El final es el principio y viceversa, el origen es diferente.

Como siempre la advertencia, el texto esta lleno de spoilers, lo recomendable es ver la serie primero, no tiene desperdicio y después los invitó a leer el texto y compartir sus ideas.

Amando Enríquez Vázquez

Dark, la extraordinaria serie alemana de Netflix, llegó al origen de la tragedia y al final de la serie de una manera magistral.

Compleja y sin autocomplacencias, Dark mantuvo la lógica fría y dura de la propuesta inicial. De la misma manera que los personajes trataban a través de siglos de un eterno retorno de acabar con una historia que destruía no solo familias y relaciones, si no el tejido del tiempo espacio y sobre todo marcaba el final de la historia de la humanidad y del planeta en el que vivimos, los escritores nos enseñaron a tomar distancia y recordar la frase de Einstein acerca de no esperar resultados diferentes teniendo los mismos pasos que lo precedieron.

La premisa final de la serie es contundente e impecable y nos hace voltear a la idea de que sobre el bien y el mal lo que persevera es el amor. Un amor que triunfa gracias al sacrificio que elimina a sus protagonistas, un amor que se consume para que lo demás subsista.

Los diferentes universos y su irreparable condición tienen su origen en un acto de amor, un acto que proviene de un personaje ajeno a toda la pesadilla que Adán, que en realidad es como sabemos Jonas, pero que se duplica porque un universo paralelo que se anuncia al final de la segunda temporada esta manejado por Eva, Martha de vieja. Y si bien es cierto que Jonas y Martha lucha Ad infinitum por reestablecer lo que ambos creen que debe ser el orden, funcionando como una pareja separada con sus respectivos rencores para mantener la supremacía de su mundo, Martha y Jonas, Eva y Adán creadores de mundos; dos vanidosos demiurgos que mueven las piezas, personajes de su limitado circulo de conocidos, de su tablero de ajedrez, una y otra vez. Prueba y error que terminan siempre en el mismo lugar. Con el mismo caótico resultado donde los dos mundos se entremezclan, se contaminan uno del otro y de las personalidades dominantes y prepotentes de Jonas y Martha.

Yin y Yan separados sin darse su cuenta de que se complementa a pesar de que en más de una ocasión a lo largo de las tres temporadas ambos personajes lo dicen a su par después de que los mundos se encuentran, se contaminan uno con el otro y la posibilidad de que a cada paso el ser humano crea nuevos universos con su decisiones como en el cuento de Borges, se dibuja en el penúltimo episodio de la serie, de hecho la realidad de esa posibilidad es la que permite destruir los infinitos círculos viciosos que sólo logran repetir el universo de Adán y Eva fracasando en restaurar el orden deseado por ambos personajes una y otra vez.

Claudia quien viaja por el tiempo buscando una solución, motivada por el amor maternal será la que les descubra la realidad y que no importa modificar o desaparecer el momento en que ambos mundos se encuentran, el llamado Apocalipsis, si no llegar al origen de todo para cortarlo de raíz. La dominante imagen del dragón comiéndose su cola que ha llamado la atención a lo largo de las primeras dos temporadas; el famoso Ouroboros, que obsesiona a Jonas/Adan y también, como descubrimos en la temporada final a su contraparte Martha/Eva, se transforma gracias a una visión externa en la Triqueta Celta, un figura que habla de una tercera dimensión y que está presente en la serie desde la primera temporada en el cuaderno que Noah lleva consigo y que contiene los apuntes de como se desarrolla el mundo de Jonas. Claudia entonces se convierte en esa tercera parte que complementa la triqueta entre los personajes de la serie y la única que consigue su objetivo.

La serie creada por Jantje Friese y Baran Bo Odar, es sin duda una de las series más importantes no sólo en Alemania, si no a nivel mundial. Ambos escritores trabajan ya con Netflix en sus dos próximos proyectos 1899 la historia de un barco de migrantes que va de Londres a Nueva York y Tyll¸ la historia de Till Eulenspiegel un juglar que, durante la edad media, en el siglo XIV recorrió lo que son hoy Alemania y Holanda entreteniendo a la gente de acuerdo con la tradición.

publicado en roastbrief.com.mx el 8 de julio de 2020

imagen: Netflix

Nagra, la nitidez del sonido

 

Una máquina imprescindible en el cine por más de 40 años fue la grabadora que diseñó un joven ingeniero suizo y es referente de innovación tecnológico y la base de un gran grupo tecnológico.

Armando Enríquez Vázquez.

A lo largo de su vida Stefan Kudelski ganó 3 premios Oscar en 1965, 1977 y 1978. Así como un par de Emmy en 1983 y 1986. En 1990 recibió por parte de la Academia de Cine y Ciencia de Estados Unidos le otorgó el prestigioso premio Gordon E. Sawyer por sus contribuciones al cine.

Kudelski jamás actuó, dirigió, escribió o fotografió una película, sin embargo, su contribución al cine es tan grande e importante que nadie en la industria cinematográfica mundial, puede decir que nunca ha usado uno de los aparatos del ingeniero suizo. Kudelski además ayudó a otras industrias incluyendo a la del espionaje internacional.

Stefan Kudelski nació en Varsovia, Polonia el 27 de agosto de 1931. Hijo de un arquitecto y una antropóloga, Stefan pertenecía a una clase intelectual acomodada de Polonia, pero con la llegada de la II Guerra Mundial los Kudelski migraron a Francia en 1939. Tras la invasión Nazi del país galo los padres de Stefan se unieron a la resistencia y cuando su red de rebeldes fue descubierta los Kudelski huyeron a Suiza. Con el paso de los años la madre y el padre de Stefan fueron recompensados con la Cruz de Guerra otorgada por el gobierno de Francia.

Llegada la paz, la familia se estableció en Suiza. El joven Stefan inició su educación en la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Kudelski desarrolló a los 21 años el inventó que le dio fama, dinero y sus premios Oscar: La Nagra.

Nagra fue la primera grabadora portátil de audio profesional. Las Nagra eran máquinas de carrete abierto, esto es que se utilizan dos bovinas en las que la cinta magnética de ¼ de pulgada, la parte con la emulsión de óxido registra el sonido y pasa de una a otra. La primera tiene el material virgen que al pasar por la grabadora es recogida en la bovina del otro lado. Las primeras nagras aceptaban carretes de 30 minutos de duración, con el tiempo Kudelski llegó a poner un control en la grabadora para la velocidad de grabación, lo que aumentaba el tiempo de grabado, aunque se sacrificaba la calidad. La grabadora de Kudelski llamó desde un principio la atención de profesionales del sonido, la estación local de Lausana encargó rápidamente al joven ingeniero un par de Nagras.

