semana en Helsinki donde se encuentra su trabajó. Olivia Coleman en el papel de la pareja de su padre, una egoísta, oportunista, arribista y controladora mujer. Andrew Scott como el cura católico del que se enamora Fleabag. Las situaciones que enfrenta Fleabag y el paso del mundo frente a sus ojos, son sólo hechos que suceden que no están predestinados a herirla, aunque esto sea lo que sucede, la postura de su padre que parece no tener sentimientos, sólo refleja como en ciertos sectores de las sociedades modernas, lo menos importante es hacer contacto con otros seres humanos por cercanos que sean, y mantenerse encerrado en los muros que construimos a nuestro alrededor.

La Maravillosa Sra. Maisel está en producción de su cuarta temporada que se estrenará en 2020, Fleabag por su parte ha terminado y Phoebe Waller-Bridge decidió que no habría una tercera temporada y que la historia de Fleabag ha finalizado.

publicado en roastbrief.com.mx el 10 de febrero de 2020

imagenes: Amazon Prime.

Una cerveza letona.

Tras la caída de la Cortina de Hierro y la imposición de políticas comunistas en los países del este de Europa surgieron empresas y algunas de ellas han sido exitosas como esta cervecería.

Armando Enríquez Vázquez

La historia de las pequeñas naciones bálticas; Lituania, Letonia y Estonia, después de la II Guerra Mundial fue la de la opresión y la imposición del sistema comunista soviético, hasta que este se desmoronó, entonces surgieron y resurgieron empresas coperativas o privadas que tuvieron euq competir. Y existen historias muy exitosas de empresas como Bauskas Alus que a pesar de tener origen en los sistemas de organización soviéticas hoy destaca gracias a la individualidad. La producción de cerveza como parte de la empresa estatal de los campesinos dedicada a comidas enlatadas inició en 1981. Esta empresa se situaba en el municipio de Bauska, en el sur de la nación báltica, de ahí su nombre.

Al inicio fabricaron tres tipos de cerveza; una lager tipo bávaro a la que llamaron Marta Alus, una cerveza estilo Riga, la capital de Letonia. Rigas Alus y un tipo de cerveza que recrea las cervezas ancestrales de Letonia conocida como Sencu Alus.  Alus es la palabra letona para cerveza. Un año después, en 1982 comenzó la producción de cerveza oscuras y ligeras que son de gran demanda a la fecha.

EL éxito de Bauskas Alus a lo largo de sus casi cuarenta años de existencia depende del conocimiento de un sólo hombre, el maestro cervecero Karlis Zalitis.

Zalitis nació en Mazsalaca, una ciudad del norte de Letonia, el 2 de julio de 1926 y aprendió el arte de la fabricación de cerveza desde su infancia cuando según una entrevista en el Baltic Times en 2008, el viejo maestro cervecero recuerda como en su infancia, todo mundo en las áreas rurales de Letonia bebía y elaboraban su propia cerveza. La madre de Zalitis la hacía a partir de la fermentación de pan de centeno.

Zalitis enfrentó la II Guerra Mundial evitando el ser enrolado, su padre pagó un soborno para salvar la vida de su hijo e impedir que fuera al frente y de la misma manera impidió a Karlis huir al oeste del continente o a Estados Unidos como muchos de sus contemporáneos. Karlis en un principio quiso ser fotógrafo, pero con el tiempo regresó a sus raíces y a trabajar con cuero. Pero cambios en las políticas estatales letonas lo obligaron a optar por la facultad de Tecnología de la Industria Alimenticia de la Universidad de Letonia, al finalizar sus estudios se dedicó primero a la fabricación de bebidas como el vodka y vino. Algo que rápidamente abandonó para dedicarse a la cerveza.

Y se ha dedicado por más de 65 años a la elaboración de cerveza, recibió la máxima condecoración del gobierno letón, la Orden de las Tres Estrellas, por sus logros como maestro cervecero y son pocos los profesionales letones de la cerveza que no se cuenten entre los discípulos de Zalitis. En julio del año pasado cumplió 93 años y sigue al frente de la producción de Bauskas Alus. Zalitis es un hombre longevo en un país donde los hombres no llegan a vivir tantos años y él dice que su secreto es que nunca ha tomado cerveza, únicamente la prueba. La mencionada Sencu Alus es una de las invenciones del Zalitis.

