Mostrando entradas con la etiqueta mujeres empresarias. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta mujeres empresarias. Mostrar todas las entradas

martes, 7 de julio de 2020

Juanita Pérez la barbie mexicana.




Creada por una actriz española avecindada en México y como réplica de una popular muñeca española, esta muñeca tiene más de 55 años de existir.

Armando Enríquez Vázquez

En las décadas de los setenta y ochenta en la calle de Parroquia y Avenida Insurgentes contra esquina a la explanada que da entrada al Puerto de Liverpool de Insurgentes, había una serie de locales unidos por un pasillo exterior elevado. Uno de esos locales era un restaurante llamado Alden al que como estudiante acudía con los compañeros de pinta a tomar café. En uno de los locales aledaños se vendía una muñeca que se llamaba Juanita Pérez.
Juanita Pérez era una especie de celebridad entre los juguetes para niñas, Lily-Ledy y Plastimarx no competían con esas muñecas que eran para un mercado menos popular.
En Canal 5, que se especializaba durante mañanas y tardes en programación infantil, eventualmente se promocionaba a la muñeca. Con la destrucción de ese corredor de locales en 1999 para la creación de Plaza Galerías la tienda desapareció.
La historia de esta muñeca que ahora se vende en almacenes y por internet está relacionada con una mujer que llegó de España a México en los años 50 y actuó en un puñado de películas en la decadencia de la llamada Época de Oro del Cine Mexicano.
Guillermina Green nació en 1924 en Sevilla, España. En la década de los años cuarenta actuó en algunas películas en España y a diferencia de los exiliados españoles de la Guerra Civil, llegó a México después de finalizar la II Guerra Mundial y cuando la economía española estaba por el suelo, creyendo que aquí iba a hacer una gran carrera en el cine, como sucedió con algunos de sus paisanos, sin embargo, y a pesar de haber participado en seis películas en un año, 1950, solo una de ellas es recordada, el mediocre melodrama ranchero También de dolor se canta. Su carrera como actriz terminó pronto pues se casó con el productor de cine Guillermo Calderón Stell, desde ese momento Guillermina se dedicó a ser un ama de casa.
En 1962 viajó a España, su situación se lo permitía al no ser una exiliada política como la gran mayoría de la comunidad española en nuestro país en esos años. En ese viaje conoció una muñeca española llamada Mariquita Pérez, lo que le dio la idea de adaptar el concepto a México, en esos años el comercio exterior mexicano era muy limitado debido a las leyes proteccionistas que prevalecían en nuestro país y que contribuyeron una década después a tener un pésimo desarrollo industrial, carente de calidad y de interés por el consumidor.
Guillermina creó entonces a Juanita Pérez. A lo largo de 58 años la muñeca se ha mantenido en oferta. Juanita tiene diferentes vestuarios y estilos que se pueden comprar por separado para mantener a la muñeca a la moda o vestirla de eventos especiales. De acuerdo con un reportaje de Marina Angulo publicado en 2014 en el diario El Universal, la empresa decidió crear un universo alrededor de Juanita, de la misma manera que otras muñecas exitosas, se inventó una familia Pérez con hermanos y hermanas, que con el tiempo desapareció. Hoy Juanita es la única de la familia.
La muñeca es un símbolo de una época de nuestro país y sobre todo de la clase media de esos años; blanca, de ojos claros Juanita es un recordatorio de los complejos de los hoy llamados Whitexicans.
Guillermina murió en 2006 en la Ciudad de México, desde entonces es su hija Ana Laura Calderón la cabeza de la empresa, que se mantiene de manera marginal, pero sobrevive.


publicado en thepoint.com.mx el 22 de junio de 2020
imagen juanitaperez.com.mx

lunes, 24 de febrero de 2020

Construir y diseñar osos




Uno de los juguetes favoritos de los niños es el oso de peluche y como todos los niños son diferentes, sus osos deben ser únicos. Esta empresa además construye emociones.