El nombre de la marca es una palabra polaca que significa: objeto que graba. Kudelski se decidió por el nombre por dos razones; la primera evitar un largo proceso de búsqueda de la marca al momento de registrarla y dos porque Kudelski por decisión personal decidió evitar las palabras phone y vox muy en boga en esos momentos para cualquier innovación que implicara audio.

La grabadora de Kudelski encontró en el cine un lugar donde creció de manera casi que natural, en contra de los enormes, pesados y poco prácticos sistemas de sonido, la Nagra permitió a los directores sacar las filmaciones de los estudios a locaciones naturales y a los sonidistas poder realizar su trabajo de una forma más practica y económica. La Nagra I que comenzó a venderse en 1951, fue rápidamente sustituida por la Nagra II y en 1957 llegó la Nagra III que fue la que conquistó el mundo del cine, la televisión y el radio. Una de las grandes ventajas de su portabilidad era que no dependía de una fuente de energía eléctrica y podía utilizarse con baterías D. Esto hizo posible que la nagra viajara al fondo del mar en un batiscafo, así como a la cima del mundo en el monte Everest.

A mediados de los años sesenta y bajo requerimientos del FBI, la CIA y el Ejército de Estados Unidos, después de una idea de John F. Kennedy, Nagra creó una grabadora miniatura profesional y de gran calidad en la grabación que de acuerdo con las historias se utilizó para el espionaje y también fue seleccionada por la NASA para viajar en las misiones Apollo. Este modelo se conoce como Nagra SN, siglas en francés de serie negra.

En 1971 la Nagra IV fue la primera grabadora portátil estéreo en el mercado. En 1981 Nagra presentó su estudio portátil el Nagra TA y en 1992 sus primeras grabadoras digitales, llamadas Nagra D y Nagra DII sumándose a los cambios en la tecnología, en 1995 la Nagra Ares-C, una grabadora digital para cabinas de producción y estudios se convirtió en un referente de la industria del entretenimiento en Europa.

El imperio de Nagra en la industria cinematográfica se extendió desde los inicios de la década de los sesenta del siglo pasado hasta los finales del siglo XX. Gracias a esta grabadora la Nouvelle Vague del Cine Francés pudo realizar muchas de las películas del movimiento respetando los principios que cineastas como Truffaut, Goddard, Claude Chabrol, Alain Resnais se habían fijado.

Para finales de siglo y totalmente en ambientes digitales Nagra presentó su modelo Hi-fi y en 2008 la Nagra VI una grabadora multitrack para las industrias del Cine y la música.

En 1991 Stefan Kudelski dejó la presidencia de Nagra a su hijo André Kudelski, quien nació en 1960, con la formación del Grupo Kudelski la empresa ha incursionado en diferentes negocios tecnológicos como la televisión digital, la ciberseguridad y el Internet de las cosas.

Stefan Kudelski murió el 26 de enero de 2013 a los 84 años en Lausana, Suiza. Es miembro del salón de la fama del Cine y la Televisión en Estados Unidos desde 1986.

Publicado en thepoint.com.mx el 5 de octubre de 2020

imagenes nagra.com 

Spike Lee; Netflix y Amazon.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano.

Armando Enríquez Vázquez

Spike Lee es sin duda uno de los directores de cine más importantes de las últimas décadas, su activismo por la causa de los afroamericanos es parte vertebral de su propuesta creativa. Películas como Haz lo correcto, Bamboozled, La noche del asesino, una extraordinaria cinta que habla del clima social que se vivía en Nueva York el año en que el asesino serial El hijo de Sam cometió sus crímenes poniendo a una de las mayores urbes del mundo en un estado de paranoia. Malcolm X, la cinta sobre el importante y radical líder del movimiento afroamericano en la década de los años 60. El año pasado su película El infiltrado del KKK, ganó el Festival de Cannes y del Oscar por el mejor guion adaptado. Su documental 4 niñas de 1997 sobre el asesinato en 1963 de cuatro en Alabama en un atentado con bomba en una iglesia bautista. Así como sus documentales sobre Jim Brown y Kobe Bryant son parte de su innegable legado sobre los derechos civiles y humanos de los afroamericanos.

Spike Lee es más allá de su importancia como director, guionista y productor, un verdadero líder y ejemplo para la comunidad afroamericana y un hombre admirable. Muchos de los jóvenes directores y escritores afroamericanos están profundamente influenciados por el trabajo y las ideas de Lee y eso no se puede negar.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano, las dos son puntos de vista contradictorias y por primera vez veo en una cinta del Lee, arrogancia y estupidez racista, típica de los norteamericanos.

Da 5 Blood, traducida Los 5 sangre, es un melodrama de guerra con aromas de western y un ejemplo de cómo también del lado de los afroamericanos el racismo y la prepotencia nacionalista gringa puede ser mayor que los fundamentos válidos e innegables con los que en general señalan a la cultura occidental y en especial en Estados Unidos que los ha segregado y criminalizado por el simple hecho de tener la piel de otro color.

Los 5 sangre esta estelerizada por Delroy Lindo (Paul), Jonathan Majors (su hijo, David), Clarke Peters (Otis), Norm Lewis (Eddie) y Isiah Whitlock Jr (Melvin). La historia cuenta el regreso de cuatro veteranos de la guerra de Vietnam, después de 40 años, al país que destruyeron y los cambió, bueno no del todo, para recuperar un cargamento de oro que robaron al gobierno de su país y que estaba destinado a grupos guerrilleros en el Vietcong. El quinto sangre fue muerto en el fragor de la batalla y sus restos nunca fueron recuperados, lo que sirve de pretexto a los otro cuatro para regresar por el oro. En el camino se encuentran con un mercenario financiero francés interpretado por Jean Reno, que hace la versión grotesca de la caricatura del francés en el arrogante imaginario norteamericano.

El verdadero cambio, el que atañe a Paul, quien al final develará el origen de los cuarenta años que lleva volviéndose loco y desarrollando el síndrome de guerra. Lo triste de la cinta, una imitación de película de Tarantino sin el sentido del humor retorcido y en tanto la factura e historia, es la visión que el director americano hace de los vietnamitas a los que desprecia y que cómo en todo buen western se acerca a la de los indios o mexicanos del género, malos, estereotipados y a los que no importa matar por esas mismas razones. Este planteamiento argumental racista no es extraño a un gran número de películas estadounidenses, pero resulta extraña y patética en un hombre que a lo largo de su vida se ha dedicado a combatir el racismo y la discriminación, incluso el hacer estereotipos de los seres humanos como en el caso de Bamboozled. Los 5 Sangre es sin duda la peor película de Spike Lee y no por su factura o sus actuaciones, si no por su planteamiento ideológico.

