Annie Goetzinger el paso de la moda a la novela gráfica.

La novela gráfica también tiene grandes ilustradoras y argumentistas, los dibujos de Annie Goetzinger son clásicos de un trabajo realista elegante e histórico.

Armando Enríquez Vázquez

En 1977 en la tercera edición del Festival internacional del Comic en Angouleme, Francia uno de los eventos más importantes en el mundo de los comics y la novela gráfica, la ilustradora y artista gráfica Annie Goetzinger fue galardonada con el premio a la mejor novela gráfica realista de origen francés del año por: Légende et réalité de Casque d’or. Una historia acerca de una prostituta y la mafia parisina del siglo XIX.

La ilustradora y escritora de 26 años, en ese momento, estaba por convertirse en un verdadero referente de la novela gráfica y trabajar con leyendas del sector.

Annie Goetzinger nació en Paris el 18 de agosto de 1951, estudió en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Paris donde se especializó en diseño de moda, pero gracias a que una de las materias la obligaba a dibujar comics, Goetzinger descubrió esta vertiente del arte.

El maestro titular de esa materia era George Pichard, que era uno de los viejos maestros del comic en Francia. Durante sus años en la escuela el trabajó de Goetzinger llamó la atención de dos de los grandes historietistas y argumentistas franceses del comic que eran docentes en la institución: Jaques Lob y René Goscinny, este último uno de los creadores de Asterix el galo, quienes la invitaron a trabajar en la revista Pilote y en 1972 publicó su primera historieta en una revista para mujeres adolescentes llamada Lisette y se tituló Fleur.

El premio sirvió como promoción de su trabajo y el argumentista Victor Mora le ofreció ilustrar la novela gráfica Felina, una especie de Gatubela francesa ubicada en el siglo XIX y que tuvo mucho éxito entre los lectores. Algunos críticos e historiadores del género la han calificado como la versión femenina de Fantomas. Creada a finales de la década de los setenta del siglo pasado y con dos entregas extras en la de los ochenta, Felina como casi toda la gráfica de la época está cargada de imágenes sexuales que resultaban subversivas y muy atractivas en esos años.

En 1978 y junto con la argumentista Adela Turin crearon una biografía en novela gráfica acerca de la vida de George Sand, la escritora francesa, socialité y amante de varios compositores como Chopin y Musset. Gracias a esta novela el escritor Pierre Christin la invitó a trabajar con él en una serie de historias que tenían como personajes principales a mujeres. De 1979 a 1987 se publicaron cuatro libros diferentes que llamaron la atención de los lectores franceses. Otro trabajo entre los dos autores fue la serie de siete libros acerca de una detective llamada Edith Hardy, titulada La agencia Hardy.

A lo largo de más de cinco años a partir de 1997 la dibujante junto con el escritor Bruno Frappat publicaron en el periódico La Croix, una columna ilustrada llamada El humor de los días.

Pero como los estudios de Goetzinger habían sido en diseño de moda, la artista también diseñó a lo largo de su vida vestuario y escenografías para obras de teatro, trabajó en diferentes diarios creando ilustraciones.

Entre sus últimos trabajos como ilustradora se encuentran una historia acerca del fantasma de María Antonieta y una biografía de la escritora francesa Colette.

En 1992, junto con un escritor alemán, Andreas C Knigge y el poeta noruego Jon Sveinbjorn creó uno de las primeras novelas gráficas acerca del SIDA y la homosexualidad. L’Avernir Perdu.

Una de las obras más importantes de Goetzinger fue la biografía que la artista hizo de Christian Dior en 2013 y que se titula Una chica Dior.

En 2014 se le otorgó el premio bd-Boum y se convirtió así en la primera mujer en recibirlo.

Annie Goetzinger murió el 20 de diciembre de 2017.

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Sarla Thakral las primeras alas de la India.

Sin olvidar tradiciones y reglas sociales de la India esta mujer rompió el techo de cristal de una profesión considerada como para hombres justo en los inicios de la misma.

Armando Enríquez Vázquez

La India es un país de tradiciones y leyes sociales rígidas. Hace poco más de ochenta años una joven delgada de 21 años y madre de una niña de cuatro años se convirtió en la primera mujer en pilotar un avión en la India. Su nombre Sarla Thakral.

La foto más conocida de la piloto muestra a una joven sonriente vestida con el típico sarí, pero lleva su gorro de piel típico de los pilotos y los antejos que eran obligatorios en las aeronaves que tenían la cabina del piloto sin techo. A su lado se encuentra el avión biplano conocido como Gipsy Moth producido por la empresa británica De Havilland, que ella piloteo.

