Mostrando entradas con la etiqueta mujeres. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta mujeres. Mostrar todas las entradas

martes, 4 de febrero de 2025

Jessie Hickman, intrépida Bushranger.

 


Asaltantes en los caminos ha habido siempre y en todas partes del mundo, esta es la historia de Jessie Hickman un icono entre las mujeres asaltantes de Australia.

Armando Enríquez Vázquez.

Ya en otras ocasiones he escrito sobre las mujeres que rivalizaron o acompañaron en el viejo oeste con los pistoleros y forajidos de leyenda y que los estadounidenses han idealizado como héroes sajones en un mundo de heroicos pueblos nativos, así como un ejército que pinta en esas historias un papel de villano en lugar de ser representante legal del gobierno de Estados Unidos.

También he escrito acerca de más de una mexicana de armas tomar, que figuran en las páginas de la historia, la leyenda y el mito nacional.

O de algunas piratas que surcaron diferentes océanos y mares del planeta, pero esta es la primera vez que mi mirada es llevada a través del Pacífico hasta Australia y para ser más preciso a la Nueva Gales del Sur, estado que alberga a la ciudad de Sídney y es el escenario de la historia de una de las más importante Bushranger de Australia.

Un Bushranger es el equivalente al asaltante de caminos o el forajido típico del oeste norteamericano, puede ser también un cuatrero y por lo que he encontrado en diferentes sitios existe una percepción popular idealizada de los Bushrangers como si hubieran sido una especie de Robin Hood, pero esto está lejano de la realidad.

El término nació al inició del siglo XIX y en un inicio se refería a los prisioneros que al ser transportados escapaban y se perdían entre los muchos matorrales o bosques de Australia, con el paso de los años se convirtió en la manera de referirse a los ladrones y forajidos que vivían en lo que se denomina Outback en Australia, la zona boscosa o praderas del continente. Los más famosos Bushrangers son por lo general hombres; Ned Kelly, Frederick Ward El Capitán Thunderbolt, Ben Hall, Dan Morgan El Perro Rabioso, Martin Cash, Charles Russell, conocido como Black Douglas y así muchos otros. Más difícil fue para los historiadores australianos reconocer la existencia de mujeres asaltantes, abigeas, forajidas de los caminos en Australia.

Al menos se conocen tres casos bien documentados de mujeres Bushrangers y tal vez el más famoso es el de Jessie Hickman conocida popularmente como Lady Bushranger. La historia de esta forajida es una trágica que merece en su momento un biopic o una cinta de true-crime tan populares hoy. Aunque ya existe un documental sobre su vida realizado en 2008 y varios capítulos de diferentes podcasts dedicados a Jessie Hickman. Tal vez la vida de Hickman llama la atención sobre las otras dos Bushrangers conocidas por ser caucásica a diferencia de Black Mary y Mary Ann Bugg que tenían sangre de los pueblos originales de Australia y eran además parejas de hombres dedicados a las actividades ilegales que identifican a los Bushrangers. Jassie Hicks, por su parte era la líder de su banda y vivió muchos años en una cueva en las montañas azules de Australia.

Muchos datos de la vida de Elizabeth Jessie Hickman cuyo apellido de soltera fue Hunt, son parte de los mitos y dichos construidos alrededor de la mujer que decidió vivir fuera de la ley y rechazando algunos de los marcos sociales de la época.

Se sabe que nació en septiembre de 1890 y que debido a las condiciones de extrema pobreza de sus padres a los ocho años fue vendida a un circo o en específico al dueño de un circo, que al parecer se convirtió padrastro de la niña. En esos años Jessie aprendió a montar con destreza el caballo y el manejo de armas de fuego que eran esenciales para diferentes trucos circenses.

Jessie se convirtió en la estrella del circo gracias a su destreza para montar caballos broncos, se dice que fue campeona en la especialidad y que esto le permitió en más de una ocasión saltar con su caballo de un acantilado a un río logrando escapar así de los policías que la perseguían.

El dueño del circo murió y el negocio cerró. La vida de Jessie cambió de manera radical, en lugar de sentar cabeza o dedicarse a formar un hogar, la joven se dedicó a apostar en carreras de caballos y peleas de perros, pero como todo apostador se endeudó, lo que la llevó a cometer todo tipo de robos, incluidos caballos, pollos y dinero.

Durante la segunda década del siglo XX, Jessie conoció la cárcel en dos ocasiones, también conoció al hombre del que toma su apellido; Benjamín Hickman un miembro de la armada australiana con quién tiene un hijo, al no tener intención de vivir la vida de una ama de casa, Jessie da su hijo a una amiga para que lo crie y ella continua con su vida. Al estallar la I Guerra Mundial, Benjamín se reportó a la armada australiana y Jessie comenzó a trabajar con un ganadero de Sídney dedicado a la compra y venta, se dice que de ahí fue donde ella aprendió el negocio. Fitzgerald era un hombre violento y en una confrontación con Jessie, ella lo mató, todo esto puede ser parte de la leyenda porque nunca se encontró el cadáver de Fitzgerald y ella nunca fue acusada de este supuesto crimen.

Con el fin de la I Guerra Mundial, Benjamín regresó y se volvió a unir a Jessie quien una vez más víctima de la violencia de un hombre, cuando Benjamín la golpeó con una silla y esta se rompió, Jessie respondió y lo mató con la pata de la misma. Estas dos historias se confunden y al parecer solo hubo un asesinato y Benjamín Hickman sobrevivió a su mujer, que decidió en 1920 abandonar el hogar y establecerse en lo que es hoy es el Parque Nacional de Wollemi y en las cercanías del pueblo cementero de Kandos, que se enorgullece de haber producido el polvo necesario para construir la ciudad de Sídney.

Desde el corazón de estas tierras, donde aún crecen una conífera considerada un fósil viviente el Wollemia nobilis o Pino de Wollemi, Hickman formó una banda de jóvenes hombres a los que llamó sus bucks para robar ganado. La historia dice que escapó de la policía en más de una ocasión, las dos más impactantes son cuando logró escaparse de un baño en un tren en movimiento y la otra en la que consiguió que sus cómplices robaran el ganado que la policía tenía como evidencia en un corral y de esta manera al no existir evidencia de su delito Jassie logró librar juicio y sentencia.

En 1928 fue arrestada y enjuiciada por el robo de ganado, pero por alguna razón tampoco fue condenada y se dice que se estableció en su propiedad en un lugar llamado Emu Creek, lo que es un eufemismo porque se sabe que siguió viviendo en su cueva y aunque no se sabe cuánto dinero tuvo, ella siguió viviendo en su caverna, tampoco hay manera de saber sí abandonó sus prácticas ilegales.

En 1936 sus cómplices la llevaron al hospital de la villa de Muswellbrook debido a fuertes dolores de cabeza. Se le diagnóstico con un tumor cerebral y la famosa Bushranger murió al poco tiempo. Se le enterró en una fosa sin losa en el cementerio Sandgate en Newcastle. Tenía 46 años.

Mucho tiempo después se descubrió la cueva donde habitó y algunas de sus muy pocas pertenencias; una alacena, su tetera y su pistola. Su nieta, hija de aquel niño que dio a su amiga, se ha convertido en una de las historiadoras de Jessie Hickman que a lo largo de su vida utilizó al menos cinco nombres diferentes.

Para algunos historiadores la pandilla de Jessie Hickman es la última en la historia de los forajidos australianos conocidos como Bushrangers.


imagen: https://www.instagram.com/pen.harrison/p/Cgvvahqr5Fj/

jueves, 26 de octubre de 2023

Leyenda de México, un tequila muy especial.

 


Esta destiladora tiene el slogan: Con aroma de mujer y no es una declaración sexista, sino una manifestación de poder de género.

Armando Enríquez Vázquez

En el inconsciente del mexicano durante décadas el tequila se asoció como una de las bebidas más machistas, los valientes y arquetípicos galanes de la época del llamado cine de oro nacional, se emborrachaban y chillaban ardidos su desamor al borde de caballitos de Tequila, y por esa y otras razones de una cultura misógina y que siempre ha promovido el alcoholismo entre los mexicanos, el tequila se veía como una bebida “de hombres”

El final del siglo XX mostró un cambio en los hábitos de consumo y muchas jóvenes empezaron a consumir el destilado de agave azul. Pero más interesante y reveladora resulta la historia de Melly Barajas quien desde finales de la década de los noventa fundó una casa tequilera que tiene una serie de características que la hacen única.  