Amazon Prime, por su parte, estrenó Pass Over, que se puede traducir como Cruzar. La cinta basada en la obra de teatro homónima de la dramaturga norteamericana Antoinette Nwandu que a su vez se basa en la obra fundamental del escritor y Premio Nobel de Literatura irlandés Samuel Beckett Esperando a Godot, es una poderosa visión desde el Teatro del Absurdo de la irracional y demagógica situación actual en materia de racismo que se vive en los Estados Unidos de Donald Trump. La historia es una metáfora acerca de la opresión y cómo a los afroamericanos continúan siendo víctimas de una libertad ficticia basada en una libertad real. La historia totalmente actual y más en el momento que vivimos con las manifestaciones en contra de la violencia racial proveniente desde el poder y a través de los llamados brazos de la ley del Estado.

En este caso la historia es muy poderosa, con pocos actores, sólo cuatro. Dos jóvenes indigentes de una zona marginada en una ciudad norteamericana; Moses (Jon Michael Hill) y Kitch (Julian Parker) sueñan con superar el círculo de miseria y de violencia en el que viven y para ello sólo necesitan cruzar la calle, pero cada vez que lo intentan o lo sugieren las balas se los impide. El poderosísimo final de la cinta deja a todo mundo en un silencio sepulcral.

Y digo a todo mundo porque la propuesta de cámara de Spike Lee es hacer del fenómeno teatral, un fenómeno cinematográfico. La cinta inicia a la manera de un documental con personas afroamericanas que son llevadas de un centro escolar al teatro donde presenciaran la representación de Pass Over, La puesta en cámara, va en función de la puesta en escena y las reacciones del público sirve a Lee para acentuar el ritmo y el punteo de la cinta. A diferencia de Los 5 sangre, Pass Over, es una película que mantiene los temas de Lee y una con un valor actual, envuelta en una creativa y atractiva propuesta narrativa y visual. La teatralidad de las actuaciones, la escenografía y las miradas y reacciones del público dan como resultado una película entretenida que a pesar de carecer de los elementos más llamativos de una película; los efectos especiales, no es pesada, ni lenta. Yo la pongo entre las mejores de películas de Spike Lee.

Pass Over no tiene desperdicio, Los 5 sangre es totalmente intrascendente y ofensiva.  Luz y sombra de uno de los artistas más importantes actualmente en Estados Unidos.

publicado el 1º de julio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen: Amazon Prime

Prada, el elegante negocio familiar.

 

Durante más de sesenta años la marca se dedicó básicamente a vender maletas y bolsas muchas de importación hasta que contrario a la visión de su dueño una mujer redefinió la marca.

Armando Enríquez Vázquez

En 1913 los hermanos Mario y Martino Prada abrieron un negocio dedicado a la venta de bolsas para mujeres, baúles y maletas que importaban de Inglaterra, Alemania, Austria y otros países muchos de ellos hechos con pieles exóticas, tambien vendían otro tipo de lujosos accesorios como bastones, cinturones, algo de joyeria. La tienda Fratelli Prada se encontraba en uno de los edificios icónicos y más importantes de Milán hasta la fecha. La Galleria Vittorio Emmannuele II considerada uno de los primeros centros comerciales del mundo. Inaugurada el 13 de septiembre de 1867 es un representante del estilo arquitectónico neorrenacentista italiano.

Mario era un empresario hasta cierto punto visionario, ya que si por un lado en 1919 su tienda se convirtió en proveedor oficial de la casa real de Saboya que gobernaba Italia en esos tiempos lo que le permitió abrir una segunda tienda en la calle Manzoni en Milán también, por otro lado, su posición machista impidió que ninguna mujer se dedicara a la administración de sus negocios mientras él vivió. Irónicamente el único hijo varón de Prada decidió no participar en el negocio de la familia. Antes de la II Guerra Mundial, Martino, abandonó la empresa para dedicarse al activismo político en contra del creciente fascismo, algo en lo que el mismo Mario simpatizaba. A partir de ese momento Mario se convierte en el único dueño de la empresa.

La historia y el karma pusieron al empresario italiano en su lugar, a Mario se le recuerda únicamente como fundador de la empresa, pero quien la desarrolló, décadas después, innovó con ella y la convirtió en un referente mundial de moda, elegancia y extravagancia fue su nieta Miuccia.

Al morir Mario Prada en 1958, su hija Luisa se hizo cargo de la empresa y fue ella quien mantuvo a Prada a flote durante las décadas de los sesenta y setenta, al cambiar la orientación de la empresa y convertirla en una marca dirigida a la clase media, esto fue un paso atrás en la historia de Prada, no porque la visión de Luisa fuera equivocada, al fin y al cabo Prada sobrevivió de manera digna a estos años de crisis en toda la sociedad italiana, pero si en el sentido de la presencia de la marca en el ámbito nacional como una marca de lujo desapareció.

En 1977 Miuccia Prada, hija de Luisa y nieta de Mario, licenciada en ciencias políticas y que también trabajó en el teatro, se conviertió en la cabeza de la empresa. Miuccia ya había diseñado diferentes accesorios para la empresa familiar. En 1979 Prada lanzó por primera vez su línea de calzado para dama. En 1983 comenzó también la nueva imagen de las tiendas de Prada primero en Milán y después se abrieron tiendas en Nueva York, Paris, Madrid, Londres y Tokio que se caracterizaban por el verde pastel de sus muros. En 1985 Miuccia, cuyo verdadero nombre es Maria Bianchi, diseñó una back pack negro de nylon que se convirtió en un éxito inmediato de Prada. En 1988, Prada presentó su primera colección de ropa para mujer en una pasarela en Milán para la temporada Otoño/Invierno de ese año. En 1993 Prada presentó su primera colección de ropa para hombres.

Miuccia conoció en 1977 a otro empresario peletero italiano Patrizio Bertelli quien se convirtió en su esposo en 1987 y juntos son quienes han hecho de la marca un éxito y referente mundial de diseñó y elegancia.

En 1992 Miuccia fundó la segunda marca de Prada; Miu Miu, una marca de ropa y accesorios para mujeres jóvenes. Con un diseño mucho más atrevido y moderno que los de Prada. En 1999 Prada compró una marca icónica del calzado inglés llamada Church’s que se distingue por su hechura a mano y sus más de 140 años de existencia y en 2001 la italiana Car Shoe fundada en 1963. En 2014 el Grupo Prada adquirió la casi bicentenaria Pastelería Marchesi de Milán y la empresa curtidora de piel francesa Hervy.