Sarla Thakral nació en Nueva Delhi, India en 1914. A los dieciséis años se casó con un hombre llamado P.D. Sharma que era aficionado a la aviación y de hecho se convirtió en el primer hombre en la india en conseguir una licencia de aviación como correo. La ruta que recorría Sharma era Lahore y Karachi, ambas ciudades hoy parte de Paquistán y separadas por una distancia mayor a los 1240 kilómetros, un trayecto que en automóvil en nuestros días lleva más de dieciséis horas. Sarla se interesó por la actividad de su marido. La familia de Sharma era aficionada a la aviación y nueve de sus miembros eran pilotos. Sarla no sólo recibió el apoyo de su marido para dedicarse a la aviación, también su suegro fue un apoyo importante para que Sarla se dedicara a pilotear un avión. La familia política de Sharma jamás vio con malos ojos las ambiciones de Sarla y su esposo celebró la posibilidad de un décimo miembro de la familia piloto.

El día que Sarla surcó por primera vez el cielo en 1936, se convirtió en la primera mujer india pilota de avión. Ese mismo año Sarla consiguió volar más de mil horas lo que le permitió obtener una licencia tipo A como pilota aviadora en India. Tres años después en 1939, cuando iba a obtener la licencia como piloto comercial, un par de hechos impidieron que la joven lograra esa meta, la primera fue la trágica muerte de su marido en un accidente aéreo, la segunda fue la parálisis que sufrió la aviación comercial de la India ante los preparativos británicos para la II Guerra Mundial. Sarla se mudó a vivir a Lahore con sus dos hijas. Entró en la Escuela de Bellas Artes de Lahore que es hoy, La Escuela Nacional de Artes de Paquistán, donde se especializó en la Escuela de Pintura Bengalí y se graduó, regresó a Nueva Delhi y se dedicó a la pintura, al diseño de joyería, sarís, y con el tiempo diseño también vestuarios para la Escuela Nacional de Teatro de La India. Fue una exitosa empresaria textil y en materia de joyería.

En 1948 se casó por segunda vez.

Sarla Thakral murió el 16 de marzo de 2008. Hoy el sarí es no sólo una prenda tradicional que portan las mujeres de la India, es en muchos sentidos un símbolo feminista de la fuerza y el empoderamiento de las mujeres de aquella nación que lo llevan con la frente en alto en las diversas actividades que desempeñan sin importar los altos cargos políticos o empresariales que desempeñen y con esa misma actitud Sarla Thakral lo vistió al subir aquel día de 1936 al sitio del piloto durante su primer vuelo.

publicado en mamaejecutiva.net el 3 de julio de 2019
imagen wikipedia.org

Lilian Bland el cielo como inicio.

Fue la primera mujer en diseñar, construir y volar un aeroplano, entre otras muchas cosas.

Armando Enríquez Vázquez

En la vida se puede cambiar de caballo cuantas veces quieras, decía un jefe mío que había nacido en la Palestina ocupada por los británicos y había terminado en la Ciudad de México. Lilian Bland es un claro ejemplo de lo anterior. Vivió una vida plena y llena de vocaciones diferentes, entre ellas, al parecer, es la primera mujer en haber diseñado, construido y piloteado un aeroplano.

Lilian Bland nació en Kent, Inglaterra el 22 de septiembre de 1878. En 1900 tras la muerte de su madre, la familia se instaló al norte de la ciudad de Belfast en Irlanda, donde el padre de Lilian había decidido vivir con una hermana viuda. Lilian era el vivo ejemplo de la mujer moderna en contraste con lo que se consideraba femenino en aquellos días; fumaba puro y bebía alcohol en público, vestía pantalones, cabalgaba a la manera de los hombres en lugar de montar sentada de lado como las damas de la época, era cazadora, practicaba también la pesca y las artes marciales, incursionó en los campos de la fotografía deportiva y del periodismo. Tanto fotos como textos de su autoría fueron publicados en diferentes periódicos y revistas de Londres.

Lilian además era afecta a trabajar con motores, con su traslado a Irlanda comenzó a tomar fotografías de aves y viajó a islas cercanas para documentar a los pájaros de la región. Ella afirmaba que la primera impresión fotográfica de un ave a color la hizo ella. De acuerdo con una entrevista que se reproduce en el sitio homenaje www.LilianBland.ie y que se publicó originalmente en 1966 en el diario Western Union News, su trabajo con las aves y una postal que le envió un tío desde Francia y en la que se reproducía el avión monoplano construido por Louis Bleriot en 1908, conocido como Bleriot XI, con sus medidas reales llevó a Lillian a intentar diseñar un aeroplano.