Melly Barajas originaria de Guadalajara, capital del único estado tequilero, estaba concentrada en la educación y diseño de ropa, cuando un día, mientras la familia descansaba en una casa de fin de semana, el padre de Melly, Antonio Barajas, le comentó a su hija que se acababa de aceptar la denominación de origen del tequila y de que él le gustaría tener una marca.

Melly entonces a manera de cumplir el deseo de su padre decidió crear una marca de tequila sin saber que en ese momento empezaba su nuevo modo de vida y una de las empresas tequileras más exitosas de este siglo. En sus inicios ella pensó en embotellar un número limitado de botellas con el nombre de Tequila Don Antonio en honor a su padre, pero el mundo y los retos que descubrió, la llevaron a tomar el mundo del tequila más en serio y a apasionarse con él.

Melly fundó Vinos y Licores Azteca una productora de tequila que produce tres marcas; El conde azul, Espectacular y Leyenda de México que es su tequila premium con hermosas botellas sobre todo en la edición especial Wixarika que honra a la cultura huichol tiene la botella decorada con diferentes diseños en chaquira. Espectacular es una botella construida con tres botellas individuales que contienen un tequila blanco, un añejo y finalmente un reposado.



Hoy el tequila de Melly Barajas ostenta diversos reconocimientos y premios a nivel internacional. Pero además con gran orgullo presume en sus sitios web el hecho de que la plantilla de trabajadoras de Vinos y Licores Azteca está conformada por mujeres únicamente; jimadoras, investigadoras, transportistas, encargadas de la destilación. Esto a pesar de ser un orgullo que se lee en slogan de las marcas; Con aroma de mujer. No fue algo que Melly hiciera a propósito, se dio de manera casual pues fueron mujeres las que contestaron los anuncios de empleo que Melly publicó para contratar a su personal. La falta de hombres, que migran a Estados Unidos, en el Valle de Guadalupe en Jalisco, obliga a las mujeres a buscar trabajo. A partir de ese momento Melly decide mantener una plantilla femenina para elaborar el tequila.

En una industria mayoritariamente masculina, de acuerdo con un video en el Instagram de la marca La Gritona de las 137 destilerias de tequila existentes en nuestro país, sólo la de Melly Barajas, quien se convirtió en una de las pocas maestras destiladoras de tequila que existen actualmente y así como una de las pocas dueñas de una empresa tequilera, es totalmente operada y dirigida por mujeres.

El éxito de Melly Barajas se refleja en que también es la encarda de surtir el tequila para otras empresas como La Gritona con sede en Los Ángeles, California y que tiene presencia en diferentes ciudades de Estados Unidos y que tiene una presentación individual llamada Mini.

La tequilera Vinos y Licores Azteca es un claro ejemplo del poder de la mujeres, su tenacidad, dedicación y amor por su trabajo. También es una declaración de género.  

viernes, 6 de octubre de 2023

Las mujeres de Spockanalia.

 


En el origen de lo que hoy llamamos fanfiction, se encuentra un fanzine escrito, diseñado, publicado y dirigido por un grupo de jóvenes que admiraban la serie Star Trek y en especial al Dr. Spock.

Armando Enríquez Vázquez

Los fanfiction son piezas literarias creadas por los admiradores de una serie, película y a últimas fechas personalidades destacadas que dan la visión personal del entusiasta aficionado o afincionada. Historias alternas y novedosas a la trama original.

Los fanfiction pululan en diferentes plataformas en Internet. Adolescentes amantes de contar historias sobre sus héroes de ficción y de la farándula que a veces se insertan también en estas narraciones en medio de historias conocidas o en la vida de sus cantantes y artistas favoritos y en el mejor de los casos en protagonistas en estas ficciones.

Erika Chávez invitada a Una Charla Como Cualquiera, episodio 120, nos cuenta como en su mayoría los fanfiction están escritos por mujeres y fueron mujeres quienes iniciaron este tipo de narrativas literarias.

Aunque esta última aseveración puede resultar muy engañosa o artificial pues se conocen textos de este tipo en otros momentos de la historia de la humanidad, son la periodicidad y popularización de estas narrativas durante las últimas décadas del siglo XX y lo que va de este entre jóvenes adolescentes, lo que valida esta declaración.

Los historiadores del género, en esa manía por las certezas, ubican el primero de septiembre de 1967 como la fecha de inicio del fanfiction. Ese día se publicó el primer número de Spockanalia; un fanzine del cual se mimeografiaron 350 ejemplares, quince días antes del estreno de la segunda temporada de Star Trek, la serie de ciencia ficción sobre una nave espacial y su tripulación.

La primera página de Spockanalia es una dedicatoria al actor Leonard Nemoy: Este fanzine está dedicado a Leonard Nimoy, sin él no hubiera sido posible la existencia de Dr. Spock. Las editoras Devra Langsam y Sherna Comerford, lograron reunir entre un grupo de admiradoras del programa y en especial del Doctor Spock, cuentos, cartas, poemas y otros textos acerca de los personajes de la serie. Ruth Berman otra fanatica de la serie y con experiencia en la edición de publicaciones universitarias en mimeógrafo, ayudó a Langsam y Comerford con la parte editorial del fanzine.

En las siguientes hojas se copia una carta que el actor envío a las dos jóvenes junto con la biografía del vulcano que las jóvenes solicitaron al productor de la serie Gene Rodenberry y que éste envió al actor.  En la carta Nimroy les deseó a Devra y Sherna la mejor de las suertes con el fanzine.

La mayoría del fanzine fue escrito por mujeres, ilustrado por mujeres. El primer número contaba con 17 textos además de los agradecimientos en 92 páginas. Al final a manera de pie de página se puede leer: Frodo lives! En clara referencia al personaje de El señor de los anillos, del que al menos Sherna también era fanática.    

Otro de los textos interesantes de ese primer número de Spockanalia es la reseña que Dorothy Jones del disco LP que apareció en 1967, titulado Leonard Nimoy presents Mr. Spocks Music from Outer Space. Un disco en el actor caracterizando al personaje de la serie canta y comparte con los terrestres la música que a él le gusta.

En un principio Devra y Sherna pensaron en un único número de Spockanalia, sin embargo el fanzine publicó 4 números más, incluso el número 1 tuvo cuatro reimpresiones, la quinta de ellas en 1975 contó con 500 copias, la serie sin embargo fue cancelada después de su tercera temporada y el último episodio se transmitió el 3 de junio de 1969.

Los primeros cuatro números de Spockanalia se publicaron mientras la serie de televisión estaba al aire aún, entre 1967 y 1969. El número 5 y final del fanzines se publicó justo un año después del final de la serie en junio de 1970. En la editorial de este número final, dedicado al reparto y trabajadores de Star Trek, se anunciaba el final de Spockanalia y la división amistosa del equipo debido al matrimonio de Sherna y la distancia geográfica que surgió entre las dos editoras, mientras Devra permaneció en la costa este de Estados Unidos, Sherna se mudó al oeste de Estados Unidos. En teoría con la división habrían de surgir dos nuevos Fanzines para loa que las redactoras solicitaban colaboraciones.

Devra prometió editar Masiform D que se publicó de 1971 a 1998. Los temas se extendieron a los admiradores de otras historias de ciencia ficción como Star Wars, Battlestar Gallactica y mantuvo también los temas sobre Star Trek.

Mientras que Sherna se comprometió a publicar otro nuevo fanzine que se iba a llamar Nevertrodden Worlds sin embargo esta revista nunca vio la luz.  


El tercer número de Spockanalia contiene en sus primeras páginas un pequeño poema escrito por Marian Turner, titulado Spock que dice: Existió un vulcano llamado Spock /al que todas las jóvenes querían impresionar. / ¡Demuestra tus emociones! Insistieron desesperadas, / hasta que afloraron desde sus entrañas / entonces se golpeò con una piedra hasta morir.  (1)

En este número publicó por primera vez la escritora Jean Lorrah, quien a lo largo de su vida escribió dos novelas acerca del universo de Star Trek; The Vulcan Academy Murders (Los asesinatos en la academia vulcana) y The IDIC Epidemy (La Epidemia de IDIC) donde IDIC son las siglas de Infinite divertisity in Infinite Combination (La infinita combinación de las infinitas diferencias) otras dos novelas en el universo de la nueva generación de la serie, además de otras novelas de ciencia ficción y fantásticas. El texto publicado por Lorrah en colaboración con Willard F. Hunt, es una meta narración donde Spock, Kirk y McCoy son enviados a un set de televisión donde se graba el programa de televisión y se ven obligados a actuar en sus propios papeles.