Bauskas Alus además de la cerveza produce otras bebidas no alcohólicas. En 2003 comenzó la producción de un par de bebidas de Malta llamadas Vaseliba, receta también de Zalitis y Porteris basada en las recetas de las cervezas Porter de origen inglés. En 2011 Bauskas Alus lanzó a la venta otra bebida no alcohólica de Malta llamada Kvass y en 2014 una cerveza especial en honor de Karlis Zaliti a la que llamó Meistara gaisais alus que significa Cerveza Ligera del Maestro. Zalitis además implementó una bebida infusión a partir del hongo Kembucha a la que llamó Dr. Kembucha que se ofrece en su sabor natural o saborizado con Jamaica.

Desde junio de 2019 la cervecería Bauskas es propiedad del Grupo Cido, un conglomerado de bebidas no alcohólicas dedicado básicamente a la producción de jugos de frutas, con sede en Riga, la capital de Letonia. En 2016 se publicó la biografía de Karlis Zalitis titulada: En el lado derecho del corazón.

publicado en thepoint.com.mx el 4 de mayo de 2020
imagen Bauskas Alus

Yusaku Kamekura el poster de Tokio 1964 entre otros.

Este talentoso diseñador gráfico japonés fue el encargado de dar la cara a los Juegos Olímpicos de Tokio hace más de medio siglo y de la Expo en Osaka en 1970.

Armando Enríquez Vázquez

Hace 56 años se llevaron a cabo los Juegos Olímpicos por primera vez en Asía, la sede fue Tokio la capital japonesa. Este año la ciudad nipona habría de ser el anfitrión por segunda vez de la máxima justa del deporte amateur, pero ya sabemos que esto no fue posible debido al virus que nos tiene a todos encerrados.

El esfuerzo puesto hace más de medio siglo por un país que se reponía de la mayor derrota bélica y del espíritu fue memorable. Entre las imágenes anteriores a los juegos esta el poster que el diseñador Yusaku Kamekura creó para la competencia.

Kamekura nació el 15 de 6 de abril de 1915 en la prefectura de Niigata que está a 338 kilómetros al norte de Tokio. Estudio arquitectura en Tokyo en una universidad privada que tenía como misión el llevar a los aspirantes a arquitectos de Japón la teoría y ejemplos del Bauhaus.  Se dedicó al diseñoy fue director de diferentes revistas. Y se dedicó a la publicidad como director de arte, en 1956 su campaña por el uso de pacifico de la energía nuclear recibió el premio de El Club de Arte Publicitario de Japón.

Kamekura fue designado para realizar cuatro posters para los Juegos Olímpicos el primer de ellos se presentó en 1961. El poster es muy sencillo y combina tres elementos el sol naciente símbolo de Japón en la parte superior del diseño, en medio los aros olímpicos, en la parte inferior del poster la fecha 1964 y la palabra Tokio.

El poster además de ser un gran ejemplo de diseño, en su momento estimuló el nacionalismo japonés y el orgullo de llevar a cabo una justa internacional del tamaño de unos Juegos Olímpicos, los otros tres posters integraron la fotografía por primera vez en el diseño gráfico de la competencia.

El segundo, muestra a unos corredores iniciando su competencia. El tercero a un nadador de estilo de mariposa en su carril, la foto es frontal y simétrica, el último es un perfil de cuerpo completo de un portador de la antorcha olímpica, el horizonte al fondo muestra los colores de un amanecer.

En 1970 realizó otro poster que le valió premios de diseño para la Expo 70 que se llevó a cabo en Osaka. A diferencia del poster central de Tokio 1964, este poster juega con un diseño moderno sobre un fondo negro ocho centros de colores que se dividen en delgadas caudas de líneas de que vibran a la vista al separarse en delgadas caudas.

Sus posters para las competencias de iluminación en Japón de 1977, 1979 y 1983 son un gran ejemplo de la capacidad del Yusaku Kamekura para sintetizar en líneas lo que quería promocionar.

En 1978 fue electo presidente de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Japón. Su trabajo se ha exhibido en museos de occidente.

Kamekura murió el 11 de mayo de 1997 en Tokio.

imagenes  de.wikipedia.org
                imjustcreative.com
                pinktentacle.com

La caníbal defensiva púrpura.

No siempre se recuerda las grandes individualidades o unidades de un equipo cuando este tiene la etiqueta de no haber ganado un Superbowl o peor haberlos perdido todos.