Miuccia Prada ha recibido distinciones y premios. La marca que su abuelo fundó hace 107 años está más fuerte y saludable que nunca, y entre sus muchos productos también destacan los lentes y perfumes. En 2010 recordando sus días de juventud, Miuccia accedió a diseñar el vestuario para la ópera Atila de Verdi que se presentó ese año en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

Prada, como muchas otras empresas dedicadas a la moda, se ha sumado en 2020 a la confección de mascarillas y trajes médicos que ha entregado a los centros hospitalarios de Italia.

publicado en thepoint.com.mx el 21 de septiembre de 2020

imagen: prada.com

Sin salas y con estrenos extraordinarios.

 

Los cines permanecieron cerrados meses y la oferta de contenidos de películas nuevas fue exclusividad de las plataformas de Internet.

Armando Enríquez Vázquez

Justo la semana en que comenzó el confinamiento estaba por estrenarse en las salas de cine una película española que he estado esperando en los últimos meses titulada Mientras dure la guerra dirigida por Alejandro Amenábar y que cuenta la historia de la posición política de Manuel de Unamuno durante la Guerra Civil Española, una de las producciones sobresalientes del cine español el año pasado. A manera de compensación Netflix estrenó en estos días de encierro La trinchera infinita, otra producción española del año pasado, también sobre temas relacionados a esa guerra fraticida que marcó la vida de España el siglo pasado.

La cinta que ganó en la pasada entrega del Premio Goya, el mayor premio otorgado por la industria cinematográfica española, 2 premios; el primero al mejor sonido y el segundo a la actriz Belén Cuesta como la mejor actriz del año pasado en el cine español. La cinta cuenta la historia de un hombre que para escapar de las fuerzas franquistas y de la represión y asesinatos promovidos por este dictador, pasa más de treinta años encerrado en su casa; escondido. La cinta esta basada en el hecho real de casos documentados de españoles que vivieron en estas condiciones, de hecho, esta no es la primera cinta sobre el tema, yo recuerdo una protagonizada y dirigida por Fernando Fernán Gómez titulada Mambrú se fue a la guerra que se estrenó en México en una Muestra Internacional de Cine en la década de los ochenta. La trinchera infinita es sin duda una película muy potente y con un par de excelentes actuaciones, el hecho de que no se haya estrenado en las salas de cine de México creo que le da una mayor visibilidad y accesibilidad a las audiencias como en su momento sucedió con Roma de Cuarón o La balada de Buster Scruggs de los hermanos Cohen.

 Otro ejemplo de la importancia de los estrenos en las diferentes plataformas de internet ha sido el estreno de una de las mejores películas mexicanas que he visto en los últimos años; Ya no estoy aquí, dirigida por Fernando Frías y con la actuación de Juan Daniel García Treviño. Sobre una subcultura de jóvenes regiomontanos que ha sido eliminada, como otras por la cotidianidad de narcotráfico en nuestro país. La película mexicana es sin duda uno de los grandes hits de la plataforma y sin duda miles de espectadores en México y el mundo la han visto en estas semanas, algo que difícilmente hubiera logrado de estrenarse en salas cinematográficas.

Esa diferencia entre la cinta española y la mexicana; una producida para las salas, la otra producida por la plataforma para exhibirse en la misma, lo que permite su estreno a nivel mundial en un solo día y no tiene que hacer un circuito de salas cinematográficas y una estancia en las mismas que depende su comportamiento en la taquilla, a diferencia de las ventajas del on demand.

También Amazon Prime ha entrado ya en la producción de películas y uno de sus estrenos; The Vast of the Night, otra de las películas que he visto en este encierro, es una extraordinaria historia de ciencia ficción que no requiere de llamativos efectos especiales que por lo general distraen al espectador de la verdadera falta y fallas en la trama. Con una puesta de cámara que es demencial y nos da ese ritmo que el director Andrew Patterson imprime para acentuar la incertidumbre y ansiedad de los personajes.

Estas y otras películas, que estuvieron pocas semanas en la cartelera, se pueden disfrutar desde la comodidad de casa, con todo lo que esto implica en todos los sentidos y a pesar de todo lo que muchos objetan de la opción. Lo cierto y obvio es que las cadenas de exhibición cinematográfica están obligadas a replantear su modelo de negocio ahora que se vuelvan a abrir.

Cinépolis de hecho mantuvo durante la cuarentena su servicio en línea con su plataforma Cinépolis Click y aunque anuncia un mínimo de salas abierto su negocio en los pasados meses estuvo en su servicio en línea.  

En estos largo meses de encierro se popularizó, también, la plataforma de FilminLatino y su oferta de películas mexicanas que no es fácil ver.

Los tiempos de crisis son también de oportunidades. El regreso paulatino que se ha dado a las salas cinematográficas, está muy lejos de representar las taquillas a las que las empresas estaban acostumbradas y en países como el nuestro donde las cifras del contagio están totalmente maquilladas y en Estados Unidos el país occidental más importante para la industria cinematográfica, pero también el que tiene el mayor número de contagios y muertes esto es un golpe duro.  Una de las soluciones que han tenido cierto éxito en México es la apertura de los autocinemas, aunque sin duda son las estrategias en red las más atractivas y redituables para los exhibidores y productores, así como más económicas para el consumidor que también ha sido golpeado en su poder adquisitivo por la emergencia sanitaria.

Además, existe otro beneficio que había descubierto ya desde hace mucho tiempo. ¿Por qué habría de abandonar la comodidad y ventajas que me da estar en casa, para enfrentarme a gente que habla durante la exhibición de la película o que no pone su teléfono en vibrador?

Y una petición a Netflix o Amazon Prime por favor alguien compre los derechos de Mientras dure la guerra y prográmela en su plataforma.

Una versión de este texto se publico el 22 de junio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen:pickpik.com

Bosque adentro, otra vez el pasado.

Otra miniserie de Netflix escrita por Harlan Coben, con producción polaca con los temas que obsesionan al escritor.

Armando Enríquez Vázquez.

Harlan Coben es un autor de novelas policiacas, nacido en Newark, New Jersey el 4 de enero de 1962, ha escrito más de 30 novelas, así como programas de televisión: unos originales otros basados en algunas de sus obras. Sus libros han sido publicados a lo largo del mundo.