El cuarto número de Spockanalia se publicó en abril de 1969 y ya existía el rumor de la cancelación de la serie, lo que sucedió en junio de ese año. La historia de Star Trek merece un futuro texto diferente de este, pero la consternación de las editoras ante el eminente final de la serie se notaba ya en la editorial del fanzine.

El quinto y último número del fanzine fue publicado en junio de 1970 y en su primera hoja se encuentra la siguiente dedicatoria: Este número final está cariñosamente dedicado a personal y elenco de Viaje a las estrellas que son la mejor tripulación del espacio. (2) 

Spockanalia desapareció pero su legado y las aportaciones a las nuevas narrativas son innegables sus fundadoras aún viven y varias de las colaboradoras desarrollaron carreras en el arte o en el diseño de disfraces y escenografías que precedieron al cosplay, ese es el caso de Kathy Bushman (Sanders de soltera) o Dorothy Jones quien creo la poesía conocida como Nívar que es la forma poética en que escribe Spock y los vulcanos. La poesía Nívar fue recreada y escrita por muchos otros fans de la serie a través del tiempo. El texto final de Spockanalia escrito por Ruth Berman se titula Visit to a Wierd Planet Revisited. (Una nueva visita a un planeta extraño). Se vuelve al set de televisión pero ahora son los actores quienes viajan de manera fortuita a un universo paralelo donde Star Trek.

La transmedia de la que hoy se habla tanto como una narrativa actual, tiene sus antecedentes muy firmes en el desarrollo de estas historias complementarias que los seguidores y fanáticos de las series dejaron plasmadas en los fanzines que abrieron universos y detalles de Star Trek.


1 La traducción libre es de mi autoría y está tomada del original publicado en Spockanalia número 3

2 La traducción libre es de mi autoría y tomada del original publicado en Spockanalia número 5

En el siguiente link pueden ver una entrevista con Langsman y Berman que se hizo durante la pandemia en 2021.

https://www.google.com/search?q=Devra+Michelle+langsam&sca_esv=571229774&ei=hKkfZbWDJa-rqtsP-8aV-AU&ved=0ahUKEwi11Y6D5uCBAxWvlWoFHXtjBV8Q4dUDCBA&uact=5&oq=Devra+Michelle+langsam&gs_lp=Egxnd3Mtd2l6LXNlcnAiFkRldnJhIE1pY2hlbGxlIGxhbmdzYW1I6S9QqAtYtCFwAXgAkAEAmAFtoAH5AqoBAzMuMbgBA8gBAPgBAcICCBAAGKIEGLADwgIFEAAYogTiAwQYASBBiAYBkAYC&sclient=gws-wiz-serp#fpstate=ive&vld=cid:2daaee95,vid:EHIpNXq6wSo,st:0


Publicado también en charlacualqueira.wordpress.com

Imagenes de fragmento de la portada de Spockanalia 2 artista Kathy Bushman 

y del poema to a Vulcan de Sheila Comerford de Spockanalia 1

 

lunes, 9 de enero de 2023

Fay Taylour, velocidad e ideología

 


Entre las primeras mujeres conductoras de motocicletas y automóviles que obtuvieron campeonatos se encuentra esta irlandesa que vio afectada su carrera por sus opiniones políticas.

Armando Enríquez Vázquez

Apodada El Hada Voladora, juego de palabras en inglés con su nombre, Fay Taylour pilota de motocicletas y automóviles de carreras fue una de las primeras estrellas femeninas del deporte automotor.

Francis Helen Taylour nació en Birr, Irlanda, el 5 de abril de 1904. Hija de una familia de clase media su padre un funcionario inglés de relevancia, toda su educación la llevó a cabo en Dublín. Fay, aprendió a manejar automóviles a los 12 años con el Plymouth de su padre. Mientras estaba en la universidad ganó un torneo de tenis, la cantidad de libras esterlinas ganadas le permitió comprar su primer automóvil. Al terminar su educación formal que fue enfocada al hogar, se embarcó a Inglaterra a alcanzar a su familia que tras la proclama de la República Irlandesa regresó a Londres y comenzó a competir en carreras de motocicletas.

Las carreras eran a campo traviesa y en pistas de terracería, Taylour pronto llamó la atención por ganar muchas de ellas y su actitud siempre retadora en su motocicleta. Taylour tenía dos motocicletas, una Douglas y otra Rudge, ambas eran manufacturadas por armadoras inglesas ya desaparecidas. De hecho, Rudge fue la primera marca para la que Taylour corrió. En cuanto su inicio en el automovilismo lo hizo al volante de un Talbot 105.

Para 1927 era pilota de la marca Rudge-Withword a lo largo de la primera mitad de los años 20, gano diferentes premios en todo tipo de pistas ganándoles a hombres y mujeres por igual, de hecho la actuación de Fay fue una de las razones por las que las autoridades inglesas prohibieron años después la participación de mujeres en las diferentes categorías automotor, evitando así y de manera machista la humillación que suponía para sus mentes estrechas el que una mujer demostrara mayor talento que un hombre.

En 1928 llegó a Australia y Nueva Zelanda en ambas naciones venció a campeones locales y regionales, se convirtió en una celebridad, aparecía en las tarjetas que se incluían en las cajetillas de cigarros y era una invitada de los programas de radio australianos.

Fue a su regreso de Oceanía que cambió las motos por los automóviles aunque con la prohibición de mujeres pilotas en la Gran Bretaña fay se vio obligada a correr en otros países de Europa. Ganando carreras en Inglaterra, Italia y Alemania y haciendo de esta última nación su hogar. Fay creó una relación laboral con la constructora de automóviles Adler y durante esos años conoció a los funcionarios importantes de la agencia de Nazi dedicada al Deporte. Fay abandono Alemania en 1939 antes de iniciar la II Guerra Mundial.  

A su regreso a Inglaterra fue detenida e interrogada por los servicios de Inteligencia Ingleses conocidos en esos años como Special Branch para tratar de averiguar si tenía nexos con el partido Nazi y sus funcionarios, fue de acuerdo con la misma Taylour, que gracias a estos interrogatorios escuchó hablar por primera vez de The British Union, el partido fascista de Inglaterra cuyo líder fue un hombre llamado Oswald Mosley. Después de exonerada por a Special Branch, Fay Taylour comenzó a averiguar sobre The British Union y hablar públicamente a favor de Mosley.

En 1940 fue detenida y encerrada por dos años en la prisión de Holloway, una cárcel para mujeres que estaba en Londres y que fue cerrada en 2016, en su momento fue la prisión femenil más grande de Europa, y después fue enviada al centro de detención de Puerto Erin en la Isla Man en el mar entre Inglaterra e Irlanda, finalmente fue liberada en 1943 con la condición de que viviera en Irlanda.

Al finalizar la guerra, sin muchas oportunidades de trabajo por su filiación política Fay decidió aceptar un empleo en Estados Unidos vendiendo autos Jaguar y corriendo autos, sobre todo en la categoría Midget, que son pequeños autos tubulares que corren en pistas de terracería.

Fay regresó a Inglaterra en 1952 a los funerales de su padre, pero ya no pudo regresar a Estados Unidos pues se le prohibió la entrada a ese país por sus ideas políticas, en Inglaterra retomó su carrera de piloto y corrió en pistas irlandesas, suecas e inglesas, por lo cual se convirtió en la única piloto que continuó con su carrera después de la II Guerra Mundial. En 1955 se le permitió regresar a Estados Unidos, tras apelar la decisión del gobierno estadounidense. En 1956, la artritis la obligó a retirarse del deporte motor. Finalmente en 1971 regresó a Inglaterra, el MI15 la siguió vigilando hasta 1976 y se le atribuían nexos con el Ejército Republicano Irlandés.

Fay Taylour murió en Blanford en Dorsett, en 1983. En vida ninguna editorial quiso publicar su autobiografía.

imagen: brooklandsmuseum.com

publicado en charlacualqueira.wordpress

domingo, 1 de enero de 2023

La Maya, pionera del boxeo femenil en México.

 


En la historia de las mexicanas en el deporte nadie habla de la verdadera pionera del boxeo mexicano, la historia y la leyenda de Margarita Montes.

Armando Enríquez Vázquez.

