Símbolos… ¡No me hagan eso!

 

La serie polaca de lento desarrollo engancha poco a poco al espectador, para finalmente hacernos gritar… de enojo.

Armando Enríquez Vázquez

Nunca sobra la advertencia, zona de spoilers adelante.

Nada peor en una serie con un cliffhanger forzado para crear una segunda temporada. Eso sucede con la serie Símbolos originalmente producida por AXN en 2018 y estrenada recientemente en Netflix.

Cómo otras de las producciones de crimen del norte de Europa; Simbolos, Znaki en polaco que también significa señales, cuenta la historia de un jefe de policía de un poblado casi deshabitado, de Polonia en este caso, que debe enfrentar un asesinato que terminará por revelar el infierno que se esconde, como dice el dicho de las abuelas, en toda comunidad pequeña, así como la corrupción que vive en todos los hombres avariciosos y sin escrúpulos sin importar la nacionalidad o el lugar, enormes ciudades o diminutos poblados, que tienen el poder político o económico.

El comisario Michal Trela (Andrezj Konopka) llega a un pueblo en la región de las Montañas del Búho en el sureste de Polonia, es su castigo por su alcoholismo, la idea es que lleve una vida más tranquila y alejado de las tentaciones que tenía en Cracovia, al menos eso piensan él y sus superiores que lo han enviado como castigo, pero lo espera un crimen que sacude a la comunidad. Trela es acompañado por su hija Nina (Magdalena Zak), padre e hija viven en la posada que es propiedad de la oficial de policía Adrianna Nieradka (Helena Zujecka), subalterna de Trela y su esposo Blazej (Michal Czernecki). Justo un poco después de la llegada de Trela sucede el asesinato que recuerda a los habitantes del pueblo otro similar ocurrido 10 años antes.

La muerta es la mejor amiga de Adrianna y amante de Blazej. Trela lo sabe porque fortuitamente descubre el affair. El crimen revive en el pueblo temores e incertidumbres de antaño justo en el momento menos indicado, el pueblo está a punto de celebrar su aniversario anunciando una inversión gigantesca que llevará prosperidad al pueblo con una mina y un hotel, en los terrenos donde se encuentra el mineral se encuentra una especie de bunker donde durante la II Guerra Mundial los Nazis asesinaron y torturaron a prisioneros polacos y judíos, al mismo tiempo que intentaban desarrollar un arma especial. Lo que es ignorado en un principio tanto por el alcalde, Antoni Paszke (Miroslaw Kropielnicki), de la población como por el pseudo empresario que encabeza la iniciativa hasta que vuelan la entrada del bunker y quedan al descubierto restos humanos y objetos de los soldados alemanes que los socios deciden desaparecer pagando a los camioneros para que tiren todo en el rio cercano, ellos solo piensan hacerse ricos con la mina y el hotel, sin importarles nada más.

La constante aparición del anterior comisario, al que un joven policía con características que nos hacen sospechar que puede ser un asesino serial en ciernes, es devoto y siempre cuestiona lo que hace Trela comparándolo con el viejo policía local, tratando de averiguar cómo va la investigación, el joven policía pueblerino solo actuara en favor de Trela cuando este es sustituido por una nueva comisaria que coludida con el alcalde decide dar carpetazo al caso, en un clásico ejemplo de miedo al cambio. Otro personaje es un pastor que dirige una secta que vende a los seguidores botellas de agua bendita adulterada con anfetaminas y que resguarda la parte vergonzante de la familia del alcalde y a una idiota violenta llamada Dorota (Paulina Galazka) que pasea por el pueblo y parece ser la principal testigo de los crímenes. El impostor de clérigo maneja una granja en la que sus seguidores producen diferentes alimentos. La madre de la primera víctima es una fanática de la secta que se volcó de lleno a la religión y bebe el agua bendita a diario.

La absurda manera de deshacerse de los restos óseos y artefactos Nazi, incita a uno de los camioneros a la venta clandestina de los objetos de los alemanes y su hijo descubre los planos para un arma secreta que pueden ser muy valiosos de estar completos, el tiene una parte de los papeles y otra es descubierta por el pastor en la casa de la madre de la primera víctima.

También está presente en la serie el catolicismo ferviente de ciertos sectores de la sociedad polaca, la muerte del viejo pastor del pueblo y la llegada de otro forastero para sustituirlo deja uno de los hilos narrativos más importantes para una segunda temporada.

Finalmente, la historia de Nina Trela es una trama alterna que se une al final a la trama principal. Nina, es una adolescente que entra en la preparatoria del pueblo donde se hace amiga de la sociópata hija del alcalde Agatha Paszke (Helena Englert) que participa en peleas clandestinas y que es la clásica junior consciente del poder de su padre y gozando de la protección de él, como lo ha hecho otro hijo del alcalde que vive en la granja. Nina descubre su homosexualidad y se enamora de Agatha quien al descubrir la orientación sexual de Nina reacciona de manera violenta a la confesión de la hija del comisario.

A lo largo de ocho capítulos de la primera temporada, la serie como la vida en el pueblo tiene un ritmo lento, previsible en muchos puntos y los escritores se notan más preocupados crear hilos verosímiles o no para una segunda temporada. Algunos de los personajes y situaciones son a mi gusto totalmente gratuitas y no aportan nada a la serie. Al final no sabemos que pasara con los planos de la nave/arma, ni con las tendencias sociópatas de Agatha, mientras Nina despechada camina por la carretera antes de ser secuestrada y en lugar de solucionar algo, los guionistas y el productor deciden llevarnos a una especie de callejón sin salida al plantear una situación que en principio parece ilógica y que se vuelve frustrante porque no tiene solución hasta la siguiente temporada.

La serie polaca de lento desarrollo engancha poco a poco al espectador, para finalmente hacernos gritar… de enojo. Sigo creyendo que existen muchas series que si se quedaran en miniseries serían perfectas.

AXN estrenó ya la segunda temporada de Símbolos en Europa, por lo que será el año que entra cuando la estrene Netflix.

publicado en roastbrief.com.mx el 17 de agosto a 2020

imagen: AXN

Kapla: Gnomos, castillos y planchas de pino.

 

Muchos son los juguetes de construcción. Este fue creado con la idea ayudar al inventor a construir su propio castillo.

Armando Enríquez Vázquez

Tom van den Bruggen nació en 1945 en Holanda. Desde su adolescencia idealizó a un grupo de tertulianos y artistas que en siglo XVII se reunían en el castillo de Miuderslot al norte de Holanda y a los que la historia holandesa llama Miuderkring. Lo que llevó a van den Bruggen desde esa temprana edad a querer vivir en un castillo.