Armando Enríquez Vázquez

Los osos de peluche son un antiguo juguete, que ha sido a lo largo del siglo XX exaltado de diferentes maneras, en Estados Unidos se popularizó a partir del presidente Teodoro Roosevelt y han creado una leyenda maniquea y chauvinista al respecto, porque es muy de ellos creerse los únicos en tener creatividad en el mundo.
Son diferentes países los que se atribuyen el origen de los osos de peluche, lo cual de alguna manera es irrelevante porque el oso es un antiquísimo totem y siempre ha estado en manos de adultos y niños de diferentes formas. Pero dentro de la importancia que representan en el nicho del mercado infantil los juguetes de peluche, en 1997 una mujer revolucionó el mercado con su idea de poner una tienda de dedicada a la fabricación de osos de peluche en un principio, hoy existen diferentes animales, muñecos y franquicias que se vende de manera exitosa y los cuales pueden ser personalizados por los niños hasta cierto punto. El nombre de esta exitosa empresaria es Maxine Clark.
Maxine nació en Coral Gables, Florida, el 6 de marzo de 1949, estudió periodismo y arte en la Universidad de Georgia y trabajó desde 1971 en diferentes empresas dedicadas a las ventas a tiendas departamentales, en las que fue escalando la escalera ejecutiva. En 1992 era presidente de Payless Shoesource, una empresa de venta de calzado por catálogo, aunque cuenta también con tiendas física, así como venta en Amazon, puesto al que renunció en 1996. Su gran idea vino a mediados de los años noventa del siglo pasado cuando de compras con una amiga y su hija, y al no encontrar un juguete diferente de un tipo especial que la niña coleccionaba, la niña expresó que se podía hacer uno diferente en casa, gracias a su conocimiento del mercado y de su gran olfato para las oportunidades, decidió crear una tienda en la que los niños pudieran armar un oso de felpa a su gusto y de esta manera darle la oportunidad al infante no sólo de crear un peluche a su gusto, si no de llevarse una experiencia capaz de ligar al niño o niña de manera emocional con su juguete, la cual se sella cuando el niño pone un corazón de plástico a su peluche, que en versión actual tiene una versión que emite latidos.
En octubre de 1997, Build-A-Bear Workshop abrió las puertas de su primera tienda en un centro comercial, llamado Galerías en la ciudad de San Luis, en el estado de Misuri, en Estados Unidos. Hasta la fecha las oficinas centrales de Build-A-Bear se encuentran en ese estado en la ciudad de Overland y esa primera tienda aún se puede encontrar en Galerias en San Luis. En menos de 10 años Build-A-Bear tenía presencia en cuarenta estados norteamericanos y ciudades de Canadá. Hoy existen más de 400 puntos de venta en todo el mundo, incluidos cinco en la Ciudad de México y el área metropolitana del Estado de México y otra en Torreón Coahuila.
La primera idea para el logo de Build-A-Bear Workshop, era un poco barroca y mostraba a varios osos de peluche construyendo a otro, en él se ven escaleras, un carrete de hilo, una regla “L”, uno de los osos peina el peluche del oso en “construcción”, mientras que otros dos le introducen el corazón distintivo. La escena está encerrada por un marco azul circular y por las frases Build-A-Bear Workshop y mientras que en la parte exterior del circulo se lee: Where Best Friends are made. (Donde se hacen los mejores amigos). Este logo se mantuvo hasta 2013, año que también marcó la salida de Maxine Clark como CEO de Build-A-Bear Workshop. Entonces el logo se simplifico; únicamente dos osos trabajaban en la construcción del oso gigante; uno esta en una escalera, mientras que el segundo sólo esta introduciendo el corazón en el oso. Desapareció el slogan manteniéndose únicamente el nombre de la empresa. Este logo vivió sólo dos años y 2015 fue remplazado por uno donde sólo se ve la cabeza sonriente de un oso de peluche enmarcada por un arco que dice Build-A-Bear, mientras que en la parte inferior se lee Workshop, con cada letra de diferente color y diferente textura. Este logo continúa siendo el que representa a la empresa.
Build-A-Bear Workshop fue uno de los primeros modelos de negocio que intentó personalizar el gusto de su consumidor además de crear una experiencia personal del comprador. El uso del naciente comercio en Internet, fue algo que Clark aprovechó para implementar un programa de lealtad del cliente que le sirvió para investigar los intereses de sus clientes y así desarrollar productos para los osos que resultaron exitosos, gracias a ellos se confeccionaron nuevas ropas y accesorios para los peluches, se crearon y ofrecieron diferentes animales y sobre todo fue fundamental para comenzar a comprar franquicias. Las primeras fueron Disney y la Liga Mayor de Baseball.
El proceso como lo ideó Clark inicia en el momento que el niño elige el cuerpo del personaje o animal, rellena el muñeco con un material sintético y el niño le pone ojos y lo viste como quiere, o al menos eso le hacen pensar al niño y al padre pues las franquicias sólo ofrecen paquetes más o menos rígidos de accesorios y vestimenta, lo que ha vuelto a los osos bastante más  estandarizados de lo que Clark en un inició planeó. Claro son tantos los paquetes qué, al niño le queda la idea de que su oso en único, personalizado.
En 2006 Maxine Clark publicó un libro titulado: The Bear Necessities of Business: Building a Company with Heart.  No se trata de una autobiografía, si no que pretende que los entrepreneurs tengan las herramientas y la visión correcta para construir su propio negocio, basándose en la experiencia de Clark.
Clark es aún la principal accionista de Build-A-Bear Workshop, pero desde que dejó la dirección de la misma se visto envuelta en diferentes proyectos con niños y mujeres emprendedoras.

publicado en thepoint.com.mx el 17 de febrero de 2020
imagen buildabear.com

martes, 28 de enero de 2020

Olive Ann Beech, la primera empresaria de la aviación.




Esta mujer tiene un lugar muy especial dentro de la historia empresarial de Estados Unidos y en el mundo de la aviación mundial.

Armando Enríquez Vázquez

Esta es la historia de una mujer que es miembro del Salón de la Fama de la Aviación, que tiene una gran importancia dentro de la industria, sin haber sido pilota. Olive Ann Beech nació en Waverly, una zona rural de Kansas el 25 de septiembre de 1903. Su apellido de soltera era Mellor. Desde niña Beech fue tenaz e interesada en el mundo de las finanzas; a los siete años abrió su primera cuenta bancaria, algo poco común, incluso entre los adultos a principios del siglo XX. A los 11 tenía la responsabilidad de escribir los cheques familias y ayudaba en la administración familiar. Obviamente, Olive estudió para se contadora en la Universidad Americana de Negocios y Secretarias, en Wichita, Kansas. Olive comenzó a trabajar en una empresa de aviación llamada Travel Air Manufacturing Company, fundada por su futuro esposo Walter Beech, Lloyd Stearman y Clyde Cessna. Olive inició como secretaria, pero se interesó por averiguar todo acerca del negocio de la fabricación de aviones y sobre todo la administración del mismo. Los problemas entre los socios llevaron a deshacer la empresa, para ese momento Walter y Olive ya tenían una relación. Cada uno de los miembros creó su propia empresa de aviación. En 1929 Travel Air se fusionó con la empresa Curtiss-Wright, Beech se convirtió en vicepresidente de la empresa y Olive fue nombrada Directora de Finanzas.
Olive y Walter se casaron en 1930. Dos años después el matrimonio se propuso crear su propia empresa a la que llamaron Beech Aircraft Company, con el paso de los años el nombre quedó en Beechcraft. Walter era el presidente de la firma y Olive Ann la Tesorera. Nacida en la época de la depresión los primeros dos años de la empresa fueron muy malos en cuanto a ventas sólo un avión se vendió en ese periodo, pero en 1935 la situación cambió de manera radical al venderse 54 aviones. En 1936 Olive convenció a Walter de participar en la Copa Bendix, una prestigiosa carrera aeronáutica, con uno su Modelo 17, uno de los dos tipos de avión de Beech Aircraft Company, pero además lo convenció de contratar a dos pilotas para participar en la carrera, la idea era demostrar que los aviones de la empresa eran fáciles de operar y que no se requería mucha fuerza física para hacerlo. Las elegidas fueron dos estrellas de la aviación de la época; Louise Thaden y Blanche Noyes. El objetivo fue alcanzado y el equipo de Beechcraft ganó la competencia poniendo a la marca en la vista de todos.
Durante los siguientes años Ann Olive Beech tuvo dos hijas que no la apartaron de sus obligaciones al interior de la empresa. Para colmo de las cosas en 1940 Walter enfermó de encefalitis y estuvo un tiempo en coma por lo que fue hospitalizado, a partir de ese momento Olive Ann tomó las riendas de la empresa, muchas veces atendiendo la empresa en una línea directa que tenía en el hospital, y la hizo florecer durante los años de la II Guerra Mundial. El gobierno norteamericano compró modelos modificados de los modelos 17 y 18, en los que muchos de los futuros pilotos de la aviación norteamericana se entrenaron. La empresa llegó a tener 14,000 empleados durante los años del conflicto. Al finalizar la guerra Beechcraft se diversificó y comenzó a producir maquinaría diferente a los aviones incluyendo lavadoras, cosechadoras, y se diseñaron dos innovadores motores para avión en forma de V. En 1950 la Guerra de Corea hizo que el gobierno buscara de nueva cuenta a Beech para pedirle aviones a la empresa, además en noviembre de ese año un infarto acabó con la vida de Walter. Ann Olive Beech fue electa como presidenta y directora de la junta de gobierno de Beechcraft. El siguiente paso de Beechcraft fue colaborar con NASA en la carrera espacial. En 1968. Olive cedió su posición en la empresa a su sobrino Frank I Hendrik. Olive Ann se mantuvo como CEO and directora de la junta de gobierno hasta 1982. A partir de ese año Olive Ann Beech fue distinguida con el puesto de Directora Emérita de Beechcraft. Fue nombrada en diferentes consejos convocados por los presidentes norteamericanos Eisenhower, Johnson y Nixon. Incluso el avión que Lyndon B. Johnson utilizaba para viajar a su rancho de Texas, era un Beechcraft modelo King Air.
Una de las frases más recordada de la empresaria es: Me gusta estar rodeada de gente que encuentra formas de hacer cosas, no de personas que me de gente que me diga por qué no se pueden llevar a cabo.
A lo largo de su vida recibió diferentes honores y premios entre los que destacan: El trofeo en memoria de los Hermanos Wright en 1980, en 1981 fue inducida en el Salón de la Fama de la Aviación, en 1982 recibió un Doctorado Honorario en administración por la Universidad de Wichita.
La gran empresaria murió a los 89 años el 6 de julio de 1993. En algunos sectores al referirse a Olive Ann Beech, la llamaban La Primera Dama de la Aviación, a pesar de que ella nunca aprendió a pilotear un avión.