Entre los libros más preciados que tengo se encuentra uno que perteneció a mi abuelo que narra la semblanza de algunos de los pugilistas de la primera época de oro del boxeo nacional; Patricio Martínez Arredondo El tigre del ring, primer ídolo del boxeo mexicano, Kid Azteca, Rodolfo Chango Casanova, Carlos Pavón El sheik de San Miguel, Alfredo Gaona Gaonita, Ventura Márquez, entre otros de aquellos destacados peleadores, pero me llamó la atención la semblanza de Margarita Montes La Maya, una boxeadora sinaloense en la década de los 30 del siglo XX y la primera Campeona Femenil de la Costa del Pacífico, reconocida.

El autor del libro titulado En el tercer round es el periodista deportivo y boxeador también Julio Talán. El periodista formó parte de la primera delegación mexicana de boxeadores que participaron los juegos olímpicos de Ámsterdam en 1928 y fue amigo de muchos de los peleadores de los que habla en su libro, incluida Margarita.

Un segunda referencia a La maya la encontré en el libro de José M. Alamillo Deportes: The Making of a Sportive Mexican Diaspora, que a su vez me dirigió al sitio web vidamaz.com que cita a su vez la biografía de Margarita Montes escrita en 1997 por el sinaloense Alfonso Cornejo Galindo autor sinaloense, fotógrafo y armador de carros alegóricos para carnavales titulado Nací fuera de época: La Maya.

Margarita Montes nació en un pequeño pueblito llamado Chilillos junto a un poblado mayor llamado Rosario, que se ubica a unos 60 kilómetros de Mazatlán, el 22 de febrero d 1913. La familia se mudó al puerto sinaloense después de que su padre sufrió un accidente con un machete.

La Maya comenzó a boxear en 1931, pero en ese momento era pitcher y la cuarta al bat en el orden de su equipo, la Cervecería Díaz de León, uno de los tres equipos femeniles que existían en el puerto sinaloense. estrella de uno de los tres equipos de beisbol femenil que existían en Mazatlán. Margarita era la estrella. Ese año un promotor de box llegó a Mazatlán buscando una boxeadora que midiera fuerzas con la campeona Josefina Coronado, es curioso, pero no existen datos de esta peleadora anterior a La Maya.

 La Maya, tras entrenarse durante un mes, el tiempo que le dieron para prepararse, venció por decisión a Coronado ante una arena llena. Las dos mujeres pelearon a 4 rounds y precedió a una pelea entre el legendario Joe Conde y Mike Herrera. Otra fuente atribuye a la joven sinaloense haber derrotado a Coronado en 2 rounds por nocaut en una pelea pactada a 18 rounds, aunque existen datos, también, de que ambas pugilistas se enfrentaron en dos ocasiones y en ambas venció La Maya.

Con el sueldo que ganó en su primera pelea $150.00 pesos en comparación con los diez semanales que ganaba en la cervecería, se decidió a convertirse en boxeadora profesional. En la lista de peleas de La Maya que Cornejo Galindo incluye en su libro aparecen otras 3 boxeadoras, aunque en realidad tuvo 49 peleas a lo largo de su carrera y 45 de ellas fueron contra peleadores hombre. La maya tuvo un récord ganador y noqueó a 25 de sus oponentes hombres, fue la primera boxeadora mexicana en pelear en Estados Unidos.

La característica de sus peleas mixtas fue única y derrotó en más de una ocasión casi al final de los diez años de su carrera al campeón nacional de peso pluma.

Margarita también practicó el ciclismo y llegó a tener un taller para bicicletas, donde además las rentaba.

Incursionó una sola vez en el toreo. Fue dueña de una tortillería y su historia como boxeadora fue escrita en Ripley’s Believe it or No! El periodista francés Michel Chemín la entrevistó para el diario francés Liberation en 1988. La Maya fue muy buena amiga de Joe Conde y del boxeador y más tarde periodista deportivo Raúl Talán que fue el primero en recordarla en el libro que mencioné al inicio de este texto.

La Maya se casó en 1939, tuvo tres hijos y finalmente a la edad de 92 años murió en Mazatlán en 2007.

La historia de Margarita Montes, La Maya, necesita ser más publicitada e investigada pues en los diferentes portales donde aparece la historia existen discrepancias, pero merece más la pena investigar si sólo hubo peleadoras en la costa del noroeste del país, porque sabemos que el box entró a México a través de Tampico y en el atravesar el territorio nacional puede haber historias desconocidas similar a la de La Maya, y creo que debe existir el interés por buscar las historias al menos de aquellas que sabemos pelearon contra la mazatleca.

Publicado en charlacualqueira.wordpress

sábado, 19 de noviembre de 2022

Bouthayna Al Mufta el poster del mundial.


 

Una joven y talentosa artista qatarí es la responsable del poster oficial del campeonato mundial a celebrarse en su país.

Armando Enríquez Vázquez

En el medio de un mundial polémico por la sede, la corrupción que se supone hubo en la votación, la sociedad machista de Qatar, por la esclavitud que prevaleció en la construcción de los estadios, el comité organizador decidió otorgar la creación del poster oficial a una mujer, tal vez para limpiar su controvertida imagen.

Bouthayna Al Mufta nació en Doha en 1987, se graduó de la Universidad Virginia de la Commonwealth en Qatar en Arte y se ha dedicado al arte gráfico. En especial a la tipografía tan importante en el mundo musulmán, a la edición y también a la fotografía, que básicamente realiza en blanco y negro. Su obra es interesante y hasta el momento desconocida para la mayor parte de los occidentales.

En 2017 fue invitada a la mayor exhibición de arte qatarí en Berlín y en 2018 montó su primera exhibición en Qatar, que se llamó Ecos.

Bouthayna no es la primera mujer en crear la imagen oficial de un campeonato mundial de futbol y tampoco la primera en hacerlo a partir de una fotografía. Ese honor le corresponde a Annie Leibovitz con su fotografía para el campeonato mundial de México 1986.

Como en otros campeonatos mundiales el poster oficial se acompaña de una serie de carteles relativos, como en el 86 cuando la fotógrafa norteamericana hizo más de una fotografía que se utilizaron para promocionar el evento. Bouthayna al Mufta realizo ocho fotografías para Qatar 22.

Las fotografías de la qatarí están realizadas en blanco y negro. Todas ellas con clara alusión a la sociedad de aquella nación y el orgullo de ser árabe, así como la afición al futbol.

El paisaje desértico compuesto de dunas de arena se refleja en 7 de las fotografías en las que se ve a diferentes personajes en su atuendo tradicional jugando futbol.

El poster oficial la octava fotografía de la serie, o la primera según lo veamos, es una fotografía poderosa que muestra en lo alto un balón de futbol y el brazo en alto de un aficionado celebrando, el agal, el tocado tradicional que vuela de manera muy dinámica. El blanco del agal resalta de sobre el cielo y contrasta con lo negro del gutra que lo ajusta a la cabeza del portador.

El poster remarca la palabra Hayya que en árabe significa Mejor juntos. En la esquina inferior izquierda el logo del mundial y en la parte superior las fechas del evento.

La artista qatarí ha expresado en diversas entrevistas que su objetivo fue mostrar la celebración y el amor por el futbol al estilo Qatar, a partir del concepto de la memoria colectiva.

Actual y muy limpió el poster de Qatar 2022, a mi gusto, es uno de los mejores de los que se han creado para la justa futbolística.

Imagen FIFA

jueves, 14 de octubre de 2021

Tres tenistas francesas de principios del siglo XX

 


Estas tres mujeres llamaron la atención de la afición al tenis en las primeras décadas del siglo XX, cuando Francia era una de las potencias del deporte.

Armando Enríquez Vázquez

Si eres amante del tenis y sobre todo de las grandes mujeres del deporte blanco como Selena Williams, Martina Navratilova, Billie Jean King, Stefi Graf, probablemente hayas escuchado de estás tres tenistas que jugaban en las canchas francesas a principios del siglo pasado. Ellas fueron las grandes estrellas del tenis francés e incluso de la escena mundial.

Comencemos en orden de aparición; Françoise Adine Masson fue la primera gran estrella del tenis francés. Poco se sabe de ella más allá de las estadísticas y torneos ganados. Adine fue la primera ganadora del Torneo Nacional de Francia, creado por su padre Armando Masson, y que es el antecedente directo del afamado Roland Garros. La jugadora ganó por primera vez en 1897, en 1898 y 1899 repitió, pero en esas dos ocasiones logró el título por default al no tener oponentes. Pero en 1902 y 1903 volvió a ganar el torneo enfrentando a otras cmpetidoras y en 1904 llegó de nueva cuenta a la final, pero en esa ocasión perdió frente a su compatriota Katie Gillou.