Lo primero que hizo fue diseñar un modelo a escala, que era sólo un planeador. El prototipo funcionó, lo que la animó a llevar su diseño al siguiente nivel que era construirlo con medidas para poder ser piloteado por un ser humano. El modelo del biplano al que llamó Mayfly, nombre que se refiere a un insecto volador conocido en español como efímera, aunque existe también la versión de que el nombre era una ironía y juego de palabras (May fly quiere decir en inglés “Quizá vuele”). El biplano lo construyó a partir de pino, bambú, tela, alambre, una vez terminado el modelos Bland lo probó: El planeador funcionó. El siguiente paso era saber sí la estructura podría soportar el peso de un motor de gasolina que le ayudará a volar. Para ello Lilian Bland ideó una prueba que puso en marcha gracias a la ayuda de cuatro miembros del cuerpo de policía y un joven que trabajaba como jardinero de su padre, quienes se aferraron a las esquinas del Mayflay y la nave mantuvo su vuelo, esto aseguró a la joven que podía incluir un motor, así como un pequeño tanque para la gasolina. Por lo que impaciente decidió viajar para comprarlo a la ciudad de Manchester, pues no estaba dispuesta a esperar a que se lo llevaran. En 1910 los motores de gasolina no eran algo común. Para desgracia de Lilian el motor disponible como el que ella quería de 20 caballos de fuerza existía, pero no había llegado en el momento que ella se encontraba en Manchester los tanques de gasolina que los acompañaban. Sin desalentarse, Lilian Bland compró el motor y de regreso en Irlanda adaptó una botella de whisky y partes del aparato de la sordera de una tía para hacer la función del tanque.

Lilia Bland consiguió que un aristócrata, Lord O’Neill, que era un entusiasta admirador de los trabajos de Bland, le prestara un terreno lo suficientemente grande como pista de despegue, el único inconveniente era un toro que vivía en el terreno y que de acuerdo con Bland en la citada entrevista se convirtió en otro de los obstáculos que obligó al Mayfly a volar.

La fecha de la prueba de vuelo se retrasó 5 semanas por el mal tiempo y la primera hélice que Bland le puso al aeroplano se rompió en pedazos. Pero nada la amedrentó en su deseo de volar y el 31 de agosto de 1910 lo logró. El Mayfly se elevó alrededor de 10 metros por una distancia de más de 400 metros.

“Después de cada vuelo, me bajaba del avión y revisaba donde desaparecían las huellas de las llantas del avión para asegurarme de que había volado y no se trataba de un sueño” declaró Bland en diferentes ocasiones y entrevistas posteriores.

Su padre preocupado por las aventuras de su hija en la aviación, le ofreció comprarle un automóvil con tal de que dejara al Mayfly y todo lo relacionado con la aviación. Bland, quien para sorpresa suya era consultada por diferentes personas para que les enseñara a volar o diseñar aeroplanos, algo para lo que Lilian no se sentía capacitada, aceptó a la oferta de su padre. El auto la llevaría más lejos en sus viajes para fotografiar aves.

Con el tiempo Lilian Bland se convirtió en la primera mujer en abrir una agencia de automóviles Ford en Irlanda. Después migró a Canadá donde se casó y vivió una temporada en Vancouver donde aprendió a arreglar embarcaciones, tuvo una hija que murió en un accidente y Lilian Bland regresó a Kent en 1935 para vivir con su hermano, en la década de los años 50 se mudó a Cornwall.

Se retiró a una propiedad alejada de la mayor parte de la sociedad en la que se dedicó a la jardinería. Lilian Bland murió el 11 de mayo de 1971.

Lilian Bland además de la aviación, la fotografía y el periodismo realizó pinturas y dibujos con diferentes temas, básicamente paisajes y flores. Un parque en la región de Glengormley en Irlanda del Norte lleva el nombre de la aviadora y tiene una estatua replicando al famoso Mayfly.

publicado en mamaejecutiva.net el 18 de febrero de 2019
imagen: belfasttelegraph,co.uk

Mary Quant la mujer que mostró las piernas de las demás.

La diseñadora inglesa creadora de una de las prendas más revolucionarias del siglo XX; la minifalda.

Armando Enríquez Vázquez

“Yo amo la vulgaridad. El buen gusto ha muerto, lo vulgar es vida.” Así se expresó Mary Quant en una entrevista que le dio a la periodista y editora de la sección de moda del diario inglés The Guardian en octubre de 1967. Esta mujer contestaria, que en ese momento tenía 33 años, es una de las diseñadoras de ropa más importantes e influyentes no sólo en materia de moda; en el comportamiento de la sociedad y la liberación de la mujer. Su diseño más importante apoyó los movimientos de revolución sexual y social de la década de los sesenta y se constituyó como uno de los grandes inventos del siglo pasado; la minifalda.