La adaptación más reciente de una de sus obras es la serie de Netflix Bosque adentro, una miniserie polaca que utiliza la novela de Coben The Woods publicada originalmente en 2007, para contar una historia acerca de como el pasado atormenta a los protagonistas que en su juventud y siendo parte de un campamento de verano en los bosques de Polonia en 1994 vivieron una experiencia traumática.

El personaje principal Pawel Kopinski era, durante el campamento, uno de los jóvenes encargados de cuidar y entretener a los jóvenes inscritos, su madre una de las organizadoras del campamento y tanto él como su hermana Kamila trabajaban en el campamento. Pawel se enamora de Laura Goldsztajn, la hija del dueño del campamento. Durante la noche final del campamento la pareja se escapa para tener una relación sexual en el bosque, del otro lado de las rejas del campamento, la experiencia es interrumpida por un espantoso grito de mujer que obliga a Pawel a ordenarle a Laura que regrese al campamento, mientras el busca el origen del grito de manera infructuosa. A la mañana siguiente todos los miembros del campamento se despiertan para descubrir que cuatro jóvenes han desaparecido del campamento; Kamila, Artur Perkowski, el hijo de la afanadora del campamento y dos de los jóvenes inscritos Daniel Kotler y Monika Sowik. Las relaciones entre los cuatro jóvenes son aquellas de amistad, enamoramiento rechazo y traiciones que suceden en toda historia. Con el paso de los días los cuerpos de Monika y Daniel aparecen, los jóvenes han sido asesinados. Artur y Kamila jamás son encontrados.

Veinticinco años después Pawel es un fiscal del estado polaco, que acaba de sufrir la muerte de su esposa víctima de cáncer y vive con su pequeña hija Kaja y con la ayuda de su cuñada y su esposo trata de reconstruir su vida. Una noche la policía polaca llega buscando a Pawel, un hombre asesinado, al parecer un indigente con una identificación falsa, tenía en su posesión una gran cantidad de recortes que hacen referencia al fiscal, lo que lo convierte en sospechoso. Al ser enfrentado con el cadáver para su identificación, Pawel niega el conocer al difunto, pero tiene dudas que se van acrecentando con el paso de los días. Al parecer el muerto es alguien de aquel lejano verano; Artur. Lo que lleva al fiscal a pensar en la posibilidad de que su hermana este viva.

Además, el fiscal tiene un caso en el presente; la violación de una joven por el hijo de un afamado periodista que tratara de influir y corromper a Pawel para que abandone el caso y su hijo sea exonerado a pesar de ser culpable.

El pasado y el presente se agolpan en la vida del procurador de justicia y la obvia reaparición de Laura Goldsztajn, ahora catedrática de la universidad y esposa del rector, un hombre mucho mayor que Laura, obligan a Pawel a iniciar la búsqueda por las otras mujeres desaparecidas de su infancia y su juventud. Kamila, su hermana, y su madre quien después de la desaparición de su hija abandonó, de acuerdo con la versión del padre de Pawel, a la familia. El recuerdo final de Pawel es su madre despidiéndose de él a mitad de la noche. 

A diferencia de otras series polacas y tal vez por la influencia norteamericana de la obra original, Bosque adentro contiene una historia de amor atormentado en un silencio poco entendible en el inicio del siglo XXI, un amor frustrado que sobrevive 25 años.

Más allá de esta subtrama, los temas realmente importantes se dibujan apenas en frases que los obligan a ser visibles; los motivos inconscientes y muchas veces injustificables por los que un padre o una madre actúa en nombre de sus hijos, la verdadera cara de poder de la prensa y el cinismo de la gran mayoría de los periodistas y comentaristas de noticias, la justicia de papel y la justicia real, los crímenes perfectos que encuentran la oportunidad en el desarrollo fortuito de los acontecimientos. El pasado está siempre obnubilando al presente y marcando las acciones de los personajes, aun de manera inconsciente. El tratar de variar lo que es invariable, no permita a los personajes vivir el presente.

Llena de vuelta de tuercas y descubrimientos no tan sorprendentes en algunos casos, Bosque adentro es una miniserie de seis capitulo para ver en dos tardes en lo que sigue el confinamiento 

originalmente publicado en roastbrief.com.mx el 15 de junio de 2020

imagen Netflix

Seguro en casa y otros lugares.

 

Esta marca la has visto en llaves y cerraduras de tu casa y otros lugares y fue creada a principios del siglo pasado por un inventor alemán que emigró a Estados Unidos.

Armando Enríquez Vázquez.

Walter Schlage, cuyo apellido encontramos hoy en algunas de nuestras llaves y cerraduras nació en Alemania en 1882, estudió ingeniería mecánica. Durante su adolescencia su padre le consiguió un trabajo como aprendiz en la afamada Carl Zeiss. Después de graduarse Walter Schlage se mudó a Londres donde trabajó por un año antes de emigrar, a principios del siglo XX, a Estados Unidos. Walter se estableció en San Francisco, comenzó a trabajar para la Western Electric Company, diariamente al regresar a casa después de la jornada laboral, Walter, se dedicaba a inventar sistemas eléctricos.

En 1909, Schlage patentó su primer invento, un mecanismo que permitía encender la luz de una casa o cuarto al momento de girar la perilla de la puerta, más tarde inventó el timbre de botón. Estas patentes le permitieron en 1920 renunciar a su trabajo en la empresa de electricidad y abrir su propio negocio dedicado a cerraduras y perillas de puertas al año siguiente, la empresa llevaba como nombre el apellido del inventor. Walter no solo estaba dedicado a crear nuevas cerraduras con características las hicieran más eficientes, Schlage también estaba consciente de la importancia de la estética de manijas y perillas.

En 1923 Schlage cambió la sede de la empresa para poder llevar a cabo toda la operación de la producción de sus cerraduras y en 1926 una nueva planta de Schlage fue inaugurada. Schlage consiguió a diferentes inversionistas para la empresa que se convirtieron en dueños de la misma, el más importante de ellos fue Charles H. Kendrick. Ya en 1924 las cerraduras de Schlage se anunciaban en los diarios de San Francisco. Su invento más importante lo patentó en 1925 y se trata del mecanismo de la cerradura encapsulado en un cilindro, para ese entonces Walter Schlage contaba ya con más de diez patentes, a pesar de los primeros éxitos y el crecimiento inicial de la empresa, Schlage con sus altibajos sobrevivió La Gran Depresión y los tiempos de la II Guerra Mundial, durante el conflicto Schlage se dedicó a la manufactura de las casquillos para las balas.