Marguerite Broquedis-Billout, quien nació el 17 de abril de 1893 en la población del suroeste francés de Pau en los Pirineos, es la segunda en esta lista.

En 1912 Marguerite desfiló con la delegación francesa en los V Juegos Olímpicos de la era moderna realizados en Estocolmo en 1912, la estrella del tenis de la época logró la medalla de oro en la categoría femenil y la de bronce en mixtos con su compatriota Albert Canet. A lo largo de su vida ganó en seis ocasiones el Torneo de Tenis bajo techo de Francia a lo largo de dos décadas. En la década de los años 20 logró llegar a la semifinal de Wimbledon en 1925 y en 1927 logró el campeonato mixto en Francia junto con el legendario Jean Borotra.

Broquedis murió el 23 de abril de 1983 en Orleans, Francia.

La reina del tenis francés durante las primeras décadas del siglo XX fue sin duda Suzanne Lenglen, que nació el 24 de mayo de 1899 en Paris, Francia. Lenglen recibió una raqueta como regalo por parte de su padre en su onceavo cumpleaños con el que la niña se dedicó a jugar en la cancha de arcilla que tenían en su casa. A los 15 años y antes de que estallara la I Guerra Mundial Suzanne disputó su primera final en un torneo en arcilla, el Torneo Nacional de Francia, el mismo que 17 años atrás había ganado Adine Masson. En su debut Lenglen perdió frente a Marguerite Broquedis.

Durante los años de la guerra, Lenglen continuó practicando enfrentando hombres y mujeres por igual. Cuando en 1919 se reanudó el torneo de Wimbledon, Lenglen viajó a Londres para derrotar a la veterana y siete veces ganadoras del torneo inglés; Dorothea Douglass Chambers Lambert. Frente a un publicó encabezado por Jorge V, rey de Inglaterra. Obviamente existen muchas historias que intentan desacreditar a la francesa. Qué si su padre le había dado a la mitad del encuentro un frasco con coñac que reanimó a la tenista y otras historias similares. Pero Lenglen regresó al año siguiente a defender su titulo y derroto por segunda vez a la inglesa.

Ese mismo año, Lenglen participó en los Juegos Olímpicos de Amberes y ganó dos medallas de oro y una de bronce. Las de oro fueron, una en la categoría individual y la otra en el doble mixto, mientras que el bronce lo obtuvo en doble femenil.

La primera campeona de Wimbledon que no era inglesa no solo ganó en esas dos ocasiones, Lenglen retuvo su título en 1921,1922 y 1923. Lenglen no formó parte de la final del torneo inglés en 1924, pero en 1925 volvió a ganarlo y esta vez fue la última. Suzanne Lenglen gano en seis ocasiones Wimbledon lo que la convierte en una de las campeonas de tenis que más veces ha ganado ese torneo. Superada por las norteamericanas, Martina Navratilova con 9 copas, Helen Wills ocho veces campeona. Con siete su rival inglesa Dorothea Douglass Lambert Chambers, la alemana Steffi Graf y la norteamericana Serena Wilson y empatadas con Lenglen en 6 títulos de Wimbledon están la inglesa Blanche Bingley y la norteamericana Billie Jean King. Lenglen sólo perdió tres encuentros en su larga historia de 94 encuentros en el torneo.

Las hazañas internacionales de la tenista francesa, eran opacadas por su reinado en el Torneo Nacional de Francia. De 1920 cuando venció a Broquedis en la final hasta 1926, solamente perdió el campeonato en 1924. Suzanne Lenglen, apodada por la prensa francésa La divina, era lo que llamamos hoy una rockstar, muchas veces saltaba a las canchas de tenis maquillada, con estola de armiño o abrigo de piel. En 1926 jugó en Cannes contra la naciente estrella norteamericana Helen Wills y la derrotó en esa única vez que la enfrentó.

Lenglen se convirtió en la primera tenista profesional de la historia y por cincuenta mil dólares aceptó una gira por Estados Unidos. Regresó a parís y se retiró del Tenis. Lenglen murió el 4 de julio de 1938.


imagen: picryl.com

martes, 7 de julio de 2020

Juanita Pérez la barbie mexicana.




Creada por una actriz española avecindada en México y como réplica de una popular muñeca española, esta muñeca tiene más de 55 años de existir.

Armando Enríquez Vázquez

En las décadas de los setenta y ochenta en la calle de Parroquia y Avenida Insurgentes contra esquina a la explanada que da entrada al Puerto de Liverpool de Insurgentes, había una serie de locales unidos por un pasillo exterior elevado. Uno de esos locales era un restaurante llamado Alden al que como estudiante acudía con los compañeros de pinta a tomar café. En uno de los locales aledaños se vendía una muñeca que se llamaba Juanita Pérez.
Juanita Pérez era una especie de celebridad entre los juguetes para niñas, Lily-Ledy y Plastimarx no competían con esas muñecas que eran para un mercado menos popular.
En Canal 5, que se especializaba durante mañanas y tardes en programación infantil, eventualmente se promocionaba a la muñeca. Con la destrucción de ese corredor de locales en 1999 para la creación de Plaza Galerías la tienda desapareció.
La historia de esta muñeca que ahora se vende en almacenes y por internet está relacionada con una mujer que llegó de España a México en los años 50 y actuó en un puñado de películas en la decadencia de la llamada Época de Oro del Cine Mexicano.
Guillermina Green nació en 1924 en Sevilla, España. En la década de los años cuarenta actuó en algunas películas en España y a diferencia de los exiliados españoles de la Guerra Civil, llegó a México después de finalizar la II Guerra Mundial y cuando la economía española estaba por el suelo, creyendo que aquí iba a hacer una gran carrera en el cine, como sucedió con algunos de sus paisanos, sin embargo, y a pesar de haber participado en seis películas en un año, 1950, solo una de ellas es recordada, el mediocre melodrama ranchero También de dolor se canta. Su carrera como actriz terminó pronto pues se casó con el productor de cine Guillermo Calderón Stell, desde ese momento Guillermina se dedicó a ser un ama de casa.
En 1962 viajó a España, su situación se lo permitía al no ser una exiliada política como la gran mayoría de la comunidad española en nuestro país en esos años. En ese viaje conoció una muñeca española llamada Mariquita Pérez, lo que le dio la idea de adaptar el concepto a México, en esos años el comercio exterior mexicano era muy limitado debido a las leyes proteccionistas que prevalecían en nuestro país y que contribuyeron una década después a tener un pésimo desarrollo industrial, carente de calidad y de interés por el consumidor.
Guillermina creó entonces a Juanita Pérez. A lo largo de 58 años la muñeca se ha mantenido en oferta. Juanita tiene diferentes vestuarios y estilos que se pueden comprar por separado para mantener a la muñeca a la moda o vestirla de eventos especiales. De acuerdo con un reportaje de Marina Angulo publicado en 2014 en el diario El Universal, la empresa decidió crear un universo alrededor de Juanita, de la misma manera que otras muñecas exitosas, se inventó una familia Pérez con hermanos y hermanas, que con el tiempo desapareció. Hoy Juanita es la única de la familia.
La muñeca es un símbolo de una época de nuestro país y sobre todo de la clase media de esos años; blanca, de ojos claros Juanita es un recordatorio de los complejos de los hoy llamados Whitexicans.
Guillermina murió en 2006 en la Ciudad de México, desde entonces es su hija Ana Laura Calderón la cabeza de la empresa, que se mantiene de manera marginal, pero sobrevive.


publicado en thepoint.com.mx el 22 de junio de 2020
imagen juanitaperez.com.mx

domingo, 21 de junio de 2020

Annie Goetzinger el paso de la moda a la novela gráfica.





La novela gráfica también tiene grandes ilustradoras y argumentistas, los dibujos de Annie Goetzinger son clásicos de un trabajo realista elegante e histórico.

Armando Enríquez Vázquez
En 1977 en la tercera edición del Festival internacional del Comic en Angouleme, Francia uno de los eventos más importantes en el mundo de los comics y la novela gráfica, la ilustradora y artista gráfica Annie Goetzinger fue galardonada con el premio a la mejor novela gráfica realista de origen francés del año por: Légende et réalité de Casque d’or. Una historia acerca de una prostituta y la mafia parisina del siglo XIX.
La ilustradora y escritora de 26 años, en ese momento, estaba por convertirse en un verdadero referente de la novela gráfica y trabajar con leyendas del sector.
Annie Goetzinger nació en Paris el 18 de agosto de 1951, estudió en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Paris donde se especializó en diseño de moda, pero gracias a que una de las materias la obligaba a dibujar comics, Goetzinger descubrió esta vertiente del arte.
El maestro titular de esa materia era George Pichard, que era uno de los viejos maestros del comic en Francia. Durante sus años en la escuela el trabajó de Goetzinger llamó la atención de dos de los grandes historietistas y argumentistas franceses del comic que eran docentes en la institución: Jaques Lob y René Goscinny, este último uno de los creadores de Asterix el galo, quienes la invitaron a trabajar en la revista Pilote y en 1972 publicó su primera historieta en una revista para mujeres adolescentes llamada Lisette y se tituló Fleur.