Aunque la historia es escrita de diferentes maneras como siempre y depende del país de procedencia de quien cuente la historia de la prenda, el nombre del inventor es diferente y m{as tratándose de una rivalidad como la existente entre Francia e Inglaterra, para los franceses el inventor de la minifalda es el modista francés André Courrèges, pero como alguna publicación define más allá de la batalla de los nacionalismos, se trata de una batalla entre los snob de la alta costura francesa contra el diseño urbano de Quant y en tiempos del #Meetoo también se puede ver como la clásica batalla del machismo francés en contra del éxito de una creativa mujer. Además, Quant tiene muy claro cuándo visualizó por primera vez su invento. Siendo una niña al observar a una chica un poco mayor que ella en la clase baile que bailaba tap con una pequeña falda tableada. Entonces pensó que eso era lo que ella quería.

El hecho es que la minifalda se popularizó de manera rápida en la década de los sesenta del siglo pasado, atrayendo a la juventud y como Quant menciona; en su momento era una prenda muy versátil que igual utilizaba la hija de un duque que la joven de una familia de trabajadores portuarios. Pero además era consciente de la fuerza de atracción y el empoderamiento que una minifalda causan.

Mary Quant nació en Londres el 11 de febrero de 1934 hija de maestros, creció odiando la ropa que heredaba de una prima, molesta con la forma en que la ropa en general le imponía una personalidad que no era la suya, así que llegado el momento de estudiar una carrera pensó en la moda, algo que sus padres pensaban que era demasiado aventurado y riesgoso, por lo que Mary aceptó ir a la escuela de arte. De acuerdo con una entrevista con la diseñadora concedida en 1985 a Thames TV, esto funcionó de maravilla para ella, pues mientras en las escuelas de moda se les enseñaba a los estudiantes a voltear a lo que sucedía en el mundo de la alta costura en Paris y recrearlo para minúsculos mercados en Inglaterra, ella decidió improvisar y diseñar el tipo de ropa que siempre había deseado usar ella, una ropa para jóvenes que reflejara su independencia y además se ajustara al cuerpo de las chicas de Chelsea. Así creó una moda que reflejaba la mente de la calle más de moda en Londres. Mary Quant alguna vez describió como la moda real para gente real y no una moda elitista como la de tantos otros diseñadores. Incluso Quant ha dicho que fueron esas jóvenes inglesas en los años de romper las reglas de lo establecido, las que le pedían faldas cada vez cortas. 

Mary Quant estudió arte en la Universidad de Goldsmiths en Londres. En la universidad conoció a su esposo Alexander Plunket Greene, así como al socio de los dos un fotógrafo y abogado de nombre Archie Mc Nair, los tres crearon en 1955 la primera tienda de ropa de Quant llamada Bazaar que se ubicaba en King`s Road, junto a la cafetería Fantasie, propiedad de Mcnair y que era el centro de reunión de modelos, fotógrafos, músicos y sus novias, que eran las primeras en interesarse por la ropa de Quant. El principal problema que enfrentaron era que Mary no encontraba la ropa que quería vender en ningún mayorista, por lo que comenzó ella a diseñar y crear su propia línea de ropa. En 1957 abren la primera sucursal, ese año también Mary y Alexander se casan. Comienza la venta de minifaldas para las estilizadas y delgadas chicas de Chelsea.

Una de las cosas que más llamaba la atención de las tiendas de Mary Quant eran los aparadores con maniquíes recreando divertidas escenas y en posiciones diferentes a las acostumbradas hasta ese momento en el mundo.

En 1962 Mary Quant firmó un contrato con la tienda norteamericana JC Penney y de esta manera se introdujo en el mercado norteamericano, pronto estaba surtiendo órdenes de prendas de vestir para Inglaterra, Estados Unidos y diferentes países de Europa.    

Pero para que no quede duda de la capacidad y de la inventiva de Mary Quant, ella no se limitó a la minifalda y sus variantes como el minivestido o la versión en pantalones conocidos como “hot pants” todos ellos un éxito en la moda y una declaración de la libertad de la mujer que ya no estaba restringida a las faldas acampanadas de la posguerra, los corsés y fajas. Mary Quant se dedicó a diseñar también mallas de colores brillantes para vestir las largas piernas de las mujeres que vestían sus prendas, trajes de baño que encargaba a los mismo creadores de leotardos para la danza. Su modelo favorita era Twiggy una muy delgada modelo inglesa que sin duda fue la precursora de la anorexia y que era el epítome de esa chica Chelsea que Quant soñaba utilizara su ropa; alta y delgada. Twiggy se convirtió con los años en actriz y aparece en la divertida película “Blues Brothers” que estelarizan John Belushi y Dan Ackroyd.