Al cumplir 25 años van den Bruggen encontró una antigua granja abandonada en Francia, cerca del río Tarn, rápidamente Tom pensó en convertir el lugar en el castillo anhelado, y conforme a lo que él mismo cuenta, después de vender sus propiedades en Holanda, compró la granja y durante los siguientes 16 años llevó una vida frugal, sin lujos. Tom y su esposa se adaptaron a esta nueva forma de vida rústica; sin electricidad, ni plomeria en la propiedad. Poco a poco van der Bruggen fue restaurando la propiedad, haciendo las adecuaciones necesarias para convertirla en un castillo. Para subsistir Tom primero ofreció sus servicios para reparar las casas de los vecinos y habitantes de la región de Averyon donde se encontraba la propiedad. Después se convirtió en agente de bienes raíces y cuando la compra venta de propiedades se desplomó en Francia comenzó a reparar pianos. Pero en el inter, imaginando los cambios necesarios para construir el edificio de sus sueños, decidió visualizar sus ideas a través de una serie de pequeñas tablas de madera de pino que él mismo creó con una proporción de 1:3:15 (1 de ancho, 3 de ancho y 15 de largo) lo que le permitió formar estructuras fuertes, por un lado, pero también podía detallar pisos y marcos para puertas y ventanas.

Las ventajas que el creador de las tablas ve sobre otros juguetes del sector es que con Kapla no se necesitan piezas de unión o que exista una diferencia en las piezas para acoplarse.

Durante la década de los 80, Tom jugaba con las placas de madera hasta que decidió sacar a la venta su invención a la que nombró Kapla, que es una contracción de Kabouter Plankjes, que en holandés significa Placas de Gnomo. En 1987 salieron a la venta las primeras cajas de las placas, pero como el mismo Tom van den Bruggen reconoce, en un inició el juguete no llamó la atención por lo que van den Bruggen tomó la iniciativa de ir a un supermercado a jugar con él. Comenzó a vender las cajas con las placas y además en ese contacto directo con el consumidor Tom se dio cuenta de que uno de cada tres compradores eran personas dedicadas a la educación básica. Esto lo situó en un mercado muy específico y de pronto su gran promotor fue el ministerio de educación francés que lo calificó de un juguete altamente educativo. Uno de los grandes espaldarazos al juguete vino del parte del mismo gobierno de Francia que compró 300 cajas de Kapla para regalar a sus empleados durante la navidad. En la actualidad Kapla vende más de 350,000 cajas de placas al año alrededor del mundo.

La materia prima de los bloques de Kapla proviene de un vivero dedicado a plantar pinos de una manera sustentable en la zona llamada Bosque de las Landas en la región sur occidental de Francia llamada Nueva Aquitania y que es uno de los bosques de mayor tamaño en el mundo creado por el hombre.

Kapla como otros juguetes para llevar a cabo construcciones tiene una serie de fanáticos dedicados a construir enormes ideas con las placas, replicando construcciones famosas y en 2016 en la ciudad francesa de Lyon. Kapla construyó lo que oficialmente es para el libro Guiness de récords la torre de bloques de construcción de juguete más alta con 18.40m de altura, en ella se utilizaron 9,834 bloques de Kapla y su construcción se llevó a cabo en 16 horas. Además, en el sitio de la marca se pueden observar reproducciones de los canales Amsterdam con sus casas que son increíbles.

En un principio las placas de Kapla no sólo eran idénticas, si no que además eran del color natural de la madera, hoy se venden además en 10 diferentes colores.  

El logo es sencillo y simple la palabra Kapla en negro, en mayúsculas, en una tipografía segmentada.

publicado en thepoint.com.mx el 15 de diciembre de 2020

imagen kapla.com

Paraguas que se vuelven gorriones.

Vale como siempre la advertencia; este texto contiene spoilers, si no has visto la serie y te disgusta que te cuenten lo que pasa. ve primero la serie, después lee el texto y espero tus comentarios.

Armando Enríquez Vázquez

Tristemente la segunda temporada de The Umbrella Academy la producción de Netflix de la novela gráfica de Gerard Way, resulta pan con lo mismo y no difiere mucho de varias decenas de series similares. Como muchas otras historias y narrativas, la serie se recrea en líneas del tiempo alternas y son las diferencias de esas nuevas líneas de tiempo al afectar la cotidianidad las que crean nuevas aventuras de los protagonistas, lo que casi siempre ayuda a olvidar hilos narrativos que parecían haber quedado sueltos en la temporada anterior.

En el caso The Umbrella Academy lo que persiste es la importancia que tienen por lo menos para 5 (Aidan Gallaher) los lazos familiares y que finalmente parecen tener una y otra vez consecuencias catastróficas para la familia Hargreeves y el mundo. Así al inicio de la segunda temporada y después de haber salvado a su familia del apocalipsis sin haberlo impedido que fue donde nos quedamos el año pasado, el salto en el tiempo resulta un salto que termina mucho más atrás en la línea del tiempo, de lo que a 5 le hubiera gustado, pero además los diferentes miembros de la Academia, llegan a Dallas en diferentes momentos en el tiempo. EL lapso de tiempo de llegada de los siete protagonistas se da en un intervalo de tres años de 1960 a 1963. El último en llegar a la ciudad texana es 5 que descubre una vez más que el apocalipsis esta por ocurrir y acabar con la familia y con el mundo, Hazel (Cameron Britton) quien también ha llegado hasta el momento del apocalipsis le entrega a 5 un maletín para transportarse y sin que el adolescente se de cuenta le deja una cinta de 16mm en la que se revela la presencia de Reginald Hargreeves (Colm Feore), el padre adoptivo de los miembros de la Academia, durante el atentado que costó la vida al presidente de Estados Unidos John F. Kennedy.

5 tiene que regresar unos días atrás para encontrar a los miembros de la Academia y tratar de advertirles y unirlos para impedir el fin del mundo. La segunda temporada tiene nuevos personajes; Lila (Ritu Arya) una supuesta enferma mental que se encuentra recluida en el mismo hospital psiquiátrico que Diego (David Castañeda), al que por sus acciones extremadamente violentas y su obsesión por salvar Kennedy se le ha recluido en ese hospital. Los Suecos, tres asesinos de esa nacionalidad que han sido enviados por La Comisión para matar a los miembros de la Academia y Elliot (Kevin Rankin) un nerd que ha documentado la llegada de cada uno de los Hargreeves a Dallas y que piensa que son extraterrestres, en un guiño a ET. La Operadora (Kate Walsh) planeara cómo acabar con la Academia y consumar su venganza contra 5.

De la misma forma que otras series, la segunda temporada parece ser sólo el preámbulo para la tercera temporada donde la consecuencia de la creación de una nueva línea de tiempo y una nueva historia donde los seis miembros de The Umbrella Academy habrán de enfrentar a la Academia del Gorrión creada por el mismo Reginald Hargreeves y de la que no conocemos aún a todos los integrantes, aunque sabemos que Ben está vivo y podemos pensar que la versión mayor edad de 5 es parte de esta otra Academia.

La situación que cada uno de los miembros de la familia enfrenta en la racista Texas de los años sesenta, pone a cada uno de los miembros de la Academia en un lugar especial que en teoría podría hacerlos madurar pero, tiene que sólo demuestra que son los mismos niños egoístas de siempre y aunque al final descubren la fuerza del amor fraternal y tal vez ese sea uno de los subtemas de la siguiente temporada una vez que al regresar, o al creer hacerlo, los miembros de la Academia se enfrentan con que su padre no ha muerto y que este ha entrenado a un grupo diferente.