El premio sirvió como promoción de su trabajo y el argumentista Victor Mora le ofreció ilustrar la novela gráfica Felina, una especie de Gatubela francesa ubicada en el siglo XIX y que tuvo mucho éxito entre los lectores. Algunos críticos e historiadores del género la han calificado como la versión femenina de Fantomas. Creada a finales de la década de los setenta del siglo pasado y con dos entregas extras en la de los ochenta, Felina como casi toda la gráfica de la época está cargada de imágenes sexuales que resultaban subversivas y muy atractivas en esos años.
En 1978 y junto con la argumentista Adela Turin crearon una biografía en novela gráfica acerca de la vida de George Sand, la escritora francesa, socialité y amante de varios compositores como Chopin y Musset. Gracias a esta novela el escritor Pierre Christin la invitó a trabajar con él en una serie de historias que tenían como personajes principales a mujeres. De 1979 a 1987 se publicaron cuatro libros diferentes que llamaron la atención de los lectores franceses. Otro trabajo entre los dos autores fue la serie de siete libros acerca de una detective llamada Edith Hardy, titulada La agencia Hardy.
A lo largo de más de cinco años a partir de 1997 la dibujante junto con el escritor Bruno Frappat publicaron en el periódico La Croix, una columna ilustrada llamada El humor de los días.
Pero como los estudios de Goetzinger habían sido en diseño de moda, la artista también diseñó a lo largo de su vida vestuario y escenografías para obras de teatro, trabajó en diferentes diarios creando ilustraciones.
Entre sus últimos trabajos como ilustradora se encuentran una historia acerca del fantasma de María Antonieta y una biografía de la escritora francesa Colette.
En 1992, junto con un escritor alemán, Andreas C Knigge y el poeta noruego Jon Sveinbjorn creó uno de las primeras novelas gráficas acerca del SIDA y la homosexualidad. L’Avernir Perdu.



Una de las obras más importantes de Goetzinger fue la biografía que la artista hizo de Christian Dior en 2013 y que se titula Una chica Dior.
En 2014 se le otorgó el premio bd-Boum y se convirtió así en la primera mujer en recibirlo.
Annie Goetzinger murió el 20 de diciembre de 2017.
imagenes: es.wikipedia.org
                 comicparatodos.wordpress.com
                 twitter.com

viernes, 5 de junio de 2020

Fanny Rabel la muralista que llegó del este





Llegó a México huyendo del fantasma de la II Guerra Mundial, reforzó su vocación en tierras mexicanas y se convirtió en representante olvidada del movimiento muralista.

Armando Enríquez Vázquez

Sin duda que uno de los lugares comunes al hablar de la pintura en México es el movimiento muralista y sus tres grandes representantes; Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Después por lo general en un segundo plano, incluso de promoción y conocimiento se encuentran O’Higgins y O’Gorman, Chavez Morado, Tamayo, incluso del Dr. Atl, pero lo que poco han hecho aquellos llamados historiadores del arte y charlatanes que creen que en el panorama pictórico del siglo XX en México en materia de mujeres sólo existe la figura de Frida Kahlo, desconocen y obvian la importancia del papel que diferentes artistas gráficas jugaron dentro del muralismo, algo que Kahlo no realizó dentro de su labor artística.
Entre esas figuras femeninas que trabajaron en enormes paredes resaltan nombres como el de Aurora Reyes, Olga Costa, María Izquierdo, cuyas semblanzas ya he escrito y otras que están en la lista como las hermanas Greenwood y Rina Lazo.
Entre estas artistas que trabajaron en gran escala con mensajes sociales y críticas al sistema contadas como historias con sus pínceles se encuentra Fanny Rabel. Quien hablaba de la importancia del muralismo como un arte público al que todo mundo tiene acceso a diferencia de la pintura de caballete de que una vez terminada y vendida se pierde en el mundo.
La artista gráfica nació en Lublin, Polonia el 27 de agosto de 1922 con el nombre de Fanny Rabinovich, sus padres eran un par de actores judíos que a finales de la década de los años veinte se habían establecido ya en Paris, la infancia de Fanny Rabel transcurrió en la pobreza y viajando constantemente en trenes de un lugar a otro, en un video en que su hija, la actriz Paloma Woolrich habla sobre la artista, cuenta que su madre dibujaba desde niña y en esa infancia de carencia Fanny Rabel dibujaba las muñecas que no tenía. Diez años después migraron a México. Una vez establecidos en la Ciudad de México Fanny comenzó a estudiar en la Escuela Nocturna para Trabajadores uno de los verdaderos logros de la Revolución Mexicana, es ahí al realizar cursos de dibujo y grabado que la joven confirmó su vocación y en 1942 se inscribió a La Esmeralda donde tomó cursos con Chávez Morado, Frida Kahlo y Feliciano Peña.
Fanny se casó con el médico Jaime Woolrich y tuvo dos hijos que se dedicaron como sus abuelos a la actuación; Paloma y Abel.
Su primera exposición se llevó a cabo en 1945 en la Liga Popular Israelita, el texto introductorio a la exposición lo escribió Frida Kahlo: No es pintura personalista sino social. Le preocupan fundamentalmente los problemas de clase, y ha observado con una madurez excepcional, el carácter y el estilo de sus modelos, dándole siempre una viva emoción. Todo esto sin pretensiones, y llena de feminidad y finura que la hacen tan completa. (1)
Como discípula de Frida Kahlo, Fanny Rabel formó parte del grupo llamado Los Fridos y es la única mujer del grupo de cuatro artistas que incluye a Arturo Estrada, Arturo García Bustos y Guillermo Monroy. Fanny Rabel fue asistente de Diego Rivera en los murales de Palacio Nacional y aprendiz en el equipo del coronelazo David Alfaro Siqueiros. Pero ella desarrolló no sólo su visión propia en su obra de caballete, sus murales tienen también la personalidad de esta mujer judía, que se sentía orgullosamente mexicana y observaba la injusticia en los indefensos niños del país. Una de sus pinturas más conocidas se llama Luces y muestra a un niño indigente en medio de la modernidad de la ciudad de México. De la misma manera el crecimiento salvaje de la capital del país llamaba la atención de la artista y en diferentes pinturas que realizó en la década de los años setenta plasmó el caótico tráfico de autos y personas de la ciudad, así como la deshumanización de la urbe. La crítica social es otro de los recurrentes en la obra de Rabel y su cuadro El Lambiscón muestra a un abyecto y deforme personaje gris en cuclillas del que sólo el gorro verde envidia resalta.
Uno de los murales más conocidos e importantes de Fanny Rabel se encuentra en el Museo de Antropología e Historia y es titulado Ronda de tiempo, en el se aprecia a una serie de niños jugando, agarrados de las manos a lo largo de la historia desde la época prehispánica hasta el México contemporáneo.  
Otra obra importante de Rabel es el mural que se encuentra en el Centro Deportivo Israelí llamado Sobrevivencia de un pueblo que cuenta la historia del pueblo judío, el mismo Deportivo celebrando sus 70 años de fundación subió a Youtube un breve video entrevista con la artista hablando sobre el mural y el pueblo judío. (2)
En el Hospital Infantil de México Federico Gómez de la Ciudad de México se encuentra otro de sus murales llamado Hacía la salud.
En el video citado arriba la artista dice: “Yo lo único que sé, es que tengo que pintar.” Esa fue su gran pasión en la vida y su arte así lo demuestra. Fanny Rabel murió el 25 de noviembre de 2008 en la Ciudad de México, tenía 86 años.




imagen twitter.

viernes, 15 de mayo de 2020

Tamara de Lempicka la belleza del art deco




Entre los grandes exponentes de esta corriente de arte muy estilizado y figurativo se encuentra esta polaca que sobresalió por el erotismo en sus pinturas y vivió de sus retratos.