Mary Quant diseñó y creó zapatos y botas de plástico con colores llamativos, botas que se convertían en zapatos retirando el tubo de la bota que tenía un cierre con el que se unía a la parte inferior de la prenda. Utilizó el plástico como material para sus creaciones, lo que hacía muchos de sus diseños totalmente “modernos” para sus consumidores. Impermeables y rompevientos de plástico fueron parte de sus exitosos diseños. Incursionó también el mundo de la ropa interior para mujeres y pronto estaba diseñando boinas para Kangol, corbatas para hombres, ropa para niños.

También ha diseñado muebles, textiles y hasta una muñeca, llamada Daisy, que supongo estaba mejor vestida que la famosa Barbie.

Su compañía adoptó su nombre y Mary Quant se convirtió en una marca sinónimo de moda; atrevida, divertida, de vanguardia y accesible. Su logo, una flor margarita estilizada, es aún reconocible como el emblema de su marca. Su principal mercado se encuentra, curiosamente fuera de la isla británica, en el lejano Japón.

En 1966 enfocó sus esfuerzos en un nuevo mercado y se dedicó al maquillaje, la cara de una mujer es muy importante y de acuerdo con Mary, al igual que la moda el maquillaje se había estancado y vuelto el rostro de la mujer inglesa en algo sin chiste y estandarizado y aunque sólo tiene 32 años escribe y publica su autobiografía “Quant by Quant”. En 2012, cuarenta y seis años después publicó una nueva autobiografía titulada “Mary Quant: Autobiography”, además ha escrito y publicado libros sobre el color, maquillaje, lipsticks,

En 2009 el Correo Real de la Gran Bretaña emitió una serie de 10 timbres postales celebrando el diseño inglés del siglo XX entre ellos uno esta dedicado a la minifalda de Mary Quant.

En 2015, Mary Quant fue nombrada Dame de Inglaterra, título equivalente al de Sir en los hombres. Mary Quant murió el 13 de abril de 2023 en Surrey, Inglaterra. Tenía 93 años.

publicado en mamaejecutiva.net el 10 de diciembre de 2018 (actualizado abril 2023)
imagenes: medium.com

Margo Chase letras para cazar vampiros.

Una de las grandes diseñadoras gráficas de Estados Unidos y responsable de creativas tipografías que se vieron en todas las televisiones del mundo.

Armando Enríquez Vázquez

El 22 de julio de 2017, murió en un accidente aéreo Margo Chase. Tenía 59 años y una brillante carrera dentro del diseño gráfico, era reconocida por la comunidad de diseñadores, la publicidad y los productores de televisión.

Margo Chase nació el 20 de febrero de 1958 en San Gabriel, California. Estudió en la Universidad Politécnica Estatal de California en el Campus de San Luis Obispo, fue ahí donde Chase se enamoró del diseño gráfico, en un principio Chase contemplaba hacer una carrera más científica pero su interés por el diseño la llevó en un principio a dedicarse a hacer ilustraciones relacionadas con temas médicos. Estudió ilustración médica en la Universidad de San Francisco y poco después de egresar comenzó a trabajar diseñando portadas para discos como freelance, pronto el trabajo de Chase se tornó en una obra reconocido, pues la californiana es la responsable de diferentes portadas para discos como “Around the World in a Day” y “Paisley Park 12” de Prince, La tipografía de los dos primeros discos de Sheila E,  “Like a Prayer” de Madona, “Luck of the Draw” de Bonnie Raitt, “Spellbound” de Paula Abdul, DIO “Dream Evil” entre otros.

De los discos pasó a diseñar el poster para películas como “Drácula” de Francis Ford Coppola, pero su trabajo más visible se convirtió el diseño de tipografías para series de televisión entre las que destacan “Buffy la Cazavampiros”, su spin off “Angel” y la serie de brujas adolescentes “Charmed”, todas estas creaciones le valieron el ser conocida como “La reina del Gótico” de acuerdo con el sitio de internet de Chase Group. Al menos diez tipos diferentes de fonts fueron creado por Chase.

Lo cierto es que el trabajo de Chase fue mucho mayor y más versátil que estos trabajos que la etiquetaban de esta manera.  En una entrevista para el portal lynda.com la diseñadora habló de lo importante que era para ella ser freelance, y después tener su propia empresa, sin tener que tener ningún tipo de jefe al que obedecer, a pesar de haber deseado trabajar en un gran corporativo al inicio de su carrera, incluso su trabajo para las portadas de los discos para Warner fue siempre un trabajo que realizó de manera independiente.