imagen: wikipedia.org

viernes, 1 de noviembre de 2019

Shirley Polykoff la creativa que puso a Clairol en la cabeza de las consumidoras.




Una de las mujeres más importantes en la publicidad creó a mediados del siglo pasado la campaña que hizo a una empresa líder en su ramo.

Armando Enríquez Vázquez

Hasta la década de los cincuenta en el siglo pasado, para una mujer teñirse el cabello no era cosa fácil, pues rápidamente era criticada y estigmatizada. Teñirse el cabello no era bien visto, en una sociedad llena de puritanos, teñirse el pelo era un distintivo de prostitutas y coristas.
Ver la a la mujer de otra manera, sus opciones y la importancia de la libertad de sus decisiones sobre su persona y su cuerpo tenía que venir de una mujer. La postura y decisión personal de la creativa Shirley Polykoff marcó un cambio en ciertos hábitos de consumo entre las mujeres de la clase media norteamericana.
Shirley Polykoff hija de migrantes judíos nació en Nueva York el 18 de junio de 1908, desde la adolescencia se dedicó a trabajar como creativa para almacenes de ropa en Nueva York y fue construyendo su carrera en una época en que se menospreciaba el trabajo de las mujeres y en el mundo corporativo de Estados Unidos también se discriminaba a los judíos.
Polykoff se casó con un abogado de nombre George Halperin en 1933 y de acuerdo con uno de sus biógrafos; Malcolm Gladwell, a partir de una experiencia negativa que tuvo con su futura suegra cuando Halperin las presentó en 22 años después habría de surgir la frase que la llevaría a la fama en el mundo de la publicidad.
Shirley Polykoff se teñía el pelo de rubio desde su adolescencia, algo que fue claro para la señora Halperín que por este simple hecho calificó a Shirley, como no apta para su hijo. Juicio que no impidió el matrimonio de los jóvenes. Ni la molestia de Polykoff.
Además de apoyar la decisión de su esposa por teñirse el cabello, George Halperin apoyó a su mujer en el desarrollo de su vida profesional. Shirley Polykoff trabajó para pequeñas agencias de publicidad, almacenes y la revista Haarper. En 1955 Shirley trabajaba como Copy Jr. para la agencia de publicidad Foote, Cone and Belding, de hecho, era la única creativa a cualquier nivel en la empresa, por lo que le fue asignada la cuenta de Clairol, una empresa que tenía un innovador producto para la mujer común de Estados Unidos: un tinte que se podía aplicar de manera casera con buenos resultados.
Shirley recordó entonces la pregunta ofensiva que la señora Halperin hizo a su hijo a espaldas de su futura nuera; ¿Lo hace? O ¿o no lo hace? Refiriéndose al hecho de teñirse el cabello. La frase que molestó a algunos de los publicistas al interior de la agencia, así como a clientes de medios porque le veían una implicación sexual a la frase. Shirley les demostró a todos estos freudianos que las mujeres al interior de la oficina de Foote, Cone and Belding, no veían esta perversa relación entre la frase y la fotografía de una mujer con un niño. Entendían de manera perfecta la frase que se completaba con: Sólo ella y su peluquero lo saben.