Las líneas argumentales de Vanya (Ellen Page) siempre con cara de mártir de estampita católica y siempre la razón y causa de la destrucción del mundo, Allison (Emmy raver-Lampman) y Luther (Tom Hopper) son solo rellenos en la acción principal, aunque cumplen con dos funciones de la producción incluyente que caracteriza a Netflix.

Sin demerito del personaje de Klaus (Robert Sheehan) que es un muy buen personaje y está muy bien actuado, la serie se la lleva sin duda alguna Gallagher que desde la primera temporada resalta con su personaje de un viejo encerrado en el cuerpo de un adolescente, y solo basta ver al joven actor en la secuencia del bar de Dallas cuando enfrenta a su versión adulta para ver como es mucho más creíble su actuación que la del actor que lo interpreta como viejo. La secuencia en la que 5 asesina a toda la directiva de La Comisión es sin duda la mejor de toda la segunda temporada; la puesta en escena, la puesta en cámara, el guion, la edición y sobre todo la actuación de Gallagher son impecables y sin duda es una de las mejores secuencias de acción del 2020.

Otra de las cosas que se agradece de la serie es el cada vez menos sentido del humor negro con el que se visten algunas secuencias, porque con todos los lugares comunes y las acciones predecibles una risa donde no lo esperábamos le da vida a la temporada. The Umbrella Academy, está muy lejos de ser una de las mejores series de este año, pero como sucede en otras series con personajes sólidos, se puede esperar una tercera temporada que mejore esta triste segunda, por lo que no está de más verla.

publicado en roastbrief.com.mx el 11 de agosto de 2020

imagen: Netflix 

Yupo papel sin árboles

 

Los esfuerzos por crear soluciones al uso de celulosa de los árboles para crear diferentes tipos de papel no iniciaron ayer y este corporativo japonés cumplió 50 años de existir.

Armando Enríquez Vázquez.

Japón es un archipiélago en el que debido al desproporcionado crecimiento poblacional muchos recursos naturales renovables y no renovables se han ido acabando. A pesar de esa escasez Japón es uno de los países más industrializados del mundo con números de exportación importantes. Para la elaboración de muchos de sus productos depende de la materia prima de otras naciones.

Uno de estos recursos que se ha terminado en Japón son los bosques, en aras de la construcción de vivienda. Curiosamente Japón es uno de los principales productores de papel del mundo y tal vez por esa necesidad ciertos empresarios japoneses se plantearon desde la década de los años cincuenta del siglo XX investigar y desarrollar un proceso industrial eficiente para crear un papel sintético.

 En mayo de 1969 se creó el Instituto Oji Yuka para la nvestigación de papel sintético previendo la esperada demanda futura de papel. Existían al menos dos materiales con los que se estaba intentando crear el anhelado papel sintético; estireno y polipropileno. Un año después se creó gracias a una participación del 50% en el capital de Mitsubishi Petroquímica y 0tro 50% de Oji Paper una empresa llamada en un principio Oji Yuka Synthethic Paper Co. Ltd.

El resultado final fue un papel de polipropileno que se caracteriza por una superficie porosa que permitió una mayor resistencia, mayor elasticidad, la blancura ideal del papel y mejor posibilidad para la impresión. Oji Yuka obtuvo patentes alrededor del mundo para el desarrollo y fabricación de su invento.

En 1971 se decidió llamar a la marca de papel de la empresa Yupo, la idea del nombre resultó de un concurso entre los empleados de la empresa, el nombre ganador es una combinación de P de paper, YU tomado del Yuko de Mistubishi Yuko, brazo del gigante japonés dedicado a la petroquímica y O de Oji Paper. Con el tiempo ese nombre fue adoptado por la empresa. Ese fue el año en que la primera planta productora de papel sintético del grupo fue inaugurada en la ciudad portuaria de Kashima, donde aun se encuentra la sede principal de Yupo Corporation.

El logo por su parte tiene un simbolismo enorme. Dos círculos uno anaranjado y otro negro, el primero sólido, el segundo solo el perímetro, ambos trazados a mano. De acuerdo con el sitio de Yupo el de color naranja simboliza el sol y el negro el universo el trazo manual de los dos significa el lado y optimismo humano que personifican a la empresa.

Los primeros clientes de la empresa solicitaron bolsas de compra y calcomanías. Pronto comenzó la demanda de papel para mapas y portadas de carpetas y libros. Desafortunadamente la idea de utilizar el derivado de un hidrocarburo rápidamente mostró no ser la mejor idea cuando una crisis en los precios de petróleo en 1973 provocó un aumento en el precio de la materia prima y por consiguiente del papel elaborado por Yupo, lo que llevó a la cancelación de pedidos que pusieron en peligro de quiebra a la empresa, la visión y cambio en la manera de promover su producto, separándolo de la palabra papel, para mejor comercializar un nuevo material resistente y con características que permitían imprimir en él, se volvieron esenciales para la venta del producto y mostrarlo como una innovación y no como un sustituto. Otras características del papel de Yupo son; ser impermeable, es fácil de limpiar y flota en el agua. Algunos de los papeles de Yupo están hechos para poder escribir con plumones en base de aceite e incluso con lápices de grafito.  

En 1996 Yupo creó su filial en Estados Unidos y en 1998 inició la producción de papel sintético en su fábrica de Chesapeake, en el estado de Virginia.

En 2001 cambió el nombre al de Yupo Corporation.

Con el paso de los años Yupo volvió a posicionarse como un papel sintético, una solución ecológica a una demanda que no se limita a periódicos, libros y revistas. Sino a envoltura, decoración, etiquetas, material para artistas. Algunos artistas gráficos son patrocinados por Yupo y cómo en el caso de otros y diversos productos y marcas, estos se convierten en embajadores y portavoces de la marca. La pintora Taylor Ikin es una cara visible de Yupo.

Las proyecciones económicas auguran un aumento significativo del papel sintético a lo largo de la década actual. Yupo, después de 50 años, es la principal empresa del sector a nivel mundial y tiene alrededor de un 70% del mercado mundial.

publicado en thepoint.com.mx el 16 de noviembre de 2020

Imagenes Yupo Corporation

Ventas ilegales por Internet.

 Llegó a Netflix la segunda temporada de la muy atractiva serie Como vender drogas de manera rápida por Internet.

Armando Enríquez Vázquez

Llegó a Netflix la segunda temporada de la muy atractiva serie Como vender drogas de manera rápida por Internet. Una serie alemana basada sin duda en la historia real de La Ruta de Seda y la Darknet, pero con aire de comedia negra y sin que al productor o los guionistas se les haya ocurrido, gracias por ello, añadir la trillada y fútil frase: basada en hechos reales que tanto acostumbran otros productores falaces y melodramáticos.

La historia trata de un par de adolescentes nerds, dedicados a la computación y a las consolas de juegos y cómo el despecho de uno de ellos los lleva a intentar un negocio que los vuelva millonarios de manea rápida; vender anfetaminas a través de Internet.