Chase fundó Margo Chase Design en 1986, que en un principio operaba desde la casa de la diseñadora, con su empresa Chase trabajó en diseñar logos y empaques para productos para diferentes marcas de empresas como Nestlé o Procter & Gamble, y toda la identidad corporativa para marcas como Califia una marca de leche de almendra, así como Target, Better Together, CVS. El éxito de la empresa de Chase la llevó a abrir oficinas en California, Nueva York y en Bristol, Inglaterra. En el año 2000 la empresa cambió de nombre y pasó a ser Chase Design Group. En el video celebratorio de la vida de Margo Chase que se encuentra en la pagina de la empresa ella se define como terca y competitiva y alguien a quien no le gusta perder. Margo Chase recibió a lo largo de su vida diferentes galardones y reconocimientos por su trabajo creativo.

Margo Chase fue una mujer que amaba lo que hacía, pero reconocía la necesidad de no ser una persona con un sólo interés, la diversidad en los intereses enriquece y fortalece tu trabajo o tu interés principal, así lo manifestó en esa entrevista del 2008 para lynda.com  

Margo Chase tenía entre otras pasiones la de volar aviones y hacer maniobras acrobáticas, fue en una de estas demostraciones donde la diseñadora perdió la vida.

Chase Design Group continúa existiendo, manteniendo el legado creativo de su fundadora.

imagenes luc,devroye.org
               historyofgraphicdesign.com

Carol Twombly la belleza en las letras.

A esta talentosa diseñadora gráfica debemos algunas de las tipografías de Adobe.

Armando Enríquez Vázquez

Hasta hace unas décadas los diseñadores de letras, lo hacían de manera artesanal y empresas como Letraset se las compraba e imprimían plantillas de calcomanías para que los diseñadores, arquitectos y artistas utilizaran las letras que había que pegar sobre papel o cartulina a mano. Pero como en muchas otras cosas, la llegada de las computadoras ha puesto en manos de todos diferentes tipos y estilos de letras, algo que nunca pensábamos aquellos a los que todavía nos tocó utilizar máquinas de escribir.

Es otra de las ventajas que como simples mortales tenemos al usar una computadora; escoger el tipo de letra con la que escribimos nuestros textos y presentaciones. Detrás de cada estilo de letra hay una serie de personas dedicadas al diseño se encargan de ofrecernos diferentes tipografías.

Una de las personas que se dedicó a la creación de tipografías que hoy son muy populares fue Carol Twombly. Carol nació el 13 de junio de 1959 en Concord, Massachussets. Estudio primero en la Escuela de Diseño de Rhode Island, la idea inicial era estudiar arquitectura como su hermano, pero una vez en la universidad descubrió su pasión por el diseña y el arte. Fue ahí donde conoció a Charles Bigelow, quien fue su profesor, Bigelow es un afamado historiador de la tipografía y también diseñador, creador de tipografías como Wingdinds y Lucida, él fue quien le descubrió a Twombly la importancia y el amor por el diseño de tipografías. Carol Twombly trabajó en la empresa que Bigelow y su socia, Kris Holmes, tenían. Holmes, sirvió de ejemplo e inspiración para Twombly, tanto como diseñadora de tipografías, como mujer ejecutiva. Asimismo, Holmes fue la primera jefa de Twomly. Trabajando en Bigelow & Holmes Carol diseñó la tipografía Mirarae que le valió el oro en el Premio Morisawa en 1984, un premio para diseñadores de tipografía. Twombly, también, estudió y fue una de las muy pocas personas que se graduó del programa de tipografía digital que durante muy poco tiempo ofreció la Universidad de Stanford.

En 1988, ingresó al departamento de diseño de letras de Adobe y a lo largo de más de once años Carol Twombly trabajó diseñando algunas de las letras favoritas de los diseñadores de hoy. Entre las tipografías creadas por Carol Twombly se encuentran; Adobe Caslon, Chaparral, Charlemagne, Trajan, Lithos, Myriad, Viva, Nueva.

Para llevar a cabo diseños como Trajan, Lithos o Charlemagne, Twombly investigó y revisó documentos históricos del imperio romano, de la antigua Grecia o de los tiempos del emperador Carlomagno, para realizar sus diseños, modernizó y trabajó esos estilos para convertirlos en las tipografías que no tuvieran problemas al ser digitalizadas y pasada a formatos virtuales. Carol no sólo trabajaba con la programación de la letra, si no que diseñaba a mano muchas de las formas más delicadas de las letras. Algo similar sucedió con la Adobe Caslon, la tipografía original fue creada en el siglo XVIII por un tipógrafo inglés de nombre William Caslon I, también conocido como William Calson el viejo. La versión creada en Adobe por Carol Twombly fue su interpretación de esta histórica tipografía.

En 1994 ganó el premio Prix Charles Peignot, que se otorga a diseñadores de tipografía menores de 35 años, convirtiéndose, además, en la primera mujer en ganar este premio.