La campaña fue un éxito y Polykoff desarrolló diferentes campañas para Clairol a lo largo de los años, con frases igual de recordadas en el mundo de la publicidad como: Sí solo tengo una vida, quiero vivirla como rubia. ¿Es cierto que las rubias se divierten más? o Entre más me acercó, se ve mejor. En el que un esposo se acerca al cabello teñido de su esposa. Las campañas de Shirley Polykoff eran aspiracionales, pero evitaban al estereotipo de la rubia de vida licenciosa, por el ama de casa modelo para las familias norteamericanas. Clairol se convirtió en una marca líder en el mercado de los tintes para cabello y el trabajo de Shirley Polykoff logró que el mercado de los tintes para cabello creciera del 7% a mas del 50% en unos pocos años, creando un negocio millonario para Clairol y las marcas de tintes que le siguieron. La primera frase de Polykoff para Clairol, fue utilizada por la marca por más de 15 años.
Polykoff se convirtió en Senior Vicepresidente de Cone, Foote and Belding y en 1973 fundó su propia agencia de publicidad; Shirley Polykoff Advertising Inc. Con clientes como Bristol Squibb, dueña de Clairol y Kimberly Clark.
Se retiró en 1984, fue electa miembro del Salón de la Fama de la Publicidad en 1980, ganó muchos premios y murió el 4 de junio de 1998.


imagenes:  flickr.com
                  authorizedamy.com

martes, 8 de enero de 2019

Mary Quant la mujer que mostró las piernas de las demás.




La diseñadora inglesa creadora de una de las prendas más revolucionarias del siglo XX; la minifalda.

Armando Enríquez Vázquez

“Yo amo la vulgaridad. El buen gusto ha muerto, lo vulgar es vida.” Así se expresó Mary Quant en una entrevista que le dio a la periodista y editora de la sección de moda del diario inglés The Guardian en octubre de 1967. Esta mujer contestaria, que en ese momento tenía 33 años, es una de las diseñadoras de ropa más importantes e influyentes no sólo en materia de moda; en el comportamiento de la sociedad y la liberación de la mujer. Su diseño más importante apoyó los movimientos de revolución sexual y social de la década de los sesenta y se constituyó como uno de los grandes inventos del siglo pasado; la minifalda.
Aunque la historia es escrita de diferentes maneras como siempre y depende del país de procedencia de quien cuente la historia de la prenda, el nombre del inventor es diferente y m{as tratándose de una rivalidad como la existente entre Francia e Inglaterra, para los franceses el inventor de la minifalda es el modista francés André Courrèges, pero como alguna publicación define más allá de la batalla de los nacionalismos, se trata de una batalla entre los snob de la alta costura francesa contra el diseño urbano de Quant y en tiempos del #Meetoo también se puede ver como la clásica batalla del machismo francés en contra del éxito de una creativa mujer. Además, Quant tiene muy claro cuándo visualizó por primera vez su invento. Siendo una niña al observar a una chica un poco mayor que ella en la clase baile que bailaba tap con una pequeña falda tableada. Entonces pensó que eso era lo que ella quería.
El hecho es que la minifalda se popularizó de manera rápida en la década de los sesenta del siglo pasado, atrayendo a la juventud y como Quant menciona; en su momento era una prenda muy versátil que igual utilizaba la hija de un duque que la joven de una familia de trabajadores portuarios. Pero además era consciente de la fuerza de atracción y el empoderamiento que una minifalda causan.
Mary Quant nació en Londres el 11 de febrero de 1934 hija de maestros, creció odiando la ropa que heredaba de una prima, molesta con la forma en que la ropa en general le imponía una personalidad que no era la suya, así que llegado el momento de estudiar una carrera pensó en la moda, algo que sus padres pensaban que era demasiado aventurado y riesgoso, por lo que Mary aceptó ir a la escuela de arte. De acuerdo con una entrevista con la diseñadora concedida en 1985 a Thames TV, esto funcionó de maravilla para ella, pues mientras en las escuelas de moda se les enseñaba a los estudiantes a voltear a lo que sucedía en el mundo de la alta costura en Paris y recrearlo para minúsculos mercados en Inglaterra, ella decidió improvisar y diseñar el tipo de ropa que siempre había deseado usar ella, una ropa para jóvenes que reflejara su independencia y además se ajustara al cuerpo de las chicas de Chelsea. Así creó una moda que reflejaba la mente de la calle más de moda en Londres. Mary Quant alguna vez describió como la moda real para gente real y no una moda elitista como la de tantos otros diseñadores. Incluso Quant ha dicho que fueron esas jóvenes inglesas en los años de romper las reglas de lo establecido, las que le pedían faldas cada vez cortas. 
Mary Quant estudió arte en la Universidad de Goldsmiths en Londres. En la universidad conoció a su esposo Alexander Plunket Greene, así como al socio de los dos un fotógrafo y abogado de nombre Archie Mc Nair, los tres crearon en 1955 la primera tienda de ropa de Quant llamada Bazaar que se ubicaba en King`s Road, junto a la cafetería Fantasie, propiedad de Mcnair y que era el centro de reunión de modelos, fotógrafos, músicos y sus novias, que eran las primeras en interesarse por la ropa de Quant. El principal problema que enfrentaron era que Mary no encontraba la ropa que quería vender en ningún mayorista, por lo que comenzó ella a diseñar y crear su propia línea de ropa. En 1957 abren la primera sucursal, ese año también Mary y Alexander se casan. Comienza la venta de minifaldas para las estilizadas y delgadas chicas de Chelsea.
Una de las cosas que más llamaba la atención de las tiendas de Mary Quant eran los aparadores con maniquíes recreando divertidas escenas y en posiciones diferentes a las acostumbradas hasta ese momento en el mundo.