El protagonista Moritz Zimmermann (Maximilian Mundt) quién en la primera temporada sufre el rompimiento con la chica de su vida, Lisa (Lisa Klenke) cuando ella regresa de un viaje de un año en Estados Unidos y se da cuenta de que nada ha cambiado en el pueblo en que habitan. Moritz quiere cambiar lo que lo lleva a demostrar lo que puede hacer y asi entra en el negocio ilegal de la venta de drogas. Al inicio de esta segunda temporada Moritz viaja a Holanda con la idea, o no, de avisar a la cabeza de la empresa criminal que lo financia y provee de las anfetaminas que ha decidido dejar el negocio. Sus amigos y colaboradores Lenny (Danilo Kamber) y Daniel (Damian Hardung) esperan el fin del negocio puesto que han alcanzado la meta de ganar un millón de euros. Pero para suerte de todos la ambición y el ego de Moritz lo hacen aceptar seguir con el negocio y crecerlo.

Moritz ha regresado con Lisa, pero no le ha confesado su negocio, mientas que Lenny que ha decidido conocer físicamente a la chica en Internet, a la que sólo conoce por su nombre digital xKira7 (Lena Urzendowsky) de la que se enamora y a la que sin problema le abre su corazón y el secreto del negocio que con Moritz y Daniel tiene, además tiene un problema las fotos que le ha enviado a xKira7 son de Daniel, el galán de la escuela. Por su parte Daniel empieza a reconocer y desarrollar sus ideas como entrepreneur frente a la envidia y la cerrazón de Moritz que pretende continuar siendo el director de la asociación a partir de una actitud autoritaria, déspota e irracional.

Presentada como una serie de preparatorianos con las clásicas situaciones de iniciaciones sexuales, incertidumbres de la edad, maduración, enamoramientos, rechazo y rebelión frente al mundo de los adultos, así como finalmente tratar de encajar y entender el mundo al que pertenecen, Como vender drogas de manera rápida por Internet es además una reflexión seca, sin adjetivos, acerca de la sociedad de la segunda década del siglo XX, de como en la democracia utópica que es el Internet podría radicar también una solución al narcotráfico y a la brutalidad que los cárteles del crimen organizado a nivel internacional y el impacto y consecuencias sociales que estos representan, así como a su contraparte lo represivos cuerpos policiacos.

Para mostrarnos que vivimos en los tiempos de la modernidad líquida de la que habla Bauman, están las situaciones y personajes de la serie; La hermana de Moritz, Marie (Jolina Amely Trinks) es menor que el pero ya es una estrella de Internet. La madre ausente que en busca de su empoderamiento ha decidido abandonar a la familia en lo que claramente esa crisis de edad que sufren muchas mujeres mayores de treinta y cinco años, como se atribuía antes sólo a los hombres. La enfermedad de Lenny que lo hará morir joven, parece ser tratable por un médico norteamericano que Lenny encuentra en Internet y que puede intentar curarlo gracias a que Lenny tiene el dinero por el negocio al que se dedican. 

Los seis episodios que componen la segunda temporada se centran en el negocio directamente. En la idea de Moritz de crecerlo, una vez más, como autoafirmación de sus inseguridades. La traición de Moritz a Lenny, una vez más, y Daniel. Los secretos con los que se maneja al interior de su relación con Lisa. En la secrecía que mantiene al interior su casa familiar su padre Jens Zimmermann (Roland Riebeling) un mediocre policía.

Hoy en días de confinamiento y donde muchas de nuestras costumbres y hábitos se han convertido en actividades virtuales, los cuestionamientos surgidos de la trama de la serie que a pesar de estar como ya mencione basada de manera muy libre en el caso de La Ruta de Seda, nos obliga a cuestionar las frágiles certezas de la realidad contra las incuestionables fortalezas que ofrecen los sistemas virtuales de negocio, educación, contratación de servicios de todo tipo con seguridad y sin los riesgos que ofrecen negocios como las transacciones personales. Como vender drogas de manera rápida en Internet es un retrato de la llama generación zeta y de su carácter hedonista y egoísta. Una generación que como el mismo Moritz critica en el primer capítulo de la serie es privilegiada por tener gran parte del conocimiento generado por la humanidad en siglos en el bolsillo de su pantalón y que es tan banal que desprecia lo que en otras épocas de la humanidad era anhelado por muchos.

La serie como muchas otras series alemanas tiene diversas capas de lectura que la hacen interesante, sobre todo porque la más superficial de ellas es muy entretenida.

publicado en roastbrief.com.mx el 4 de agosto de 2020

imagen Netflix

Lorena la de los pies ligeros, estrella nacional.

Lorena vive inmersa en la soledad y majestuosidad de la Sierra Tarahumara, en su natal Ciénega de Norogachi en Guachochi un municipio de Chihuahua y corre ultramaratones por el mundo.

Armando Enríquez Vázquez

Buscando entre la enorme y la gran mayoría de ocasiones poco atractiva oferta de las plataformas con contenidos de entretenimiento me tope con verdadero diamante producido por Netflix y dirigido por el documentalista mexicano Juan Carlos Rulfo, que se estrenó en noviembre del año pasado. En una época en que nos perdemos en contenidos deportivos muy engañosos y sesgados como las biografías de las grandes estrellas del deporte internacional y que a veces pecan abusar en el chisme y el escándalo, más que centrarse en los logros y características técnicas y físicas que hicieron a estas figuras lo que son. Sus consejos de crear estrategias y métodos personales, métodos que los disciplinaron para ser quienes son dentro de su deporte o en el imaginario popular y que además pretenden ser etiquetados como documentales son obviados por contenidos más frívolos, ante esa oferta el trabajo de Rulfo resalta por mil y un razones.

La primera de ellas es porque retrata de una manera veraz y muy sencilla una deportista poco convencional, una mujer de una ingenuidad, soledad, fuerza y sobre todo disciplina férrea que ya quisieran todos los mediocres futbolistas de este, nuestro país de pan y circo. La segunda por la fuerza narrativa con las que Juan Carlos Rulfo nos deja penetrar en la medida de lo posible en el universo particular y cerrado de Lorena, la protagonista, la cámara en close up que con su silencio nos dice más sobre la mujer, que cualquier narración o respuesta que pudiera tener el documental. Lorena es una muy joven mujer raramuri (tarahumara) dedicada a correr ultramaratones al interior de la imponente Sierra Madre Occidental en su parte del estado de Chihuahua, que da título al documental de Rulfo: Lorena la de los pies ligeros.

Lorena de 22 años, en el momento de la filmación, hoy de 25, vive inmersa en la soledad y majestuosidad de la Sierra Tarahumara, en su natal Ciénega de Norogachi en Guachochi un municipio al suroeste del estado. El nucleó social de Lorena se reduce a su familia cercana, padre, madre y hermanos pues como el padre dice los vecinos más cercanos están muy lejos. Lorena corre y corre lo que se llaman ultramaratones, corre distancias mayores a los 42.5 Km de una maratón en una sola carrera y por lo general y de acuerdo con sus tradiciones corre con falda y siempre con sus zapatos de diario. Una especie de sandalias y zapato muy sencillo.

Ha corrido la maratón de la Ciudad de México, pero ha participado en estas largas carreras también en España y Japón. Lorena es reconocida a nivel internacional y desconocida, como siempre, en nuestro país.