A Walter Schlage le debemos los botones de seguro en la perilla que permiten que la puerta permanezca cerrada, muchos de los sistemas patentados por Schlage no necesitaban utilizar una llave para cerrar y asegurar la puerta, un movimiento en la perilla lograba el efecto. En 1940, el ingeniero mecánico, ya nacionalizado estadounidense fue reconocido como uno de los inventores clave del siglo XX. En 1946, Walter Schlage murió. La empresa pasó a sus sucesores y Charles H. Kendrick se supo hacer del mando de la empresa.

Schlage continuó creciendo durante la siguiente década y adquirió a diferentes competidores a nivel local y nacional. Kendrick murió en agosto de 1970 y en 1974 Schlage fue adquirida por otra empresa norteamericana llamada Ingersoll-Rand, Schlage mantuvo su nombre y se convirtió en una subsidiaria de Ingersoll-Rand. Esto ayudó a la internacionalización de Schlage que en 1975 adquirió una planta de manufactura de cerraduras en Nueva Zelanda. En 1997 las oficinas centrales salieron de San Francisco, incluso de California y se mudaron a Colorado Springs, Colorado.

En las últimas décadas Schlage se ha dedicado a la creación de sistemas de seguridad electrónicos, que no necesitan llaves, que funcionan a través de códigos, uno de los cuales retoma la idea de Walter Reinhold Schlage al evitar que la persona que abre una puerta se enfrente a un lugar oscuro en el que pueda tropezar o caer y por tanto enciende las luces del cuarto al momento de abrir la puerta.

En 2013 Ingersoll-Rand decidió crear una empresa independiente a la que llamó Allegion en la que quedaron 28 empresas dedicadas a la seguridad centrada en las puertas, con Schlage a la cabeza.

El slogan de Schlage es: Open possibilities.

publicado el 14 de septiembre en thrpoint.com.mx

imagen schlage.com

Circo, pan y corrupción; una tragicomedia.

 

Amazon parece siempre poner el dedo sobre la llaga en los temas que muchos latinoamericanos prefieren ignorar y en este caso de corrupción deportiva por defender su afición. 

Armando Enríquez Vázquez

Amazon Prime lo ha vuelto a hacer, cuando todas las series de narcotráfico sobre Latinoamérica y México están en Netflix, así como los documentales sobre deportistas, la plataforma propiedad de Jeff Bezos estrenó una serie acerca de algo que puede sonar totalmente aburrido y lugar común, la corrupción en el futbol soccer mundial, pero la ha hecho de una manera muy atractiva y bien presentada: El Presidente
Sin los asesinatos y truculencias de otras series El Presidente retoma un tema que ya se había visto en otras series como la española Todo por el Juego, basada en una novela que curiosamente fue escrita por el presidente de La Liga, Javier Tebas antes de ser directivo del futbol español y que habla de la corrupción en el deporte en España a manera de ficción y cuya segunda temporada estrenada en febrero deja mucho que desear y no es ni la mitad de buena que la primera entrega.
A diferencia de la española, lo que hace la serie chilena – argentina de Amazon Prime es no basarse en supuestos, ni crear una ficción a partir de leyendas urbanas o hechos conocidos, sino recrear el inicio, porque aun no termina del escándalo al interior de la FIFA que ha costado cabezas y carreras al interior del organismo y un poco de mala fama al exterior, del llamado FIFAgate a partir de la CONMEBOL el máximo organismo de futbol en Sudamérica.
Ver a los barones de la FIFA en su escritorio ganado dinero de una manera que es legal, más las corrupciones al interior de sus organismos parece una oferta poco atractiva, frente a la moda de los documentales acerca de deportistas. Una tendencia poco creativa y que imita a la peor nota rosa al centrarse en el deportista ya sea Michael Jordan o Aaron Hernández, como espectáculo noticioso y no como el fenómeno del deporte que fue o pudo haber sido.
Pero la serie de Amazon da en el punto para tratar el tema al crear una tragicomedia de una situación que es lo bastante patética y que todos los aficionados a cualquier deporte aceptamos sin chistar: las condiciones poco deportivas y competitivas, para consentir ver encuentros que están manipulados y arreglados desde muchos meses antes de llevarse a cabo.
A lo largo de una historia adaptada y dramatizada El Presidente da al espectador los datos duros de lo que genera de manera legal el negocio del futbol y nos da una idea, por si acaso no lo sabíamos, de los negocios alternos y poco transparentes de los directivos de las ligas del futbol.
La historia inicia con la muerte de uno de los hombres más importantes y corruptos del futbol sudamericano Julio Grondona interpretado por Luis Margani, y es Margani quien desde el más allá y manera de corifeo sirve de voz conductora de la serie. El personaje principal y al que Grondona apadrina es Sergio Jadue, presidente de la Federación de Futbol de Chile y quien es interpretado de manera magistral por Andrés Parra, el cuadro central de la serie se completa con dos actrices mexicanas Karla Souza en el papel de Lisa Harris, agente encubierto del FBI que compromete a Jadue y lo convierte en informante de la agencia norteamericana y Paulina Gaytán que interpreta el papel de María Inés Facuse, Nené, la esposa de Jadue y parte del binomio que en la serie manejó el futbol chileno de 2011 a 2015, Facuse siempre fue la inteligencia gris del asunto al menos en la trama de la serie. Estos cuatro personajes son la columna central de la serie.
Son las actuaciones de Parra, Souza y Gaytan las que hacen la serie, todos los demás personajes sólo bailan alrededor de ellos para crear situaciones, ejemplificar lo que sucedió en la realidad y darle brillo a las actuaciones de los tres personajes centrales. Para sortear lo previsible de la serie la narración de Grondona llana la historia de giros de tuerca, de verdades y mentiras que parecen exagerar situaciones que vistas desde otra perspectiva son sólo patéticas historias de la condición humana, de la ambición, la mezquindad y el poder que las grandes corporaciones y los gobiernos pretenden hacernos creer que están bien.
El Presidente hace hincapié y remarca la corrupción al interior de la FIFA y los intereses que genera el futbol entre las marcas, televisoras y los gobiernos de los países, lo que permite que personas como Blater, Infantino, Grondona y cualquiera que dirija desde cualquier pequeño club hasta una federación nacional se preste a torcer la ley hasta donde se pueda sin romperla, por lo general. Me gusta el acento que pone la serie acerca del por qué las autoridades norteamericanas se involucraron en el asunto por ganar ser sede de otro mundial. Pero lo que la serie obvia es que el verdadero crimen de la FIFA ocurre en la forma en que se trata a los jugadores de futbol y la imposibilidad de los países por investigar todos los asuntos laborales de las ligas, lo otro que aunque se trata de manera muy superflua, pero que es una tragedia para cualquier deporte es el patrocinio que los presidentes de los clubes hacen de grupos criminales que  disfrazados de aficionados cobran cuotas, golpean y amenazan a quienes van en contra de los deseos de los directivos y que manejan negocios de crimen organizado además de las llamadas barras importadas a todo el continente desde argentina y cimentadas por personajes como Grondona, esa parte para los creadores de la serie no existe a diferencia de la primera temporada de la serie española citada antes donde este tipo de situaciones son parte importante de la trama. También se evita el tema de las apuestas.
Al final de la primera temporada se deja ver que la segunda temporada abarcará la historia del peor mafioso del futbol como espectáculo y negocio; Joao Havelange. Pero sería interesante que los productores pensaran en el futuro, de la misma manera que lo hizo Narcos de Netflix, hablar del futbol mexicano y de Norteamérica donde la situación vivida en la CONMEBOL se repite y de manera más siniestra en la CONCACAF.
Siempre me ha gustado la advertencia con la que el gran Jorge Ibargüengoitia inicia su novela Maten al Léon, en ella dice que cualquier similitud con la realidad no es una coincidencia, si no una vergüenza nacional, en el caso de El Presidente la vergüenza debería ser mundial.