En 1962 Mary Quant firmó un contrato con la tienda norteamericana JC Penney y de esta manera se introdujo en el mercado norteamericano, pronto estaba surtiendo órdenes de prendas de vestir para Inglaterra, Estados Unidos y diferentes países de Europa.    
Pero para que no quede duda de la capacidad y de la inventiva de Mary Quant, ella no se limitó a la minifalda y sus variantes como el minivestido o la versión en pantalones conocidos como “hot pants” todos ellos un éxito en la moda y una declaración de la libertad de la mujer que ya no estaba restringida a las faldas acampanadas de la posguerra, los corsés y fajas. Mary Quant se dedicó a diseñar también mallas de colores brillantes para vestir las largas piernas de las mujeres que vestían sus prendas, trajes de baño que encargaba a los mismo creadores de leotardos para la danza. Su modelo favorita era Twiggy una muy delgada modelo inglesa que sin duda fue la precursora de la anorexia y que era el epítome de esa chica Chelsea que Quant soñaba utilizara su ropa; alta y delgada. Twiggy se convirtió con los años en actriz y aparece en la divertida película “Blues Brothers” que estelarizan John Belushi y Dan Ackroyd.
Mary Quant diseñó y creó zapatos y botas de plástico con colores llamativos, botas que se convertían en zapatos retirando el tubo de la bota que tenía un cierre con el que se unía a la parte inferior de la prenda. Utilizó el plástico como material para sus creaciones, lo que hacía muchos de sus diseños totalmente “modernos” para sus consumidores. Impermeables y rompevientos de plástico fueron parte de sus exitosos diseños. Incursionó también el mundo de la ropa interior para mujeres y pronto estaba diseñando boinas para Kangol, corbatas para hombres, ropa para niños.
También ha diseñado muebles, textiles y hasta una muñeca, llamada Daisy, que supongo estaba mejor vestida que la famosa Barbie.
Su compañía adoptó su nombre y Mary Quant se convirtió en una marca sinónimo de moda; atrevida, divertida, de vanguardia y accesible. Su logo, una flor margarita estilizada, es aún reconocible como el emblema de su marca. Su principal mercado se encuentra, curiosamente fuera de la isla británica, en el lejano Japón.
En 1966 enfocó sus esfuerzos en un nuevo mercado y se dedicó al maquillaje, la cara de una mujer es muy importante y de acuerdo con Mary, al igual que la moda el maquillaje se había estancado y vuelto el rostro de la mujer inglesa en algo sin chiste y estandarizado y aunque sólo tiene 32 años escribe y publica su autobiografía “Quant by Quant”. En 2012, cuarenta y seis años después publicó una nueva autobiografía titulada “Mary Quant: Autobiography”, además ha escrito y publicado libros sobre el color, maquillaje, lipsticks,
En 2009 el Correo Real de la Gran Bretaña emitió una serie de 10 timbres postales celebrando el diseño inglés del siglo XX entre ellos uno esta dedicado a la minifalda de Mary Quant.
En 2015, Mary Quant fue nombrada Dame de Inglaterra, título equivalente al de Sir en los hombres. Mary Quant murió el 13 de abril de 2023 en Surrey, Inglaterra. Tenía 93 años.



publicado en mamaejecutiva.net el 10 de diciembre de 2018 (actualizado abril 2023)
imagenes: medium.com

viernes, 28 de diciembre de 2018

Margo Chase letras para cazar vampiros.




Una de las grandes diseñadoras gráficas de Estados Unidos y responsable de creativas tipografías que se vieron en todas las televisiones del mundo.

Armando Enríquez Vázquez

El 22 de julio de 2017, murió en un accidente aéreo Margo Chase. Tenía 59 años y una brillante carrera dentro del diseño gráfico, era reconocida por la comunidad de diseñadores, la publicidad y los productores de televisión.
Margo Chase nació el 20 de febrero de 1958 en San Gabriel, California. Estudió en la Universidad Politécnica Estatal de California en el Campus de San Luis Obispo, fue ahí donde Chase se enamoró del diseño gráfico, en un principio Chase contemplaba hacer una carrera más científica pero su interés por el diseño la llevó en un principio a dedicarse a hacer ilustraciones relacionadas con temas médicos. Estudió ilustración médica en la Universidad de San Francisco y poco después de egresar comenzó a trabajar diseñando portadas para discos como freelance, pronto el trabajo de Chase se tornó en una obra reconocido, pues la californiana es la responsable de diferentes portadas para discos como “Around the World in a Day” y “Paisley Park 12” de Prince, La tipografía de los dos primeros discos de Sheila E,  “Like a Prayer” de Madona, “Luck of the Draw” de Bonnie Raitt, “Spellbound” de Paula Abdul, DIO “Dream Evil” entre otros.
De los discos pasó a diseñar el poster para películas como “Drácula” de Francis Ford Coppola, pero su trabajo más visible se convirtió el diseño de tipografías para series de televisión entre las que destacan “Buffy la Cazavampiros”, su spin off “Angel” y la serie de brujas adolescentes “Charmed”, todas estas creaciones le valieron el ser conocida como “La reina del Gótico” de acuerdo con el sitio de internet de Chase Group. Al menos diez tipos diferentes de fonts fueron creado por Chase.
Lo cierto es que el trabajo de Chase fue mucho mayor y más versátil que estos trabajos que la etiquetaban de esta manera.  En una entrevista para el portal lynda.com la diseñadora habló de lo importante que era para ella ser freelance, y después tener su propia empresa, sin tener que tener ningún tipo de jefe al que obedecer, a pesar de haber deseado trabajar en un gran corporativo al inicio de su carrera, incluso su trabajo para las portadas de los discos para Warner fue siempre un trabajo que realizó de manera independiente.



Chase fundó Margo Chase Design en 1986, que en un principio operaba desde la casa de la diseñadora, con su empresa Chase trabajó en diseñar logos y empaques para productos para diferentes marcas de empresas como Nestlé o Procter & Gamble, y toda la identidad corporativa para marcas como Califia una marca de leche de almendra, así como Target, Better Together, CVS. El éxito de la empresa de Chase la llevó a abrir oficinas en California, Nueva York y en Bristol, Inglaterra. En el año 2000 la empresa cambió de nombre y pasó a ser Chase Design Group. En el video celebratorio de la vida de Margo Chase que se encuentra en la pagina de la empresa ella se define como terca y competitiva y alguien a quien no le gusta perder. Margo Chase recibió a lo largo de su vida diferentes galardones y reconocimientos por su trabajo creativo.
Margo Chase fue una mujer que amaba lo que hacía, pero reconocía la necesidad de no ser una persona con un sólo interés, la diversidad en los intereses enriquece y fortalece tu trabajo o tu interés principal, así lo manifestó en esa entrevista del 2008 para lynda.com  
Margo Chase tenía entre otras pasiones la de volar aviones y hacer maniobras acrobáticas, fue en una de estas demostraciones donde la diseñadora perdió la vida.
Chase Design Group continúa existiendo, manteniendo el legado creativo de su fundadora.



imagenes luc,devroye.org
               historyofgraphicdesign.com

martes, 15 de mayo de 2018

Margo Su una vida extraordinaria



Bailarina de carpa, promotora teatral, escritora, dueña del legendario Teatro Blanquita Margo Su es sin duda una de las mexicanas más exitosas y polifacéticas del siglo XX.