Los paisajes con los que inicia el documental contrastan con los cuatro meses de confinamiento y nos recuerda en una reflexión alterna la grandeza y belleza de México que todos los gobiernos desde hace treinta años han ido cediendo a los grupos del crimen organizado, mientras que las secretarias turismo, economía y los gobiernos de los estados han olvidado hacer su trabajo. Pero las reflexiones realmente importantes de un trabajo como el Juan Carlos Rulfo son como siempre la manera en que discriminamos a los pueblos originarios de nuestro país, a sus representantes, sobre todo a sus mujeres y como los organismos y federaciones deportivas que son verdaderos elefantes blancos que le cuestan al país y no promueven no forman deportistas, junto con la grandeza de espíritu y alma que nada tienen que ver con el dinero o el poder o esa estupidez tan humana a la que se hadado por llamar raza.

Reflexión aparte es también que cuando los reflectores van a una mujer como Yalitzia, las redes se polarizan, pero los whitexicans no pueden opacar ni sus triunfos, ni su valía y no quiero parecer parte de estos, pero Yalitzia tuvo los reflectores desde que Cuarón la seleccionó, sin embargo, nadie reparó en la portada y el reportaje que Vogue le dio a Lorena el pasado mes de noviembre y la trascendencia de esta atleta de alto rendimiento de nuestro país que tiene como se ve en el documental un pequeño cuarto lleno de sus preseas, algunas de las cuales desde su humildad de espíritu ni siquiera recuerda donde las ganó.

Una de las grandes secuencias del documental de Juan Carlos Rulfo es cuando le regalan a Lorena unos tenis Nike para correr, ella abre la caja con una sonrisa y después reflexiona acerca de cómo nunca los va a usar porque la gente contra la que compite usa ese tipo de calzado y no le pueden ganar.

En otro momento Lorena cuenta con esa voz que es un hilo de timidez, su hermano la compara en una secuencia con un venado, como hoy todos quieren tomarse fotos con ella, concluyendo con: Yo sé que un día nadie querrá tomarse una foto conmigo, y no lo dice con dolor, ni tristeza lo hace con esa certeza de que la vida y todos sus eventos son efímeros, con una sabiduría y convicción de la que carecemos la mayoría de los seres humanos.

Lorena la de los pies ligeros, es un diamante de muchos kilates entre la producción nacional e internacional, es un documental concreto que celebra, antes que nada, en el tiempo necesario, la corta vida de esta mujer raramuri con la que nadie se querrá tomar una foto en unos años, pero de la que Juan Carlos Rulfo ha dejado el testimonio de su grandeza.  

publicado en roastbrief.com.mx el19 de julio de 2020

imagen Netflix.

Un juego de caballeros que conquistó el mundo.

 

La más reciente producción de Julian Fellowes vuelve a contar una historia de aristócratas y proletarios, Un juego de caballeros, cuenta la historia del nacimiento del futbol profesional.

Armando Enríquez Vázquez

El nombre de Julian Fellowes está asociado a algunas de los mejores melodramas de cine y serie de este siglo acerca de la Inglaterra socialmente rígida y de los dos mundos que se movían en esa sociedad inglesa que era tan marcada y clasista a finales del siglo XIX y principios del XX.

Gosford Park la cinta de 2001 dirigida por Robert Altman sobre un fin de semana en una enorme casa inglesa donde se comete un crimen en la tradición de los Whodonit, La reina joven, sobre la reina Victoria, son dos ejemplos de exitosas películas en las que Fellowes participó como guionista y en materia de las series de televisión Fellowes es el creador de Downton Abbey , sin duda una de las más exitosas series de la década.

En una de sus más recientes producciones Fellowes vuelve a contar una historia de aristócratas y proletarios, en la serie de Netflix Un juego de caballeros, The English Game en inglés, pero esta vez para contar la historia del nacimiento del futbol profesional.

Un juego de caballeros cuenta como el futbol cambio de manos. De ser el juego de un grupo de universitarios privilegiados de Inglaterra a pasar a ser un deporte popular capaz de encender pasiones entre los aficionados y generar dinero. Es la historia de cómo un divertimento snob, juvenil y privado comenzó a cambiar, inició convirtiéndose en algo importante para las clases trabajadores. Es la historia de la vulgarización del deporte, sin que esto sea peyorativo, si no volverse en algo público, un negocio, es una serie que habla de la evolución y profesionalización del deporte. Aquellos que se sentían arrogantemente dueños y fundadores del juego, fueron desplazados por ambiciosos y pragmáticos empresarios. El honor desplazado por el valor de la taquilla. El espectáculo antes que la competencia sana.

La historia esta construida a partir de dos personajes clave en la historia del deporte: Arthur Kinnaird (Edward Holcroft) y Fergus Suter (Kevin Guthrie). El primero un banquero, graduado en Eaton apasionado por el deporte que se jugaba de manera correcta y noble en las universidades de Inglaterra, campeón y miembro del equipo Old Etonians el equipo de la Universidad de Eton y de acuerdo con los historiadores del futbol la primera superestrella del deporte. Old Etonians fue el último campeón con jugadores amateurs en el futbol inglés. Suter por su parte, fue un albañil escocés, aunque en la serie su profesión es un obrero textil. Suter fue uno de los primeros, para algunos historiadores el primer jugador profesional del futbol inglés y jugó por una paga para diferentes equipos; Patrick, Darwen y Blackburn en la serie. La rivalidad entre ambos personajes es el enfrentamiento entre un mundo de tradiciones y reglas idealistas que muere y aquel que esta por nacer como consecuencia de la revolución industrial.

Como un buen melodrama la historia se desenvuelve con un grupo de pillos aristócratas que son el resto de los miembros de los Old Etonians y al mismo tiempo son quienes dirigen la asociación del futbol inglés y uno buenos tan buenos que hasta obreros son.

Paralelo a la trama del surgimiento del futbol como el deporte del pueblo inglés y la profesionalización y especialización de empresarios del deporte y deportistas, cada personaje tiene un drama personal, una familia con lidiar. Así Arthur Kinnaird tiene que luchar la desaprobación de su padre por el futbol y de su misma esposa, mientras que Suter esconde un secreto de su vida familiar que prefiere dejar en Glasgow junto con pasado del que prefiere guardar silencio. Aun así ese pasado habrá de regresar para obligarlo a enfrentarse a él.

Si bien la mujer de Kinnaird, Alma (Charlotte Hope) vive apesadumbrada por el aborto de su primer hijo, la mujer a la que pretende Suter; Martha Almond (Niamh Walsh) es una mujer soltera que está marcada socialmente por ser una madre soltera. Ambas mujeres de espíritus fuerte son la contraparte de sus hombres, pero no por eso débiles o apocadas.

La amistad en Un juego de caballeros tiene ese tinte de melodrama de Ismael Rodríguez; por un lado, el precio de la terquedad y ambición de Suter la paga su amigo inseparable Jimmy Love (James Harkness), cuando en un encuentro le rompen la pierna de una patada lo que le imposibilita volver a jugar. Entre Love y Suter la amistad está por encima de todo como en todo el pueblo. Mientras que, por el otro, los amigos de Arthur Francis encabezados por Francis Marindin (Daniel Ings) y Alfred Lyttelton (Henry Lloyd-Hughes) prefieren darle la espalda a Arthur y proteger sus privilegios de clase y de supuestos dueños del juego.