publicado originalmente en roastbrief.com.mx el 8 de junio de 2020

imagen AmazonPrime

White Lines; Ibiza, DJ’s, cocaína y los fantasmas de las vidas pasadas.

La historia de White Lines no es solo un thriller, es una historia reflexiva acerca del paso de la vida, de sueños cumplidos y  truncos, de reconocer y aceptar quien se es en este mundo.

Armando Enríquez Vázquez

Ya saben estas líneas contienen spoilers y es mejor que vean la serie primero y después platicamos.

Alex Pina es sin duda uno de los productores y creadores de series más importantes de España este siglo; Los hombres de Paco, Los Serrano, El Barco, Vis a Vis y la gran ganadora entre las audiencias mundiales La Casa de Papel son parte de su portafolio, y justo cuando La Casa de Papel se desploma por el pésimo desarrollo de las entregas 3, pero sobre todo la 4, Netflix estrenó White Lines, la nueva serie del español.

Estelarizada por la actriz inglesa Laura Haddock, en el papel de Zoe Walker, la serie cuenta con actores y actrices españoles e ingleses para contar una historia inteligente y atractiva.

White Lines es un thriller como Vis a Vis y La Casa de Papel, pero en esta ocasión Pina decidió contar una historia introspectiva. A partir de una familia es disfuncional y los resultados de la interacción o no interacción entre los miembros de la misma nos lleva a la isla de Ibiza famosa por vivir en la fiesta y los excesos desde los años setenta. Dos hermanos, un padre policía y una madre muerta víctima de cáncer. Mutismo y frialdad de una familia anglosajona se contrastan en la serie con una calidez de una mediterránea que llega al incesto. Manchester England, England… dice la letra de Hair el musical setentero y los personajes adolescentes de White Lines en los años noventa no estan lejos de aquellos que vivieron la Revolución de las Flores, treinta años antes, son amantes de la música, de crearla a partir de ser DJ, de las drogas y libertades que se dan alrededor de la música.

La historia inicia con una tormenta que descubre el cuerpo momificado de Axel Collins veinte años después de su desaparición. El cadáver aparece en las tierras de la familia Calafat, una poderosa y tradicional familia española, dueña de medía Ibiza y con planes de abrir un gigantesco casino en la isla.

Axel Collins en compañía de tres amigos llegaron a Ibiza 20 años antes, huyendo de la ortodoxa, sería y represora sociedad inglesa para invadir la eterna escena festiva ibicenca con su música, después de que los Axel y Marcus fueron arrestados y encarcelados por llevar a cabo un rave en Manchester. Axel es un DJ, igual que su amigo Marcus. David y Anna son parte del grupo. David sin saber que hacer de la vida, Ana es la pareja de Marcus.

La noticia de la aparición del cuerpo de Axel, pone en alerta a los Calafat, en especial al patriarca de la familia Andreu interpretado por Pedro Calafat y a su hijo Oriol quienes temen que la noticia asuste a los posibles inversionistas en el casino. Pero la principal afectada por la noticia de la aparición del posible cuerpo de Axel, es Zoe Walker, la hermana menor de Axel, quien tenía 16 años cuando el joven abandonó el hogar familiar para tocar música en Ibiza y después desapareció.

Zoe pasó los primeros años después de la desaparición de su hermano mayor, al que adoraba e idealizaba, en una institución para gente con problemas mentales, después de que la depresión y la ansiedad la llevaron a intentar suicidarse saltando al vacío, la paciencia y cuidados de un joven asistente del hospital de nombre Mike la ayudaron a recuperarse. Zoe se recuperó, se casó con Mike, tuvo una hija y pensó que había dejado Axel en el pasado hasta que la tormenta descubrió su cadáver en el desierto de Almería.

Pero Zoe no es la única persona a la que la desaparición de Axel destruyó, está también Kika Calafat (Marta Milans) quien, tras la desaparición de Axel, de quien era novia, se alejó de la familia para vivir la vida loca en Miami, poco antes de la desaparición de Axel, Kika se enteró que su madre, Conchita Calafat (Belén López), era amante de Axel. Al enfrentar a su madre, la señora Calafat minimizó el asunto. Su padre la manda llamar para que tome las riendas de los negocios y desairar a su hijo Oriol que se ha preparado académicamente y en el campo para ello. Los secretos de los Calafat son escandalosos aún para una sociedad escandalosa como lo es la de Ibiza. Andreu sospecha que Oriol y Conchita, su esposa, se encuentran detrás del asesinato del músico inglés.

Y luego están los tres amigos sobrevivientes de Axel; Marcus, Ana y David. Tres adultos viviendo en una adolescencia egoísta. Marcus es un mediocre DJ que se involucra con la mafia rumana para sobrevivir, Ana que se ha divorciado de Marcus y vive en el hedonismo del sexo, David se fue a la India, a su regreso a Ibiza, se convirtió en gurú de los ricos snobs de la isla y traficante de drogas esotéricas como la mezcalina y otras con las que asegura viajes espirituales y experiencias místicas.