Armando Enríquez Vázquez.

En la historia del futbol americano profesional han existido líneas defensivas, de apoyadores y de profundos que son recordadas por los que gustamos del deporte como la Cortina de Acero de Pittsburgh, las Defensivas del Juicio Final en dos épocas diferentes de los Vaqueros de Dallas, las varias versiones de los Cuatro Aterradores, la más famosa la de los Carneros, Los Cerdos de los Pieles Rojas o la New York Sack Exchange. Pero los años y los catastróficos resultados han guardado en el cajón del olvido a una de las más importantes líneas defensivas de finales de la década de los sesenta y principios de los setentas; Los Caníbales Púrpura, en inglés Purple People Eaters. Un conjunto de linieros que muy pocos han podido superar.

Los Caníbales Púrpura era la línea de los Vikingos de Minnesota, una de las franquicias creadas en los años sesenta como respuesta a AFL. los Vikingos que en un principio habían negociado con Lamar Hunt por en espacio en la AFL, terminaron aceptando un nuevo espacio que les ofreció George Halas en la NFL, tratando de impedir la formación de la NFL y atacando el hueco que había en centro norte de Estados Unidos que sin duda es una de las regiones más adictas al deporte desde su creación.

Los Caníbales Púrpura son una de las defensivas más exitosas en la historia de la NFL que nunca vió sus logros recompensados por un anillo de Superbowl, a pesar de que sus casi todos sus integrantes participaron en los cuatro juegos de campeonato en los que ha participado la franquicia a lo largo de su historia y los cuales ha perdido.

Sus integrantes fueron Alan Page, Carl Eller, Jim Marshall y Gary Larsen.

El primero en llegar al equipo fue Jim Marshall quien en 1961 fue parte de los jugadores que ya estaban en la NFL y que los Vikingos seleccionaron en su llegada a la NFL. La temporada anterior Marshall había jugado con los Brown de Cleveland.

Los siguientes en llegar tres años después fueron Eller y Larsen, el primero fue electo por los Vikingos en la primera ronda de la selección de colegiales. Finalmente llegó Alan Page también primera selección durante el Draft.

El nombre de Los Caníbales Púrpura fue el resultado de un concurso de radio y la audiencia tomó como inspiración una canción de moda con titulada: One Eyed, One Horned, Flying Purple People Eater y que habla de un ser de otro planeta, en ese tono rockero que tomó la música popular en Estados Unidos a finales de la década de los años cincuenta. Algunos de los miembros de esta línea defensiva no estuvieron muy de acuerdo con el apodo, incluso por mucho tiempo Page intentó que se cambiara por el Purple Gang, pero los aficionados ya habían decidido.

Eller alguna vez declaró que desconocía como se había llegado al apodo, pero que sin duda había logrado crear una identidad entre los cuatro jugadores que permanece a lo largo de los años para referirse a una de las líneas defensivas más importantes y dominantes en los 100 años de la liga. Una de las frases favoritas de los Caníbales Púrpura era: “Nos vemos en el Quarterback.”  

Esta línea defensiva fue famosa por jugar de manera casi perfecta en contra de las ofensivas por tierra y aunque no existieron estadísticas para las capturas detrás de la línea de scrimage, en la historia de los Vikingos son reconocidos por ser una de las más efectivas en su historia en ese rubro.

Fran Tarkenton el quarterback de los Vikingos de esos años, reconoce que fueron Page, Eller y Marshall los jugadores más talentosos y los mejores con los que jugó. Johnny Unitas y Bart Starr los calificaron como los mejores para apresurar la carrera de sus oponentes.

En 1975 los Vikingos logaron ser el primer equipo de la NFL en conseguir ser primer lugar en todas las categorías de la defensiva. Alan Page fue el primer jugador defensivo en la historia de la NFL en ganar el titulo del jugador más valioso de una temporada en 1971.

En el sitio web de los Vikingos se dice que Page consiguió recuperar 23 fumbles , bloqueó 28 patadas de despeje  y detuvo en 148.5 a los adversarios detrás de la línea de scrimage, además Page participó 236 juegos de manera consecutivas. Page fue enviado en 1978 a los Osos de Chicago y se retiró en 1981. Eller con 130 detenciones detrás de la línea jugó con los Vikingos hasta 1978 también, Eller fue transferido a los Halcones Marinos de Seattle franquicia para la que jugó una última temporada en 1979. Jim Marshall se retiró en 1979 jugando para los Vikingos y Larsen se retiró en 1974, su lugar fue ocupado por Doug Suhterland que jugó con los Vikingos hasta 1980 y después jugó una última temporada con los Halcones Marinos de Seattle.