 Un juego de caballeros es más que un simple pretexto para reflexionar en la evolución de muchos deportes populares en la actualidad que iniciaron como un divertimento, también nos habla de aquellos que vieron diferentes negocios alrededor del deporte, los que construyeron los estadios y las tribunas, como también con el personaje de Ted Stokes (Joncie Elmore) el visionario emprendedor que comienza a diseñar y crear los jerseys de los equipos.

Basada en la historia y sus personajes Un juego de caballeros es una serie interesante, muy bien escrita la serie nos pinta desde un punto de vista dramático el nacimiento del deporte más popular actualmente en el mundo. 

publicado en roastbrief.com.mx el 13 de julio de 2020

imagen Netflix

La cabeza del alce emblema y orgullo canadiense.

 

De las antiguas cervecerías que se crearon en Canadá, solamente esta permanece independiente después de más 150 años de historia.

Armando Enríquez Vázquez.

En muchos países la industria cervecera local va desapareciendo ante la voracidad de los grandes corporativos internacionales, muchas grandes marcas clásicas han sido adquiridas por estas enormes empresas cerveceras, lo que de alguna manera afecta en la identidad del producto y el orgullo del consumidor local. Hoy sobreviven etiquetas y marcas, no estoy tan seguro que el sabor y personalidad de la bebida lo haga.

Son pocas las cervezas nacionales han sobrevivido a la ambición del duopolio, esta es la historia de una de estas sobrevivientes.

La historia inicia en la bahía de Halifax en Canadá con la llegada en 1862 de John Oland, un inglés que como muchos se embarcó a América buscando nuevas oportunidades para él y su familia. Tres años después de la llegada de John atracaron en el puerto de la colonia inglesa su mujer Susannah y los nueve hijos del matrimonio, a pesar de todo lo que la familia esperaba, la situación económica no mejoró de manera sustancial en Nueva Escocia, por lo que Susannah comenzó a fabricar cerveza casera para ayudar a la economía familiar. En esa época los Oland vivían en el poblado de Dartmouth cercano a Halifax en Nueva Escocia. La cerveza producida por Oland era del tipo llamado Brown Ale. Rápidamente la cerveza de Susannah Oland cobró popularidad, un militar amigo de la familia decidió junto con otras dos personas invertir en la cerveza y convencieron a Susannah para crecer la producción de su cerveza.

De esta manera el 1º de octubre de 1867 se inauguró la Turtle Grove Brewery, aunque en la documentación se menciona a John como el director de la planta, era Susannah la encargada de toda la operación. Gracias a los contactos de uno de los socios económicos, la cervecería creció rápidamente y se colocó en el tercer lugar entre las cerveceras del área de Halifax. 1870 fue un año de cambios; John murió en un accidente, y los socios de la cervecería por diferentes razones se vieron obligados a cambiar su residencia, por lo que decidieron vender sus acciones a un miembro de la competencia de apellido Fraser, quien decidió cambiar el nombre de la cervecería por el de Army & Navy Brewery. En 1877, un golpe en la fortuna de Susannah la convirtió junto con sus hijos en dueña de la cervecería cuando gracias a una herencia pudo comprar su parte a Fraser. La compañía volvió a cambiar de nombre por el S. Oland, Sons & Co. La cervecería sufrió su primer incendio en 1878, la parte central del edificio fue consumido por las llamas, pero lejos de rendisrse, de acuerdo con el sitio oficial de la cerveza, Susannah reconstruyo su fabrica y la hizo más grande que la original que devastó el incendio.  

Susannah Oland murió en 1885 y fue sustituida por el menor de sus hijos George W.C. Oland quien fue ayudado por su hermano John. En 1893, durante una crisis económica y las presiones de los grupos religiosos intolerantes contra la bebida, la empresa se vio en problemas, los hermanos vendieron la cervecería a una poderosa empresa cervecera manejada por sindicatos ingleses, los hermanos Oland permanecieron en la gerencia de la nueva empresa y George Oland finalmente después de un par de años renuncio al no sentir la libertad que tenía con anterioridad. Tras abandonar la empresa e intentar diferentes negocios, George Oland regresó a Halifax y compró una cervecería con la que creó su propia Oland and Son en 1909, recuperando la tradición familiar. Poco después compró otra cervecería en la ciudad de Saint John en la provincia canadiense de New Brunswick. En 1917 una explosión producida por un accidente naval, la cervecería de Halifax quedó destruida, la operación se centró entonces en la planta de Saint John que sigue siendo la sede de Moosehead.

Durante los años de la prohibición en Estados Unidos, que se impuso también en Canadá la cervecería de los Oland sufrió las consecuencias, durante esos años se dedicaron a fabricar refrescos y una cerveza que hoy llamaríamos Light, que entraba en los limites de lo legal. Por debajo del agua la cervecería vendió cerveza normal a diferentes bares, lo que le costo una multa, pero fue lo que ayudó a la empresa a sobrevivir durante la difícil época.

En 1928, los Oland compraron una antigua cervecería que era un icono de Saint John; James Ready Brewery, una vez efectuada la compra, George Bauld Oland uno de los hijos George que estaba a cargo de la planta de Saint John, desde antes de que desapareciera la fábrica de Halifax por la explosión, se dedicó a inspeccionar todos los papeles que se encontraban en la antigua compañía. En uno de esos papeles se encontró con una antigua cerveza llamada Moosehead. George entonces valoró el nombre, la importancia y elegancia del Alce y decidió llamar a una de las cervezas con ese nombre.

Su hermano Alexander Keith quien estaba a cargo de la cervecería de Halifax nunca sintió afecto por George, y a la muerte del padre, los hermanos decidieron dividir la empresa. Una en Halifax y la otra en Saint John.

En 1947, el mismo George Bauld Oland decidió cambiar el nombre de la empresa por el de Moosehead Brewery Co. La empresa dirigida por Alexander Keith y sus descendientes desapareció en la década de los 70 del siglo pasado cuando la empresa fue vendida a la cervecera Labbat, en esa época una de las grandes cerveceras canadienses que hoy pertenece a ABinBEV.

Diez años antes, en 1937, el hijo de George Bauld, Philip, aprovechando unas vacaciones de su padre decidió cambiar la receta de la cerveza y por primera vez la cervecería de los Oland produjo una cerveza del tipo Ale a la que llamaron Alpine.

Fue en los años setenta cuando Moosehead decidió atacar el mercado norteamericano y para ello empezó a embotellar su cerveza en una botella de color verde para diferenciar de su competencia.   

Uno de los slogans más conocidos de la marca es: The Moose is Loose, que en español se traduce como: El alce está suelto o libre fue el grito de guerra de la expansión y se puso de moda en esa época en que la cerveza comenzó a venderse fuera de Canadá.