Armando Enríquez Vázquez

A raíz de un documental que vi hace poco acerca de los intelectuales y el poder en México llamado La muñeca tetona por una muñeca de trapo que aparece en la foto que da pie al filme me interesó una de las dos mujeres que acompañan en esa fotografía a personajes como Carlos Monsiváis, su tocayo y ex presidente del país Carlos Salinas de Gortari, Miguel Ángel Granados Chapa, Iván Restrepo y Gabriel García Márquez entre otros. Las únicas mujeres en la foto son Elena Poniatowska y Margo Su.
¿Quién fue Margo Su? ¿Por qué aparece en esa foto? ¿Por qué la ha olvidado la historia oficial de este país? ¿Realmente fue tan relevante esta mujer? Recordada por ser la empresaria dueña y que manejó el famoso Teatro Blanquita, uno de los lugares más emblemáticos de la cultura popular en la Ciudad de México, esta valiosa mujer se movió en mundos tan disímbolos como la farándula y la intelectualidad a lo largo de su vida.
Margo Su nació en la Ciudad de México el 21 de marzo de 1930.
Pobre en su infancia, Margarita Su López, que era su verdadero nombre, comenzó desde la primera adolescencia su vida como corista trabajando en diferentes carpas del centro de la Ciudad de México, Tenía tan sólo trece años y en esa época ganaba un salario de $3.50 que le permitía comer junto con sus compañeras en fondas de Garibaldi una buena comida corrida que costaba $1.50, pronto se distinguió bailando de pareja de un bailarín llamado Ricardo Luna. A temprana edad se casó con el empresario Félix Cervantes y entonces a finales de la década de los cuarenta la fortuna sonrío a la pareja que se sacó la lotería. Con el premio de diez mil pesos compraron un terreno en lo que es hoy el Eje Central y en esos años se llamaba San Juan de Letrán. El terreno que a principios del siglo XX había sido ocupado por el circo Orrin, ahora bajo sus nuevos dueños albergaría una carpa que evolucionaría en pocos años en un teatro a la que llamaron Margo y donde se presentaban los espectáculos típicos de las carpas; algunos cantantes, bailarinas y números cómicos.
A finales de los años cincuenta, pasados los años del desenfreno en cabarets y antros que movieron la vida nocturna de la Ciudad de México en tiempos de la II Guerra Mundial y la posguerra, la derecha moralizante se apoderó de las autoridades capitalinas y el Regente de Hierro Ernesto P. Uruchurtu decidió no sólo clausurar el Teatro Margo, sino que ordenó su demolición amparado en una supuesta falta de garantías de seguridad en el inmueble. El terreno quedó vacío, pero no por mucho tiempo. Margo Su y Cervantes levantaron un nuevo local en el mismo sitio al que nombraron en honor a la hija de ambos como Teatro Blanquita.
Margo Su se distinguió por administrar el teatro de 1968 a 1981 y más tarde de 1989 a 1991, bajo su batuta floreció de nuevo el teatro de vaudeville en México de una manera que apelaba a los mexicanos que como ella misma definió en un momento: “Estaban empezando a volverse urbanos” y preferían las comodidades que brindaba la televisión al espectáculo de las carpas.
Durante sus años como empresaria teatral Margo Su conoció y fue parte importante en la carrera de personajes como María Victoria, Pompín Iglesias, La Sonora Matancera, Pérez Prado. El 27 de agosto de 1960 fecha de la inauguración del Teatro Blanquita la actuación principal estuvo a cargo de Libertad Lamarque.
Curiosamente Margo Su no se limitó al espectáculo popular que ofrecía su teatro. Fue actriz en películas de los años 50 y 60 como Club de Señoritas, Las Leandras dirigidas por Gilberto Martínez Solares, Juventud Desenfrenada, dirigida por José Díaz Morales, División Narcóticos dirigida por Alberto Mariscal, entre otras y en los ochenta participó en las telenovelas Extraños Caminos del Amor y El Pecado de Oyuki.
Pero Margo Su fue además cercana a un importante grupo de intelectuales entre los que se encontraban Carlos Monsiváis, Héctor Aguilar Camín, Gabriel García Márquez y ejerció el periodismo cultural en La Jornada diario del cual fue una de las fundadoras. Con Monsiváis e Iván Restrepo fundó el Ateneo de Angangeo, origen de la tertulia entre intelectuales y políticos que dio origen a la famosa foto de Pedro Valtierra con Carlos Salinas de Gortari y la muñeca tetona. Margo Su, de acuerdo con Miguel Ángel Granados Chapa fue el enlace entre los intelectuales y la cultura popular. Pero por si no fuera poco Margo Su escribió dos libros Alta Frivolidad y Posesión. El primero publicado en 1989 y el segundo en 1991.
Ayudó a directores de Teatro como Abraham Oceranski a realizar proyectos escenográficos que nada o poco tenían que ver con la cultura con la que muchos la asocian y en el terreno teatral también trabajó en el escenario bajo la dirección de personajes tan importantes como Julio Castillo.
En 1993 Margo Su murió en Portland, Oregón víctima de cáncer.
Margo Su tuvo además una hermana que además de ser una de las bailarinas “exóticas” más importantes de la farándula de los años cincuenta, murió asesinada en un crimen turbio y pasional.
La historia y la vida de esta extraordinaria y polifacética mujer merece ser explorada y contada más a fondo.

publicado en mamaejecutiva.net el 8 de mayo de 2018

martes, 17 de abril de 2018

Marie Tussaud dar vida a la cera.




Los museos con figuras de cera y toda parafernalia a su alrededor no serían conocidos si una mujer a partir de la revolución francesa no los hubiera hecho uno de los negocios más rentables.
Armando Enríquez Vázquez.