Armando Enríquez Vázquez

Para una mujer que vivió su vida al límite, que no conoció reglas, tal vez nada más lógico que terminar sus días en una ciudad que le niega un espacio al invierno y que sus cenizas fueran esparcidas en el cráter de un volcán.
Tamara de Lempicka nació con el nombre María Górska en Varsovia el 16 de mayo de 1898, en esos años Polonia era parte del Imperio Ruso, aunque la artista manipuló de tal manera su biografía que existen quienes dudan del lugar de nacimiento y de la fecha, sus mismas descendientes desconocen esos datos básicos. Lo cierto es que, siendo parte de una familia de dinero, vivió desde niña una manera muy cómoda, aun cuando sus padres se separaron cuando tenía cerca de 10 años, su lujosa forma de vida no cambió y fue enviada a estudiar a Suiza. A su regreso a San Petersburgo se enamoró y casó siendo una adolescente con un rico y distinguido abogado ruso al que conoció en la ciudad rusa de apellido Lempecki. La Revolución Rusa de 1917 puso a Tadeusz Lempicki en la cárcel y Tamara lo rescató, el matrimonio se exilió sin dinero, como muchos otros rusos, en Paris.
Tamara comenzó a pintar, tomó clases con Maurice Denis un artista decorativo de cierta importancia y André Lothe un pintor cubista. Tamara supuestamente había tomado ya clases de arte en la Academia de San Petersburgo. Comenzó a pintar para ganar dinero que le hacía falta a la pareja, tras el consejo de su hermana, la arquitecta Adrianne Górska que también se desarrolló en el art deco. Tamara además, tuvo una hija alrededor de 1919, a la que llamó María Krystina, pero a la que siempre llamó afectuosamente como Kizette. Kizette fue modelo desde la infancia de muchas pinturas de su madre. Lempicka es una de las mejores representantes de la pintura art deco. Sus figuras perfectamente definidas, solidas y con un gran peso dentro de la composición, estilizadas y estéticas la posicionaron como una artista importante dentro de la corriente y en el gusto de los ricos de la época. Lempicka pintó a Alfonso XIII, el derrocado monarca español y a la reina Isabel de Grecia. A Tamara no le costó trabajo regresar al ritmo de vida al que estaba acostumbrada desde su infancia. En 1931 Tamara se divorció de Lempicki.
Tamara de Lempicka retrató a la aristocracia francesa de entre guerras, en esa sociedad decadente que había sobrevivido a la I Guerra Mundial y que de manera egoísta y hedonista se dedicaba a vivir la vida de la mejor manera posible. Lempicka no actuaba de manera diferente y sus cuadros lo muestran, más allá de los retratos con los que se mantenía en un principio, La principal obsesión de Lempicka eran las mujeres desnudas.
Su bisexualidad, afición por las orgías, la cocaína y el champán, no le impedían trabajar por más de nueve horas en su estudio, creando sus imponentes pinturas. Mujeres en baños públicos, cuerpos femeninos voluptuosos y sólidos en sofás, sus retratos de mujeres son de una sensualidad innegable. La revista alemana Die Dame, la primera revista para mujeres en Alemania y la más popular de entre guerras en aquel país, publicó como portada una pintura que encargó a Tamara; un autorretrato de ella manejando, convertida en la imagen de la nueva mujer; atrevida, que nada le impide llevar a cabo tareas que se suponían exclusivas del hombre, pero al mismo tiempo mantiene su belleza como un punto importante. El cuadro hoy en manos de una familia suiza se llama Autorretrato en el Bugatti Verde es uno de los más importantes de Lempicka. En 1932 pintó Adán y Eva que es uno de los cuadros más importantes y representativos del art decó.
En 1934 se casó con un Barón húngaro; Raoul Kuffner. Con los tambores de guerra sonando en Europa a pesar de ser amiga de intelectuales fascistas y simpatizar con la ideología, Lempicka convenció a su marido de vender la mayor parte de sus propiedades en Hungría y poner su dinero en Suiza, con el tiempo la pareja emigró a Estados Unidos y Lempicka se sintió de nuevo en su ambiente, el frívolo y festivo mundo de Hollywood replicaba de alguna manera el ambiente al que la pintora se acostumbró en Paris. Su pintura cautivó por un tiempo a actores, productores y magnates norteamericanos. El paso del tiempo, el rescate de las corrientes vanguardistas de principios de siglo y las nuevas direcciones de la pintura fueron dejando el arte de Lempicka en olvido, hasta que en la década de los setenta se hizo una magna exposición en Nueva York con la obra de la artista.
Al finalizar la II Guerra Tamara de Lempicka reabrió su estudio en Paris en la Rue Machain. Cambió su estilo por uno abstracto, pero no logró la atención que tenía con su antiguo estilo art deco. En 1962 el Barón Kuffner murió de un infarto. Tamara de Lempicka se mudó a Houston, Texas donde vivía su hija Kizette.
La baronesa junto con Kizette y la familia de ésta se mudó en 1978 a Cuernavaca donde vivió hasta su muerte el 18 de marzo de 1980, por solicitud de la artista sus cenizas fueron arrojadas desde un helicóptero por Kizette al interior del cráter del Popocatépetl.
Su pintura la Bella Rafaella fue calificada entre los mejores desnudos del siglo pasado.

imagen it.wikipedia.org
                

miércoles, 13 de mayo de 2020

Dos fuertes mujeres de la comedia.



Con mujeres empoderadas y la necesidad de politicas reales de equidad de género y no de cuotas, surgen dos extraordinarias series protagonizadas por mujeres fuertes e independientes.

Armando Enrìquez Vázquez

Sin ser lo más reciente en el catálogo de Amazon Prime, sin son las dos comedias más poderosas de la plataforma y ambas están estelarizadas por mujeres y cuentan historias de empoderamiento. Se trata de las series La maravillosa Sra. Maisel y Fleabag. La primera norteamericana, la segunda inglesa.
La maravillosa Sra. Maisel va en su tercera temporada y fue creada por el exitoso matrimonio de Daniel Palladino y Amy Sherman Palladino creadores en el pasado de Gilmore Girls.  Daniel es también el creador de Family Guy. La maravillosa Señora Maisel cuenta la historia de una joven madre judía neoyorkina Miriam Maisel interpretada por Rachel Brosnahan, que es abandonada por su esposo quien tiene una aventura amorosa con su secretaria, Miriam en un acto de desahogo se para frente a la audiencia de un bar de mala muerte al que ella y su esposo acuden con regularidad a ver comediantes o prospectos de comediantes que hacen stand up y otros tipos de actuaciones como perfomance o interpretar música y desata la carcajada del público subir a escena y contar sus desgracias. Además, Joel Maisel (Michel Zegen), el marido de Miriam, que tiene el sueño de ser comediante paga con una cazuela de comida su actuación en el bar. La administradora del bar es una mujer malhumorada, sarcástica con una carrera como agente de comediantes frustrada; Susie Myerson (Alex Borstein) ve en Miriam a una futura gran standupera, se empecina en convencer a la Señora Maisel en dejar salir a la comediante que lleva dentro. La serie sucede en Nueva York en 1958 en el que la separación y posterior divorcio de Miriam, dentro de una sociedad machista y una cultura aún más machista como la judía, el trabajar para mantenerse ella y sus dos hijos con la ayuda de sus padres, la constante intervención de los suegros y del mismo marido, más el inicio de Miriam en el circuito de los comediantes, la lucha de Susie por darse a conocer y que la tomen en serio, el error de Miriam para hacerse de una archienemiga que es una superestrella de la comedia de sketches en Nueva York y la omnipresencia de Lenny Bruce, el histórico standupero norteamericano, que desafío las leyes norteamericanas y de quien Bob Fosse realizó una película en 1974 estelarizada por Dustin Hoffman como Bruce. La cinta se titula sencillamente Lenny.
La Maravillosa Sra. Maisel se basa en personajes secundarios extraordinarios interpretados por extraordinarios actores, el padre de Miriam, Abe Weissman, un profesor de física de la Universidad de Columbia es interpretado por el excelente actor Tony Shalhoub quien hace unos años interpretó a maniático detective Monk en la serie del mismo nombre. La madre de Miriam, Rose Weissman, una ama de casa judía que vive en acomodada en el lujo de su vida y contra toda su formación religiosa, cree en la adivinación, esta interpretada por la actriz Marin Hinkle, Kevin Pollack como Moishe Maisel, suegro de Miriam, un empresario en ropa barata que choca de manera directa con la personalidad de Abe, su gritona esposa Shirley (Caroline Aaron) y Sophie Lennon (Jane Lynch) la archienemiga de Miriam, son el marco de personajes donde se desenvuelve la historia de la serie, con personajes eventuales como los matones que se hacen amigos de Susie, o los productores de comerciales de la tercera temporada. La maravillosa Sra. Maisel, tiene momentos maniqueos y que satisfacen el ego evocador que caracteriza a tantos escritores y creadores de series, más los homenajes constantes a lo más cursi del cine norteamericano de la época. La fuerza de Miriam y Susie y su instinto para sobrevivir y destacar son el tema de la serie luchar contra convenciones y prejuicios para darse de frente con los propios errores y manías; crecer y madurar. La Maravillosa Sra. Maisel es una extraordinaria comedia escrita dentro de esa moral nostálgica de muchas historias norteamericanas, pero que al mismo tiempo que al mismo tiempo es capaz de arrancar carcajadas entre situaciones absurdas y una sarcástica mirada a esa sociedad.