En 1999, Carol Twombly renunció a su puesto en Adobe y al diseño de tipografías, en alguna ocasión declaró que tenía el dinero suficiente para llevar una vida tranquila y seguir otras inquietudes que tenía en la vida, como el dibujo la pintura, el diseño de joyería y la música.

publicado el 8 de mayo de 2017 en mamaejecutiva.net 

imágenes: thebookdesigner.com

                 wikipedia.org 

Valentina Kulagina, el arte en la propaganda.

Porque la propaganda es una forma de publicidad, algunos de sus creadores tienen más alma de publicistas que de miembros de un partido o de jefe de información.

Armando Enríquez Vázquez.

A lo largo del siglo veinte una de las formas más directas y sesgada de comunicación entre los gobiernos y sus gobernados se dio a través de lo que llamamos propaganda. La propaganda tiene como una de sus características el abuso que se hace de ella para dejar claro el mensaje y en el siglo XX se abusó de la propaganda. A lo largo de las dos guerras mundiales, la guerra fría y de manera interna para promover acciones demagógicas de los gobiernos, la propaganda se convirtió y aun subsiste como una de las formas de difundir políticas de gobierno en la actualidad.

A principios y mediados de siglo XX, el medio favorito para difundir la propagada fueron los grandes carteles al estilo publicitario y como en el caso de la publicidad se necesito de grandes diseñadores para lograr fijar el mensaje y llamar la atención del espectador, a diferencia de lo que sucede con la propaganda política en radio y televisión en nuestro país en la actualidad, donde cualquier villamelón crea mensajes sin pies, ni cabeza, pero sobre todo poco atractivos. Muchos de esos posters de propaganda siguen siendo íconos de gobiernos e instituciones para los que fueron creados.

Tras la Revolución Rusa, uno de los medios en los que los diferentes gobernantes de la nueva Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas creyeron como uno de los más importantes para hacer llegar su mensaje a la población estaba el cartel. Tapizar las paredes de los edificios con la visión liberadora de la revolución y para ello Lenin, y más tarde Stalin contaron con un grupo de artistas que creían de buena fe y con entusiasmo en la Revolución de Octubre para llevarlos al paraíso social de todos tan anhelado. 

Entre esos diseñadores y artistas que crearon los más importantes carteles para la propaganda a lo largo del siglo XX, existe el raro caso de una mujer soviética llamada Valentina Kulagina. Valentina Kulagina nació en 1902 y en 1920 comenzó sus estudios en la VKhTEMAS, que era la recién academia de arte creada por el estado soviético, Kulagina conoció al maestro Gustav Klutsis con el poco meses después se casó. El matrimonio vivió durante un tiempo en el edificio de la escuela.

Años antes al encuentro de Kulagina y Klutsis, el arte soviético sometido a la revolución mundial que proponía nuevas formas de mirar y representar la realidad, en plena época de los Ismos, dio origen al movimiento conocido como constructivismo. La propuesta artística de Klutsis simpatizaba con este movimiento y lo mismo sucedió en el tiempo con el arte de Kulagina. En 1928 un grupo de fotógrafos, cineastas, diseñadores y críticos se unieron y formaron Octubre, un grupo dedicado a la promoción y creación de fotomontajes, el fotomontaje era mal visto en Europa y se le acusaba de carecer de unidad y valores estéticos. Los artistas de Octubre por su parte comenzaron a poner sobre la mesa los valores revolucionarios del fotomontaje. En 1930 Valentina Kulagina diseñó un poster para  la celebración del Día Internacional de la Mujer trabajadora, en la parte inferior del cartel, la artista utilizó un fotomontaje de diferentes caras de mujeres que simulan marchar en celebración. El arte o la visión del artista tenía un gran peso y sobretodo una documentada y justificada razón por la cual la ejecución se hacía de una forma y no de otra.

Uno de los pocos posters de Kulagina que carecen de su amado fotomontaje es el que diseñó en 1931 y que se conoce como ¡A defender la URSS! En el que enormes soldados rojos que parecen robots marchan a la defensa, pequeños aviones y un segundo planos de soldados acompañan la marcha. Atrás, por estar dibujadas es la parte inferior izquierda del poster, quedan las fábricas que representan la planta productiva de la Unión Soviética que había que defender.

En 1938, Gustav Klutsis fue detenido y ejecutado de inmediato por órdenes de Stalin, Manifestación de ese odio que el dictador sentía por todo tipo de artistas. A Valentina se le mintió acerca de la muerte del su esposo. Ella creyó hasta el día de su muerte que Klutsis había sufrido un infarto en la prisión.