Sustos, admiración, novelas y películas de terror derivan de una parte macabra de la historia con la que Marie Tussaud se hacía de los modelos para sus famosas y extraordinarias figuras de cera durante la Revolución Francesa y por el nombre de algunas de sus exhibiciones más populares que alimentaban el morbo y la fascinación por la sangre de las historias criminales que nos gustan a todos los seres humanos.
Marie Tussaud no tenía pacto con el diablo, ni nada por el estilo, era una verdadera artista, cuyo material de trabajo era la cera a la que daba vida para admiración de los visitantes a sus exhibiciones, incluso se puede decir que era una mujer pragmática, dedicada y con visión de su negocio. Una mujer que prefería olvidar sus orígenes y malos momentos y narrar una historia ficticia acerca de sí misma y su negocio.
Marie Grosholtz nació en Estrasburgo el 1º de diciembre de 1761, su padre un militar murió dos meses antes del nacimiento de Marie y su madre tuvo que recurrir a un hombre llamado Phillipe Curtius en Berna para mantenerse, este hombre era un médico famoso por sus modelos anatómicos para la medicina, que contrató a la madre de Marie como sirvienta y se convirtió con el tiempo en tutor de Marie en materia de trabajar con cera. Marie llegó a referirse a Curtius como su tío. Curtius pronto aprendió que era más lucrativo el crear exhibiciones con bustos de personajes famosos o con la figura entera del personaje en cuestión modelada en cera, que su trabajo didáctico. En 1765 este hombre se mudó a Paris para crear una sala de exhibición de figuras de cera, al año siguiente la sirvienta y su pequeña hija lo alcanzaron en la capital francesa.
Curtius gozaba de fama entre la nobleza francesa tras haber hecho el modelo de la amante del rey Luis XV, Marie Jean du Barry. El talento y la habilidad de Marie Tussaud para trabajar la cera resultó excepcional. La alumna superó por mucho al maestro y en 1777 creó su primera figura de cera; Voltaire.
Existe la leyenda creada por ella misma de que fue invitada a vivir en Versailles para instruir a la hermana del rey en modelado y pintura, pero esto parece ser falso pues no existe un registro histórico que lo confirme. Lo cierto es que la llegada de revolución resultó algo muy lucrativo para ella y su negocio. Por un lado, la gente quería ver las caras de aquellos ejecutados en la guillotina y por otro, ciertos líderes del movimiento revolucionario secundaban esta idea y facilitaron a Marie las cabezas cercenadas de aristócratas, incluso la del rey y María Antonieta y llegado el momento la de Robespierre. También la de Marat y su asesina Charlotte Corday y Marie Tussaud representó la escena del revolucionario asesinado en su bañera. Cuando las cabezas no eran enviadas a la artista, ella misma se encargaba de ir a recolectarla al cementerio hurgando entre los cuerpos.
En los caóticos días, meses y años de la revolución Marie fue arrestada y encarcelada junto con su madre hasta que demostró su compromiso con la revolución. En 1794 murió Curtius y le heredó su exhibición de figuras de cera. Al año siguiente Marie se casó con Francois Tussaud, un comerciante que lo único que dejó a Marie fue el apellido. Con él Marie tuvo dos hijos, pero el matrimonio fue un fracaso. en 1802 con los pésimos tiempos económicos en Francia Marie Tussaud decidió cruzar el Canal de La Mancha y llevar su exhibición y trabajo a Inglaterra. Acompañada por el mayor de sus hijos que en ese entonces tenía 5 años, el menor se quedó en Francia junto con su padre. En un inicio y durante los siguientes 33 años viajó por la isla con su exposición itinerante por la isla, causando sensación con diferentes figuras. A su llegada a Londres fue la figura de Napoleón la más popular, los ingleses querían conocer al enemigo francés. Los revolucionarios franceses y por supuesto María Antonieta. Con el pasar de los años hasta la misma Reina Victoria permitió a Madame Tussaud inmortalizarla en cera parta que sus súbditos pudieran conocerla y sorprendida de la calidad del trabajo de la mujer, la reina recomendó a sus súbditos el visitar la exhibición de Tussaud.
En 1835 Marie Tussaud estableció sus exhibiciones en Londres, en Baker Street. Su exhibición no sólo incluía personajes famosos, escenas sangrientas de la revolución francesa, tenía ahora como personajes también a diferentes criminales y asesinos que habían puesto a temblar a la sociedad londinense.
Marie Tussaud supo hacer de sus figuras de cera un espectáculo que nadie podía perderse en Londres, la artista y empresaria murió el 15 de abril de 1850. A los 88 años. El museo fue pasando a los diferentes primogénitos de la familia y actualmente aun existe en Londres, siendo un negocio tan popular que cuenta con siete museos más en Europa, siete en Estados Unidos, nueve en Asia y uno en Oceanía.


publicado en mamaejecutiva.net el 9 de abril de 2018
imagen; wikipedia.org

miércoles, 17 de enero de 2018

Leslie Scott, la mujer que nos puso a jugar con maderitas.