Del otro lado del Atlántico la mirada de Phoebe Waller-Bridge dio pie a una comedia que no habla de triunfos y progreso, si no de como es sobrevivir para una mujer en una sociedad como la nuestra el día de hoy. Con dos temporadas Fleabag es producto total de la creatividad de Waller-Bridge no sólo la creadora de la serie si no que es la guionista de todos los capítulos de la misma y la actriz que interpreta el papel de Fleabag, una joven londinense que no puede entender y manejar su vida, que ha traicionado a su mejor amiga y socia, que sufre la relación amorosa de su padre tras la muerte su madre, con una ex alumna de su esposa. Con el éxito de su hermana. Fleabag se enfrenta en la primera temporada a salvar su negocio, una cafetería y en la segunda a encontrar su lugar en ese mundo que para ella es hostil, pero es únicamente el mundo caótico en el que vivimos todos.
Fleabag es una serie con un humor muy especial, negro, sarcástico, políticamente incorrecto. De la misma forma que la serie norteamericana, Fleabag se construye gracias a grandes actuaciones y a personajes sólidos que hacen a Fleabag consciente de su fracaso secuencia a secuencia:  Claire (Sian Clifford) La hermana ejecutiva en una transnacional que en la segunda temporada vive viajando los fines de semanas a su hogar en Londres y pasa la semana en Helsinki donde se encuentra su trabajó. Olivia Coleman en el papel de la pareja de su padre, una egoísta, oportunista, arribista y controladora mujer. Andrew Scott como el cura católico del que se enamora Fleabag. Las situaciones que enfrenta Fleabag y el paso del mundo frente a sus ojos, son sólo hechos que suceden que no están predestinados a herirla, aunque esto sea lo que sucede, la postura de su padre que parece no tener sentimientos, sólo refleja como en ciertos sectores de las sociedades modernas, lo menos importante es hacer contacto con otros seres humanos por cercanos que sean, y mantenerse encerrado en los muros que construimos a nuestro alrededor.
La Maravillosa Sra. Maisel está en producción de su cuarta temporada que se estrenará en 2020, Fleabag por su parte ha terminado y Phoebe Waller-Bridge decidió que no habría una tercera temporada y que la historia de Fleabag ha finalizado.



publicado en roastbrief.com.mx el 10 de febrero de 2020
imagenes: Amazon Prime.

jueves, 7 de mayo de 2020

Ngaio Marsh la novela negra desde Nueva Zelanda.




Esta talentosa neozelandesa junto con Agatha Christie, Dorothy L. Sayers  y Margery Allingham es una de las reinas de la novela criminal inglesa de principios a mediados del siglo pasado.
Armando Enríquez Vázquez

Inglesa por ser parte del Imperio Ingles, neozelandesa por su lugar de nacimiento, Edith Ngaio Marsh es una de las escritoras de novela más olvidadas en nuestros días, casi desconocida en nuestra lengua y sin embargo una mujer de gozo en sus días de un éxito similar al de su contemporánea Agatha Christie. Su detective, el inspector Roderick Alleyn miembro de la policía metropolitana de Londres protagonizó 32 novelas, escritas entre 1934 y 1982.
Ngaio nació el 23 de abril de 1895 en Merivale un suburbio de Christchurch en Nueva Zelanda. Su nombre de origen Maorí sirve designa a arbusto originario de Nueva Zelanda, así como un insecto. Ngaio fue hija única.
Su padre, Henry Edmund Marsh, era un empleado bancario, algo que siempre intrigó a la escritora porque de acuerdo con lo que ella pensaba sera un trabajo en el que no podía imaginarse a alguien como su padre. Su madre Rose Elizabeth Seager era una actriz reconocida en Nueva Zelanda. Estudió en una escuela para mujeres de la que fue sacada debido a que su imaginación, su introversión y su timidez la convirtieron en la víctima de burlas de sus compañeras. De los 10 a los 14 años su educación se llevó a cabo en su casa y la encargada enseñarla fue su madre y diferentes institutrices.
A partir de 1913 Ngaio Marsh comenzó a acudir a la Universidad de Canterbury, fue durante el periodo universitario cuando Marsh comenzó a publicar cuentos, artículos de diferentes temas y poemas en el periódico Christchurch Sun. También compuso algunas canciones. En 1919 participó en una compañía neozelandesa de teatro dedicada básicamente a obras de Shakespeare en una gira por aquella nación y al terminar esta en 1920, participó en 1921 en otra, esta vez con una compañía dedicada al teatro de comedia, después se convirtió en maestra en la Escuela de Danza y Actuación Wauchop. Entre 1912 y 1924 escribió 5 obras de teatro.
En 1927 intentando convertirse en pintora se unió al Grupo, una asociación de artistas neozelandeses que se oponían a los cánones establecidos del arte conservador en aquella nación y aunque Marsh pintó a lo largo de su vida, el cambió estaba por venir al año siguiente cuando viajó y se estableció en Londres.
De acuerdo con una entrevista, ella jamás pensó en convertirse en escritora. En Londres estableció junto con una amiga una empresa de decoración de interiores, su madre pasaba algunos periodos con su hija y fue en un fin de semana lluvioso en Londres, sola en su departamento cuando Marsh descubrió entre las cosas de su madre un libro de Agatha Christie y tras leerlo se preguntó si sería capaz de escribir una novela de detectives, así que bajo el aguacero salió a comprar lápices y cuadernos y comenzó a escribir la que sería su primera novela; Un hombre muerto. Le mostró los primeros capítulos a su madre que la impulsó a continuar y una amiga le entregó la novela terminada a un agente editorial que consiguió que la novela se publicara. Como ella misma lo cuenta jamás sufrió de la ansiedad de que su obra fuera rechazada pues nunca se imaginó como escritora y lo mejor en ese sentido; su obra fue aceptada por una editorial al primer intento.
El año de la publicación de su primera novela Marsh regresó a Nueva Zelanda para cuidar de su madre que había enfermado de gravedad, tras la muerte de Rose, Ngaio se encargó de cuidar de su padre hasta su muerte en 1948, pero esos años no significaron un encierro para Marsh, en 1937 viajó a Europa y tuvo una estancia de un año, en 1941 comenzó también a dirigir teatro para la Universidad de Canterbury y escribió en esos 16 años casi un número igual de novelas del Inspector Alleyn. Así como algunos cuentos, otro género al que dedicó su creatividad. Marsh fue uno de los pilares del surgimiento del teatro en Nueva Zelanda, llevó a su compañía en gira por Australia.
Tras la muerte de su padre, Marsh comenzó a dividir su vida entre Londres y Christchurch, el éxito de sus novelas le permitía vivir en los dos continentes sin ningún problema.
En 1962, su obra de teatro infantil The Wyvern and the Unicorn fue adaptada como una ópera por el músico neozelandés David Farquhar, Marsh se encargó del libreto de la ópera.
En 1966 publicó su autobiografía titulada; Black Beech and Honeydew. Una edición corregida y aumentada por Marsh apareció en 1981.
Ngaio Marsh murió el 18 de febrero de 1982 en su casa de Christchurch, Nueva Zelanda. En 1948 se le otorgó la Orden del Imperio Británico por su contribución al teatro de Nueva Zelanda y en 1966 el titulo de Dama del Imperio Británico. La sociedad de escritores de novelas de misterio de Estados Unidos le otorgó en 1978 un premio a los logros de su carrera.  A partir de 2010 se instituyó el premio a la mejor novela policía Ngaio Marsh, para el escritor neozelandés o residente en aquel país. El premio se otorga en tres categorías; mejor novela policiaca, mejor primera novela policiaca y mejor libro de ensayo policiaco.


imagen: wikipedia.org