Boxer (Nuno Lopes) es el guardaespaldas personal de Andreu y cadenero de una de las discotecas de la familia Calafat y veinte años atrás era otro de los jóvenes que conocieron y rodeaban al exitoso inglés y a la familia más importante de Ibiza, así como el encargado de correr al padre de Axel y Zoe de la isla cuando investigaba la desaparición de su hijo. Boxer además se convierte en ángel guardián y amante de Zoe. Como sucede en las series de ¿Quién es el asesino? La fórmula obliga a que todos sean sospechosos menos el detective, en este caso Zoe.

La historia de White Lines no se limita a encontrar al asesinó de Axel, es una historia reflexiva acerca del paso de la vida, de los sueños cumplidos y de los truncos, del reconocer y aceptar quien se es en este mundo. De la fama y la demencia que esta genera, de idealizaciones que terminan en verdades terribles e inconfesables. Es una historia de la imposibilidad de deshacer el éxito buscando regresar a lo esencial, descubrir que se han tejido demasiadas dependencias para que al intentar hacerlo de tajo las consecuencias son devastadoras y hasta mortales. Es una serie que descubre los diferentes ángulos de la valentía.

Zoe descubrirá al asesino de su hermano y perderá en el camino su matrimonio, a su hija y a su padre, quien veinte años antes fue el verdadero motivo para que Axel abandonara Manchester, en esa estancia en Ibiza la inglesa aprenderá que en la vida siempre se puede borrar la pizarra y seguir adelante por caminos que nunca nos planteamos. Que las cosas a pesar de aparentar ser banales y sencillas son trascendentales y complicadas. Compleja poco autocomplaciente y con grandes actuaciones White Lines no tiene desperdicio.

White Lines es uno de los mejores estrenos de Netflix en lo que va del año.

publicado en roastbrief.com.mx el 1º de junio de 2020

imagen Netflix

SMEG diseño italiano para la cocina.

Una marca italiana que con sus diseños y propuestas visuales ha conquistado los nichos de mercado alto en las cocinas todo el mundo.

Armando Enríquez Vázquez

Italia siempre ha sido una de las vanguardias del diseño en todos los campos, sus automóviles, muebles, instrumentos de escritura, ropa. En el caso de las cocinas una de las empresas líderes en el mercado es Smalterie Metallurgiche Emiliane Guastalla, conocida como SMEG.

El origen de la empresa se encuentra en el norte de Italia en la región Emilia-Romaña a finales del siglo XIX cuando el patriarca de la familia Francesco Bertazzoni dedicado a la fabricación de pesas de alta precisión para los fabricantes de queso de la región, junto con uno de sus hijos comenzó a producir estufas de hierro al descubrir la oportunidad del mercado.

Francesco y su iniciativa es el origen de dos empresas; Fratelli Bertazzoni Guastalla que hasta la fecha fabrica hornos, estufas y cocinas. Años después en 1948, al finalizar la II Guerra Mundial un miembro de la misma familia llamado Vittorio Bertazzoni fundó SMEG.

La empresa se dedicó en un inicio al esmaltar piezas de metal como su nombre lo indica, pronto se impuso la tradición familiar de construir estufas y SMEG comenzó a fabricar estufas esmaltadas, blancas un principio. Una moda mundial que hizo durante décadas de las cocinas un lugar que parecía aséptico como el quirófano de un hospital. En 1955 SMEG presentó al mercado la línea de estufas Elizabeth que fue una de las primeras estufas de gas, con encendido automático y válvulas de seguridad. Algunas de esas estufas presentaban no sólo los quemadores de la parte superior de una estufa y el horno en la parte inferior del mueble, si no que presentaba una especie de salamandra lateral que también tenía, como el horno, una puerta para preservar el calor. Cuando era niño en casa de mi abuela paterna la estufa tenia esta conformación, obviamente no recuerdo la marca, pero si recuerdo que si bien el horno se utilizaba de manea convencional, esta parte adicional, era en la que mi abuela tostaba el pan de caja, la rebanada solo quedaba tostada en la parte superior de la rebanada, la expuesta al fuego, mientras que la parte inferior de la rebanada quedaba intacta, blanda y blanca.

A principios de la década de los sesentas SMEG incursionó en el mercado de lavadoras de ropa y diez años después presentó en el mercado la primera lavavajillas casera en el mundo con capacidad para 14 piezas, el modelo se llamó Niagara.

En 1985 SMEG inauguró su división dedicada a las necesidades de hospitales y laboratorios médicos y dentales. Ese año, también, SMEG inició a incluir entre sus colaboradores a distinguidos arquitectos para diseñar sus productos los cuales debían ser bellos, además de eficientes. El primero de ellos fue el arquitecto italiano Guido Canali, una asociación que perdura en el tiempo. Canali ha diseñado diferentes estufas y hornos que después de 30 años aun son muy exitosos en el mercado, y en 2004 diseño las oficinas corporativas de SMEG. Otros arquitectos que han colaborado en la creación de productos de SMEG son Mario Bellini, Renzo Piano y diseñadores como el australiano Marc Newson que ha trabajado diseñando para marcas como Montblanc y Hennessy entre muchas otras.

En 1997 SMEG comenzó con su línea retro de refrigeradores con terminaciones romas como los refrigeradores de los años 50 del siglo XX. Los refrigeradores no son solamente blancos, SMEG ha esmaltado los muebles en diferentes colores y diseños como las banderas inglesa e italiana, Mickey Mouse de esos años y en los últimos años en sociedad con Dolce & Gabana creó una línea llamada Sicilia es mi amor llena de color y barrocos diseños. Uno de los últimos diseños incluye una terminación en mezclilla que recubre el refrigerador.

En 2006 SMEG abrió sa filial en Estados Unidos y a partir de 2014 SMEG incluye en su catalogo diferentes aparatos de cocina como licuadoras, batidoras, exprimidores de cítricos, extractores de jugo, tostadores de pan, todos con diseño similar a los refrigeradores retro, y tecnología de avanzada en cada uno de ellos.

SMEG ha ganado este siglo diferentes premios gracias a su diseño y sus innovaciones tecnológicas

En 2019 SMEG compró una centenaria empresa italiana dedicada a la fabricación de máquinas de café, caseras e industriales llamada La Pavina con sede en Milán.

De 1978 a 1982 SMEG formó parte de los patrocinadores de la escudería Ferrari de la Fómula 1. En esos años los pilotos de Ferrari eran Gilles Villeneuve y Carlos Reutermann.

SMEG es presidida actualmente por Roberto Bertazzoni, hijo del fundador y Vittorio nieto y miembro de la tercera generación maneja la empresa. SMEG tiene presencia en los 5 continentes.

publicado en thepoint.com.mx el 24 de agosto de 2020
imagenes smeg.com