En un testimonial grabado por Sports Illustrated de la serie NFL Villains, Carl Eller habla de la importancia con la que se tomaba ser el malo de la película e intentaba intimidar a su adversario de tal forma que una semana antes del encuentro ya soñara con él y le temiera. “Tienes que ser el malo en el terreno de juego y fuera del terreno de juego. Tienes que dar la idea de que eres un tipo duro en todos lados, pero sin dejar de ser honesto y recto.” Dice Eller.

Alan Page y Carl Eller forman parte del Salón de la Fama del Futbol Americano Profesional. Page, Eller y Jim Marshall son parte del aro del honor en el estadio de los Vikingos. Los números de los Jerseys de Jim Marshall (70) y de Alan Page (88) han sido retirados y nadie lo puede volver a usar. Los cuatro jugadores aun están vivos y en diferentes ocasiones han sido homenajeados por la afición de los Vikingos.

Los Caníbales Púrpura son una parte muy importante de la historia de los Vikingos, pero en la actualidad el resto de los aficionados de la NFL, ni siquiera saben que existieron.

imagen:en.wikipedia.org

Ngaio Marsh la novela negra desde Nueva Zelanda.

Esta talentosa neozelandesa junto con Agatha Christie, Dorothy L. Sayers  y Margery Allingham es una de las reinas de la novela criminal inglesa de principios a mediados del siglo pasado.

Armando Enríquez Vázquez

Inglesa por ser parte del Imperio Ingles, neozelandesa por su lugar de nacimiento, Edith Ngaio Marsh es una de las escritoras de novela más olvidadas en nuestros días, casi desconocida en nuestra lengua y sin embargo una mujer de gozo en sus días de un éxito similar al de su contemporánea Agatha Christie. Su detective, el inspector Roderick Alleyn miembro de la policía metropolitana de Londres protagonizó 32 novelas, escritas entre 1934 y 1982.

Ngaio nació el 23 de abril de 1895 en Merivale un suburbio de Christchurch en Nueva Zelanda. Su nombre de origen Maorí sirve designa a arbusto originario de Nueva Zelanda, así como un insecto. Ngaio fue hija única.

Su padre, Henry Edmund Marsh, era un empleado bancario, algo que siempre intrigó a la escritora porque de acuerdo con lo que ella pensaba sera un trabajo en el que no podía imaginarse a alguien como su padre. Su madre Rose Elizabeth Seager era una actriz reconocida en Nueva Zelanda. Estudió en una escuela para mujeres de la que fue sacada debido a que su imaginación, su introversión y su timidez la convirtieron en la víctima de burlas de sus compañeras. De los 10 a los 14 años su educación se llevó a cabo en su casa y la encargada enseñarla fue su madre y diferentes institutrices.

A partir de 1913 Ngaio Marsh comenzó a acudir a la Universidad de Canterbury, fue durante el periodo universitario cuando Marsh comenzó a publicar cuentos, artículos de diferentes temas y poemas en el periódico Christchurch Sun. También compuso algunas canciones. En 1919 participó en una compañía neozelandesa de teatro dedicada básicamente a obras de Shakespeare en una gira por aquella nación y al terminar esta en 1920, participó en 1921 en otra, esta vez con una compañía dedicada al teatro de comedia, después se convirtió en maestra en la Escuela de Danza y Actuación Wauchop. Entre 1912 y 1924 escribió 5 obras de teatro.

En 1927 intentando convertirse en pintora se unió al Grupo, una asociación de artistas neozelandeses que se oponían a los cánones establecidos del arte conservador en aquella nación y aunque Marsh pintó a lo largo de su vida, el cambió estaba por venir al año siguiente cuando viajó y se estableció en Londres.