Con más de 150 años de existir y seis generaciones de Oland a cargo de la empresa, Moosehead no sólo es la única cervecera familiar de Canadá, a la fecha es la única 100% canadiense que se mantiene en la tierra de la hoja de arce y el alce.

imagenes; moosehead.ca

El final es el principio y viceversa, el origen es diferente.

Como siempre la advertencia, el texto esta lleno de spoilers, lo recomendable es ver la serie primero, no tiene desperdicio y después los invitó a leer el texto y compartir sus ideas.

Amando Enríquez Vázquez

Dark, la extraordinaria serie alemana de Netflix, llegó al origen de la tragedia y al final de la serie de una manera magistral.

Compleja y sin autocomplacencias, Dark mantuvo la lógica fría y dura de la propuesta inicial. De la misma manera que los personajes trataban a través de siglos de un eterno retorno de acabar con una historia que destruía no solo familias y relaciones, si no el tejido del tiempo espacio y sobre todo marcaba el final de la historia de la humanidad y del planeta en el que vivimos, los escritores nos enseñaron a tomar distancia y recordar la frase de Einstein acerca de no esperar resultados diferentes teniendo los mismos pasos que lo precedieron.

La premisa final de la serie es contundente e impecable y nos hace voltear a la idea de que sobre el bien y el mal lo que persevera es el amor. Un amor que triunfa gracias al sacrificio que elimina a sus protagonistas, un amor que se consume para que lo demás subsista.

Los diferentes universos y su irreparable condición tienen su origen en un acto de amor, un acto que proviene de un personaje ajeno a toda la pesadilla que Adán, que en realidad es como sabemos Jonas, pero que se duplica porque un universo paralelo que se anuncia al final de la segunda temporada esta manejado por Eva, Martha de vieja. Y si bien es cierto que Jonas y Martha lucha Ad infinitum por reestablecer lo que ambos creen que debe ser el orden, funcionando como una pareja separada con sus respectivos rencores para mantener la supremacía de su mundo, Martha y Jonas, Eva y Adán creadores de mundos; dos vanidosos demiurgos que mueven las piezas, personajes de su limitado circulo de conocidos, de su tablero de ajedrez, una y otra vez. Prueba y error que terminan siempre en el mismo lugar. Con el mismo caótico resultado donde los dos mundos se entremezclan, se contaminan uno del otro y de las personalidades dominantes y prepotentes de Jonas y Martha.

Yin y Yan separados sin darse su cuenta de que se complementa a pesar de que en más de una ocasión a lo largo de las tres temporadas ambos personajes lo dicen a su par después de que los mundos se encuentran, se contaminan uno con el otro y la posibilidad de que a cada paso el ser humano crea nuevos universos con su decisiones como en el cuento de Borges, se dibuja en el penúltimo episodio de la serie, de hecho la realidad de esa posibilidad es la que permite destruir los infinitos círculos viciosos que sólo logran repetir el universo de Adán y Eva fracasando en restaurar el orden deseado por ambos personajes una y otra vez.

Claudia quien viaja por el tiempo buscando una solución, motivada por el amor maternal será la que les descubra la realidad y que no importa modificar o desaparecer el momento en que ambos mundos se encuentran, el llamado Apocalipsis, si no llegar al origen de todo para cortarlo de raíz. La dominante imagen del dragón comiéndose su cola que ha llamado la atención a lo largo de las primeras dos temporadas; el famoso Ouroboros, que obsesiona a Jonas/Adan y también, como descubrimos en la temporada final a su contraparte Martha/Eva, se transforma gracias a una visión externa en la Triqueta Celta, un figura que habla de una tercera dimensión y que está presente en la serie desde la primera temporada en el cuaderno que Noah lleva consigo y que contiene los apuntes de como se desarrolla el mundo de Jonas. Claudia entonces se convierte en esa tercera parte que complementa la triqueta entre los personajes de la serie y la única que consigue su objetivo.

La serie creada por Jantje Friese y Baran Bo Odar, es sin duda una de las series más importantes no sólo en Alemania, si no a nivel mundial. Ambos escritores trabajan ya con Netflix en sus dos próximos proyectos 1899 la historia de un barco de migrantes que va de Londres a Nueva York y Tyll¸ la historia de Till Eulenspiegel un juglar que, durante la edad media, en el siglo XIV recorrió lo que son hoy Alemania y Holanda entreteniendo a la gente de acuerdo con la tradición.

publicado en roastbrief.com.mx el 8 de julio de 2020

imagen: Netflix

Nagra, la nitidez del sonido

 

Una máquina imprescindible en el cine por más de 40 años fue la grabadora que diseñó un joven ingeniero suizo y es referente de innovación tecnológico y la base de un gran grupo tecnológico.

Armando Enríquez Vázquez.

A lo largo de su vida Stefan Kudelski ganó 3 premios Oscar en 1965, 1977 y 1978. Así como un par de Emmy en 1983 y 1986. En 1990 recibió por parte de la Academia de Cine y Ciencia de Estados Unidos le otorgó el prestigioso premio Gordon E. Sawyer por sus contribuciones al cine.

Kudelski jamás actuó, dirigió, escribió o fotografió una película, sin embargo, su contribución al cine es tan grande e importante que nadie en la industria cinematográfica mundial, puede decir que nunca ha usado uno de los aparatos del ingeniero suizo. Kudelski además ayudó a otras industrias incluyendo a la del espionaje internacional.

Stefan Kudelski nació en Varsovia, Polonia el 27 de agosto de 1931. Hijo de un arquitecto y una antropóloga, Stefan pertenecía a una clase intelectual acomodada de Polonia, pero con la llegada de la II Guerra Mundial los Kudelski migraron a Francia en 1939. Tras la invasión Nazi del país galo los padres de Stefan se unieron a la resistencia y cuando su red de rebeldes fue descubierta los Kudelski huyeron a Suiza. Con el paso de los años la madre y el padre de Stefan fueron recompensados con la Cruz de Guerra otorgada por el gobierno de Francia.

Llegada la paz, la familia se estableció en Suiza. El joven Stefan inició su educación en la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Kudelski desarrolló a los 21 años el inventó que le dio fama, dinero y sus premios Oscar: La Nagra.

Nagra fue la primera grabadora portátil de audio profesional. Las Nagra eran máquinas de carrete abierto, esto es que se utilizan dos bovinas en las que la cinta magnética de ¼ de pulgada, la parte con la emulsión de óxido registra el sonido y pasa de una a otra. La primera tiene el material virgen que al pasar por la grabadora es recogida en la bovina del otro lado. Las primeras nagras aceptaban carretes de 30 minutos de duración, con el tiempo Kudelski llegó a poner un control en la grabadora para la velocidad de grabación, lo que aumentaba el tiempo de grabado, aunque se sacrificaba la calidad. La grabadora de Kudelski llamó desde un principio la atención de profesionales del sonido, la estación local de Lausana encargó rápidamente al joven ingeniero un par de Nagras.

El nombre de la marca es una palabra polaca que significa: objeto que graba. Kudelski se decidió por el nombre por dos razones; la primera evitar un largo proceso de búsqueda de la marca al momento de registrarla y dos porque Kudelski por decisión personal decidió evitar las palabras phone y vox muy en boga en esos momentos para cualquier innovación que implicara audio.