Kulagina se mantuvo activa durante la II Guerra Mundial y tras la guerra continuó dedicándose al diseño, incursionó en el diseño de portadas para libros, infantiles sobre todo. Poco se tiene acerca de ella y se sabe que murió en 1987.

publicado en thepoint.com.mx el 24 de agosto de 2015
Imagen: artnet.com
               okc.net
                nb.no

Joyce Ballantyne, un logo para siempre y calendarios de época.

Uno de los logotipos más reconocidos de una marca en el mundo fue creado por una artista gráfica a la que Disney le negó una beca por ser mujer.

Armando Enríquez Vázquez.

Uno de las metas de una empresa es sin lugar a dudas el que su logo o imagen quedé grabado en la mente del consumidor. Sin lugar a duda esto queda más que superado cuando la imagen en cuestión se vuelve un referente cultural.

Nipper, el perro de la RCA Victor es un ejemplo de la fuerza de identificación de marca y de referente cultural que puede tener una imagen.

La imagen tema de este texto, fue creado en el año de 1959 en un concurso convocado por la empresa Coppertone, una empresa relativamente pequeña en ese momento con base en Florida, dedicada a vender una crema que ayudaba a un mejor bronceado, Sin embargo la marca había cometido un error publicitario que ya en esa época fue mal visto. Su imagen corporativa consistía en un indio norteamericano de perfil y el lema de la empresa era; No seas un cara pálida. Usa Coppertone.   

Entre los invitados al concurso se encontraba una diseñadora y artista gráfica nacida en Norfolk, Nebraska el 4 de abril de 1918. Su nombre Joyce Ballantyne. Desde niña le gustaba dibujar y durante los años de la depresión se dedicó a dibujar y crear muñecas de papel que vendía por un dólar.

 También le gustaba participar en concursos de dibujo y como adolescente se ganó una beca de los Estudios de Disney para convertirse en animadora, sin embargo, en esa historia más que negra que tiene Disney que sólo ve a las niñas como princesas irreales, cuando la persona de Disney que la contactó por teléfono, escuchó la voz de la jovencita, le dijo que Disney no contrataba mujeres porque estas se tenían su lugar en la casa, al lado de hijos y maridos. Una mujer no es una buena inversión concluyó el representante de Disney y le retiró entonces la beca a Joyce.

La historia no dejó de ser una anécdota en la vida de la artista gráfica que estudió dos años en la Universidad de Nebraska y de ahí pasó al Instituto de Arte de Chicago donde se graduó en arte comercial.

Cuando fue contactada para realizar el diseño para Coppertone con las indicaciones de crear una imagen donde se viera la línea de bronceado una niña pequeña y un perro, Joyce Ballantyne gozaba ya de un prestigio en el mundo del diseño gráfico y publicitario. Junto con otros cuatro diseñadores Joyce compitió por el diseño.

Utilizó como modelo a su hija de tres años Cheri Brand, para crear la imagen de todos conocida del perro jalando el calzón del traje de baño de la niña descubriendo las nalgas pálidas de la pequeña.

A pesar de ser el diseño ganador, de ser considerado uno de los trabajos gráficos mejor asociados con la marca en la mente del consumidor, al parecer la imagen siempre ha perturbado a ciertos sectores puritanistas, persignados y políticamente correctos de los Estados Unidos. Al grado que con el paso de los años la imagen ha sido modificada cubriendo poco a poco el trasero de la niña hasta que actualmente el dibujo sólo muestra la espalda.

Joyce Ballantyne recibió dos mil quinientos dólares por lo que habría de ser su trabajo más popular y conocido a lo largo de su vida, algo que a ella no le parecía satisfactorio y hasta llegaba a molestarla.

-No tiene la menor importancia, únicamente es un dibujo de un bebé. Jamás sentí nada especial acerca de ese anuncio. Es solo uno más de los trabajos que me encomendaron y nada más. Declaró en más de una ocasión.

Joyce Ballantyne realizó otro trabajo sobre bebes que también fue muy reconocido fue la responsable de crear al primer bebe para Pampers. Creó otros carteles publicitarios para marcas como Ovaltine, un popular saborizante para leche cuyos principales ingredientes fueron en un principio la malta y el huevo.

Pero de sus creaciones las que la satisfacían más fueron una serie de carteles de los llamados Pinups, posters con cierto sesgo de sensualidad o erotismo que dibujo en tiempos de la II Guerra Mundial.

Joyce Ballantyne murió de ataque cardíaco el 15 de mayo de 2006, su hija Cheri, la modelo original de la niña de Coppertone vive en el pueblo de Ocala en Florida.

publicado el 30 de marzo de 2015 en thepoint.mx

imagenes:   pinupsheroines.com

                  americanartarchives.com