De acuerdo con una entrevista, ella jamás pensó en convertirse en escritora. En Londres estableció junto con una amiga una empresa de decoración de interiores, su madre pasaba algunos periodos con su hija y fue en un fin de semana lluvioso en Londres, sola en su departamento cuando Marsh descubrió entre las cosas de su madre un libro de Agatha Christie y tras leerlo se preguntó si sería capaz de escribir una novela de detectives, así que bajo el aguacero salió a comprar lápices y cuadernos y comenzó a escribir la que sería su primera novela; Un hombre muerto. Le mostró los primeros capítulos a su madre que la impulsó a continuar y una amiga le entregó la novela terminada a un agente editorial que consiguió que la novela se publicara. Como ella misma lo cuenta jamás sufrió de la ansiedad de que su obra fuera rechazada pues nunca se imaginó como escritora y lo mejor en ese sentido; su obra fue aceptada por una editorial al primer intento.

El año de la publicación de su primera novela Marsh regresó a Nueva Zelanda para cuidar de su madre que había enfermado de gravedad, tras la muerte de Rose, Ngaio se encargó de cuidar de su padre hasta su muerte en 1948, pero esos años no significaron un encierro para Marsh, en 1937 viajó a Europa y tuvo una estancia de un año, en 1941 comenzó también a dirigir teatro para la Universidad de Canterbury y escribió en esos 16 años casi un número igual de novelas del Inspector Alleyn. Así como algunos cuentos, otro género al que dedicó su creatividad. Marsh fue uno de los pilares del surgimiento del teatro en Nueva Zelanda, llevó a su compañía en gira por Australia.

Tras la muerte de su padre, Marsh comenzó a dividir su vida entre Londres y Christchurch, el éxito de sus novelas le permitía vivir en los dos continentes sin ningún problema.

En 1962, su obra de teatro infantil The Wyvern and the Unicorn fue adaptada como una ópera por el músico neozelandés David Farquhar, Marsh se encargó del libreto de la ópera.

En 1966 publicó su autobiografía titulada; Black Beech and Honeydew. Una edición corregida y aumentada por Marsh apareció en 1981.

Ngaio Marsh murió el 18 de febrero de 1982 en su casa de Christchurch, Nueva Zelanda. En 1948 se le otorgó la Orden del Imperio Británico por su contribución al teatro de Nueva Zelanda y en 1966 el titulo de Dama del Imperio Británico. La sociedad de escritores de novelas de misterio de Estados Unidos le otorgó en 1978 un premio a los logros de su carrera.  A partir de 2010 se instituyó el premio a la mejor novela policía Ngaio Marsh, para el escritor neozelandés o residente en aquel país. El premio se otorga en tres categorías; mejor novela policiaca, mejor primera novela policiaca y mejor libro de ensayo policiaco.

imagen: wikipedia.org

Chamuco en descenso.

Diablero logra mantener cierto interés por dos razones desde mi punto de vista; la primera es mantener el tema de la mitología mexica yel sentido negro del humor.

Armando Enríquez Vázquez

En el siguiente texto existen spoilers, continuar la lectura es bajo la responsabilidad del lector

Pasó más de un año para que Netflix estrenara la segunda temporada de Diablero, una serie chilanga acerca de lo sobrenatural que mezcla historias católicas con historias de la mitología mexica, jugando con ese extraño sincretismo en el que vivimos en México.

A pesar de que la primera temporada estaba bien armada lo que obviaba algunas fallas en la ejecución de la producción y otras tantas en el guion, la segunda temporada comienza a desmoronarse desde el segundo capítulo. Tal vez por eso la segunda sólo son seis capítulos de media hora y tardó más de un año en ser estrenada.

Algunas ideas son muy buenas y están bien ejecutadas y producidas. La mujer del puesto de la Lotería Nacional que da entrada al bar de Isaac El Indio, el diablero antagónico del protagonista y enamorado eterno de Keta, con su glitch. La salida del Mictlán a través de un excusado, el burdel de demonias dirigido por la Reina Lupe (Ela Velden) y la realidad-alucinación a la que se somete a la clientela para mostrar la miseria de la condición de algunos de ellos.

Tristemente se nota que muchas ideas no se pudieron realizar de manera adecuada, me imagino que el presupuesto otorgado por la plataforma fue insuficiente y ver al Ahuitzotl, que me recordó a los primeros monstruos de la televisión de superhéroes japonesas como Ultraman, de finales de la década de 1960, así como a las cintas de Godzilla de Ishiro Honda de los años 50’s, no me quedó más que recordar al patético fauno de la serie Witcher, también de Netflix. ¿Acaso la plataforma no tiene quién pueda hacer un buen CG, o máscaras, esto es un verdadero demerito en series que Netflix quiere vender?