Uno de los juegos de mesa más populares del mundo surgió de la mente talentosa de Leslie Scott, quien le puso al juego un nombre en la lengua swahili.
Armando Enríquez Vázquez
Leslie Scott nació en Tanzania en 1955, británica de nacionalidad, Leslie creció en diferentes naciones africanas. Su padre un piloto de la aviación inglesa retirado y su madre hija del sistema de plantaciones del Reino Unido en África y Asia. Uno de los juegos favoritos de Leslie, su familia y sus vecinos consistía en apilar bloques de madera que pertenecían a su hermano menor y retirarlos evitando que la torres se derrumbara.
Así es, Leslie Scott inventó Jenga, el juego de mesa más vendido sólo después del Monopoly, que también fue inventado por una mujer; Elizabeth Magie, y el Scrabble.
Con el paso de los años la familia comenzó a ordenar a una carpintería de la ciudad ghanesa de Takoradi y regalaba algunos de estos grupos de bloques a sus amigos. Más tarde ya en la universidad y en Inglaterra Leslie presentó el juego de manera informal a sus conocidos y se dice que en una reunión para juntar fondos en Oxford, Leslie puso en una mesa de juegos de mesa de la era isabelina una pila de estos bloques, con el pretexto de que se había inventado en la era de una Isabel. El juego fue un éxito. Durante una temporada Leslie Scott trabajo en Intel diseñando juegos y actividades que ayudarán a los empleados a recordar y desestresarse, para orgullo de Leslie los empleados frecuentemente pedían el juego con los bloques de madera.
En 1982 Leslie que se veía así misma como una emprendedora decidió hacer del juego familiar, un producto que se vendiera y pensó en producirlo ella misma. Toda su experiencia y las opiniones externas, le decían que la comercialización del juego sería un éxito. Lo cual resultó cierto, pero no de la manera en que Leslie lo imaginó.
La aventura comenzó con el registro de la patente para el juego y el nombre del mismo. Lo que por los precios de los trámites no resultó tan sencillo como ella esperaba.
Leslie buscó una palabra que no tuviera significado en inglés, y decidió utilizar la palabra que en la lengua swahili significa construir. Hoy la palabra Jenga, tiene una connotación de diversión y momentos compartidos entre familias o amigos.
Los primeros bloques de madera, para los primeros juegos de Jenga fueron maquilados por una pequeña empresa maderera de Yorkshire, bajo la supervisión de Leslie. Jenga fue presentado al mundo en la Feria Mundial del Juguete de Londres en 1983. Los primeros años del Jenga fueron años duros para Scott que se vio en la necesidad de hipotecar su casa y la de su madre para conseguir los préstamos que le aseguraran poder continuar con la producción del Jenga. En 1986, Jenga se presentó a manera de relanzamiento en la Feria Mundial del Juguete de Toronto, ahí el director de Hasbro conoció el juego e hizo una oferta a Scott. En una entrevista publicada en el portal freshpeel.com publicada en 2009, Leslie Scott asegura que uno de los momentos más difíciles de la negociación fue el negarse de manera total a que la gente de Hasbro se deshiciera del nombre de Jenga. Hasbro aceptó esta condición y años después la de que Jenga no se convirtiera en una división de juegos estilo rompecabezas dentro de la misma Hasbro. Los derechos sobre el nombre pertenecen a Leslie Scott.
Leslie diseño otros juegos de mesa en el intervalo entre el lanzamiento en Londres y el relanzamiento en Toronto. The Great Western Railroad fue creado para el 150 aniversario de la primera línea de ferrocarril en el Reino Unido. Así mismo creó otro llamado SWIPE.
En 1991 Scott juntó con su amiga y encargada de ilustrar los tableros de los juegos de mesa Sara Finch fundó Oxford Games Ltd. Empresa que hasta la fecha existe y en la que ya participa inventando juegos la hija de Leslie, Frederica Scott Vollrath, quien fue reconocida en 2015 como mejor diseñadora de juegos por la publicación Toynews por su juego Jungoeira.
Leslie Scott ha inventado junto con su socia y trabajadores una gran cantidad de juegos, todos ellos con una marcada orientación cultural, Ex libris es un juego de primeras y ultimas frases de libros clásicos. Anangram, un juego donde se barajan palabras, Bookworm un juego para leer y recordar, Flummoxed, un juego acerca del sorprendente significado de palabras en idiomas diferentes al inglés, entre muchos otros.
Leslie Scott ha recibido diferentes premios y reconocimientos de las asociaciones de creadores de juegos y juguetes alrededor del mundo y aunque su ganancia es mínima en la venta de cada juego de Jenga, vive de una manera por lo más confortable en Inglaterra. En 2009, Leslie Scott publicó el libro About Jenga en el que cuenta sus aventuras mercantiles, la historia del juego y parte de su biografía todo en relación con su maravilloso y divertido invento.

publicado en mamaejecutiva el 8 de enero de 2018
imagenes: toynews-online.biz

miércoles, 16 de agosto de 2017

Hanna Hammarström y los cables del teléfono.





Innovar, crear e inventar para satisfacer las necesidades de la creciente industria telefónica sueca, fueron sólo algunos de los logros de esta empresaria sueca del siglo XIX.
Armando Enríquez Vázquez
Entre las empresarias desconocidas del siglo XIX se encuentra Hanna Hammaström, dueña de un importante monopolio. Luchando en un mundo de hombres y tecnología, fue capaz de mantener su conciencia de género en una época donde nadie hablaba ni de derechos humanos, ni de equidad de género.
Hanna Hammarström nació en Estocolmo el 4 de noviembre de 1829, su padre fue un comerciante dedicado al algodón y la seda. Par Hammarström creía firmemente en dar un oficio a sus hijos sin importar el sexo, por lo que en algún momento empleó a Hanna y esta terminó aprendiendo a trabajar el alambre a partir de máquinas, lo que le permitía enrollarlo y venderlo a diferentes empresas dedicadas a confeccionar diferentes artículos femeninos como sombreros que lo necesitaban para crear el armazón del producto.
En 1883, se fundó la empresa pública sueca de telefonía llamada Stockholms Allmänna Telefonaktiebolag. Esta empresa pretendía competir con la empresa de Alexander Graham Bell, que había instalado la primera red telefónica en Suecia, pero que resultaba muy cara para los habitantes de Estocolmo. Hanna, entonces una mujer de 54 años se enteró de lo caro que resultaba comprar el cable telefónico de cobre en Suecia, ya que este se importaba de Alemania y comenzó a experimentar con sus máquinas el producir los rollos de cable de cobre que necesitaba la industria telefónica. Hanna logró un mejor producto y más barato que el cable alemán, lo que aunado a su amistad con el magnate sueco de la telefonía Lars Magnus Ericsson le ayudó a posicionarse en un ambiente que era doblemente hostil para las mujeres; El mundo de negocios y el mundo de la tecnología. Sin embargo, Hanna Hammarström logró no sólo sobrevivir en ambos, sino que los conquistó.
Hanna Hammarström fundó y consolidó un verdadero monopolio, al convertirse en la única persona en vender cable de cobre galvanizado para telefonía en Suecia y exportando su producto a Finlandia. Su fábrica estaba situada en Estocolmo y para la operación de la misma Hanna sólo ocupaba mujeres a las que ella misma capacitaba. Para 1886, la labor y la calidad del producto de Hammarström, le ganaron el primer lugar en la exhibición sueca acerca de la energía eléctrica y maquinaria para producirla y similares.
Poco o nada más allá de esto es lo que se puede encontrar de información acerca de Hanna Hammarström, pero su vida y su actividad como empresaria en el mundo masculino a finales del siglo XIX y principios del XX son relevantes. Supongo, también que Hammarström, nunca se casó, como tampoco tuvo descendientes. Tal vez, por eso nadie se ha interesado en contar su historia.
Hannah Hammarström se mantuvo al frente de su empresa hasta su muerte en 1909. Tenía 79 años.

publicado el 31 de julio de 2017 en mamaejecutiva.net
imagen: wikipedia.org