Lo cierto es que Diablero logra mantener cierto interés por dos razones desde mi punto de vista; la primera es mantener el tema de la mitología mexica, la visión modernizada sobre la misma lleva buenas situaciones de buena comedia en la serie, como el asunto de presentar el primer piso del Mictlán con una trajinera de Xochimilco llena de diferentes personajes del folclor moderno chilango. Vale la pena mencionar que este sincretismo entre lo mexica y lo chilango hace que la serie sea muy atractiva y entiendo el problema de los regionalismos para audiencias globales, pero es una muy vieja receta utilizada en las series norteamericanas, algunas de ellas muy exitosas.

La segunda es las grandes actuaciones de algunos de los protagonistas que mantienen ese carácter tan urbano de la Ciudad de México con sus personajes populares. No cabe que la dupla de Elvis Infante (Horacio García Rojas) no sólo es un gran personaje, sino que la interpretación de García Rojas ha logrado crear un personaje que resalta en las series Mexicanas, por su originalidad y frescura a pesar de lo mal escrito de ciertos capítulos que abusan del chiste barato, que a su vez desvirtúa los buenos momentos de comedia y sarcasmo de la serie. En ciertos momentos los guionistas sólo pueden recurrir al pastelazo verbal. Es gracias a García Rojas que la serie se mantiene atractiva y junto con él su hermana Keta (Fátima Molina) se convierte en un personaje entrañable y que ha evolucionado de la primera a la segunda temporada. Isaac El Indio (Humberto Busto) junto con sus hijas Paulina (Dulce Neri) y Thalia (Mariana Botas) a pesar de que son los grandes patiños de la primera temporada, en la segunda fueron totalmente relegados por los guionistas a apariciones secundarias y sin importar esto logran ser un gran trío con muy divertidas intervenciones y una secuencia gloriosa donde El Indio, saca a su alter ego para ayudar a Elvis, Keta, Nancy y Ramiro, la médium Surileidi. De la misma manera los guionistas trataron de muy mala manera a los personajes de Nancy (Giselle Kuri) y de Ramiro Ventura (Christopher von Uckermann) al volverlos totalmente planos con un arco narrativo torpe y como de telenovela de Televisa. Nancy tiene una muy buena secuencia al inicio la serie tratando de ser normal y asistiendo a una cita romántica, que no pasa de ser un gracioso sketch, desvinculado del resto de la serie donde esta necesidad de Nancy por ser normal y la aceptación del ser que es, se plantea y resuelve de una forma que no parece conflictuarla y por supuesto mucho menos al espectador.

La segunda temporada de Diablero retoma el robo del hijo de Keta, Mayaken, y la necesidad de recuperar a Ventura del Mictlán, el costo de esto último lleva a Elvis al mayor sacrificio que se puede hacer, en beneficio de su equipo y lo que llevaba a un buen cliffhanger para la tercera temporada. El problema es que, con los resultados de un mal guion y una mala ejecución de los efectos especiales, las alas de Mayaken y los intentos que tiene por liberarse de las cuerdas que los atan, parecen espasmos epilépticos, así con ciertos miscastings como el ejecutor del poder eclesiástico, no sé si Netflix permitirá esa tercera temporada.

Yo vería una tercera temporada con gusto en espera de rectificaciones, porque creo que son más los aciertos que los fallos y vale la pena ver de nuevo a Elvis Infante, Keta, Nancy y ventura en su lucha contra el submundo mexica. Una de las cosas que parece comprobar que no habrá esa tercera temporada, es la miserable manera en que Netflix promovió la segunda temporada, algo un producto mucho más original e interesante que otras mediocres producciones nacionales para Netflix como La casa de las Flores una sencilla y vulgar extensión de las telenovelas de Televisa, o Ingobernable, la telenovela-basura de Epigmenio Ibarra. Así como a las afueras de la Torre Manacar había una figura del primer monstruo de The Witcher, serie bastante menos creativa que Diablero, que gozó de una propaganda exagerada en la ciudad, me hubiera encantado ver la trajinera del Mictlán en Paseo de la Reforma y una Lupe Reina en Insurgentes saliendo de la fuente de La Bombilla enfrente al monumento a la mano de Álvaro Obregón. Espero que Netflix si nos otorgue una tercera temporada.

publicado en roatbrief.com.mx el 4 de febrero de 2020

imagen Netflix