La grabadora de Kudelski encontró en el cine un lugar donde creció de manera casi que natural, en contra de los enormes, pesados y poco prácticos sistemas de sonido, la Nagra permitió a los directores sacar las filmaciones de los estudios a locaciones naturales y a los sonidistas poder realizar su trabajo de una forma más practica y económica. La Nagra I que comenzó a venderse en 1951, fue rápidamente sustituida por la Nagra II y en 1957 llegó la Nagra III que fue la que conquistó el mundo del cine, la televisión y el radio. Una de las grandes ventajas de su portabilidad era que no dependía de una fuente de energía eléctrica y podía utilizarse con baterías D. Esto hizo posible que la nagra viajara al fondo del mar en un batiscafo, así como a la cima del mundo en el monte Everest.

A mediados de los años sesenta y bajo requerimientos del FBI, la CIA y el Ejército de Estados Unidos, después de una idea de John F. Kennedy, Nagra creó una grabadora miniatura profesional y de gran calidad en la grabación que de acuerdo con las historias se utilizó para el espionaje y también fue seleccionada por la NASA para viajar en las misiones Apollo. Este modelo se conoce como Nagra SN, siglas en francés de serie negra.

En 1971 la Nagra IV fue la primera grabadora portátil estéreo en el mercado. En 1981 Nagra presentó su estudio portátil el Nagra TA y en 1992 sus primeras grabadoras digitales, llamadas Nagra D y Nagra DII sumándose a los cambios en la tecnología, en 1995 la Nagra Ares-C, una grabadora digital para cabinas de producción y estudios se convirtió en un referente de la industria del entretenimiento en Europa.

El imperio de Nagra en la industria cinematográfica se extendió desde los inicios de la década de los sesenta del siglo pasado hasta los finales del siglo XX. Gracias a esta grabadora la Nouvelle Vague del Cine Francés pudo realizar muchas de las películas del movimiento respetando los principios que cineastas como Truffaut, Goddard, Claude Chabrol, Alain Resnais se habían fijado.

Para finales de siglo y totalmente en ambientes digitales Nagra presentó su modelo Hi-fi y en 2008 la Nagra VI una grabadora multitrack para las industrias del Cine y la música.

En 1991 Stefan Kudelski dejó la presidencia de Nagra a su hijo André Kudelski, quien nació en 1960, con la formación del Grupo Kudelski la empresa ha incursionado en diferentes negocios tecnológicos como la televisión digital, la ciberseguridad y el Internet de las cosas.

Stefan Kudelski murió el 26 de enero de 2013 a los 84 años en Lausana, Suiza. Es miembro del salón de la fama del Cine y la Televisión en Estados Unidos desde 1986.

Publicado en thepoint.com.mx el 5 de octubre de 2020

imagenes nagra.com 

Spike Lee; Netflix y Amazon.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano.

Armando Enríquez Vázquez

Spike Lee es sin duda uno de los directores de cine más importantes de las últimas décadas, su activismo por la causa de los afroamericanos es parte vertebral de su propuesta creativa. Películas como Haz lo correcto, Bamboozled, La noche del asesino, una extraordinaria cinta que habla del clima social que se vivía en Nueva York el año en que el asesino serial El hijo de Sam cometió sus crímenes poniendo a una de las mayores urbes del mundo en un estado de paranoia. Malcolm X, la cinta sobre el importante y radical líder del movimiento afroamericano en la década de los años 60. El año pasado su película El infiltrado del KKK, ganó el Festival de Cannes y del Oscar por el mejor guion adaptado. Su documental 4 niñas de 1997 sobre el asesinato en 1963 de cuatro en Alabama en un atentado con bomba en una iglesia bautista. Así como sus documentales sobre Jim Brown y Kobe Bryant son parte de su innegable legado sobre los derechos civiles y humanos de los afroamericanos.

Spike Lee es más allá de su importancia como director, guionista y productor, un verdadero líder y ejemplo para la comunidad afroamericana y un hombre admirable. Muchos de los jóvenes directores y escritores afroamericanos están profundamente influenciados por el trabajo y las ideas de Lee y eso no se puede negar.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano, las dos son puntos de vista contradictorias y por primera vez veo en una cinta del Lee, arrogancia y estupidez racista, típica de los norteamericanos.

Da 5 Blood, traducida Los 5 sangre, es un melodrama de guerra con aromas de western y un ejemplo de cómo también del lado de los afroamericanos el racismo y la prepotencia nacionalista gringa puede ser mayor que los fundamentos válidos e innegables con los que en general señalan a la cultura occidental y en especial en Estados Unidos que los ha segregado y criminalizado por el simple hecho de tener la piel de otro color.

Los 5 sangre esta estelerizada por Delroy Lindo (Paul), Jonathan Majors (su hijo, David), Clarke Peters (Otis), Norm Lewis (Eddie) y Isiah Whitlock Jr (Melvin). La historia cuenta el regreso de cuatro veteranos de la guerra de Vietnam, después de 40 años, al país que destruyeron y los cambió, bueno no del todo, para recuperar un cargamento de oro que robaron al gobierno de su país y que estaba destinado a grupos guerrilleros en el Vietcong. El quinto sangre fue muerto en el fragor de la batalla y sus restos nunca fueron recuperados, lo que sirve de pretexto a los otro cuatro para regresar por el oro. En el camino se encuentran con un mercenario financiero francés interpretado por Jean Reno, que hace la versión grotesca de la caricatura del francés en el arrogante imaginario norteamericano.

El verdadero cambio, el que atañe a Paul, quien al final develará el origen de los cuarenta años que lleva volviéndose loco y desarrollando el síndrome de guerra. Lo triste de la cinta, una imitación de película de Tarantino sin el sentido del humor retorcido y en tanto la factura e historia, es la visión que el director americano hace de los vietnamitas a los que desprecia y que cómo en todo buen western se acerca a la de los indios o mexicanos del género, malos, estereotipados y a los que no importa matar por esas mismas razones. Este planteamiento argumental racista no es extraño a un gran número de películas estadounidenses, pero resulta extraña y patética en un hombre que a lo largo de su vida se ha dedicado a combatir el racismo y la discriminación, incluso el hacer estereotipos de los seres humanos como en el caso de Bamboozled. Los 5 Sangre es sin duda la peor película de Spike Lee y no por su factura o sus actuaciones, si no por su planteamiento ideológico.

Amazon Prime, por su parte, estrenó Pass Over, que se puede traducir como Cruzar. La cinta basada en la obra de teatro homónima de la dramaturga norteamericana Antoinette Nwandu que a su vez se basa en la obra fundamental del escritor y Premio Nobel de Literatura irlandés Samuel Beckett Esperando a Godot, es una poderosa visión desde el Teatro del Absurdo de la irracional y demagógica situación actual en materia de racismo que se vive en los Estados Unidos de Donald Trump. La historia es una metáfora acerca de la opresión y cómo a los afroamericanos continúan siendo víctimas de una libertad ficticia basada en una libertad real. La historia totalmente actual y más en el momento que vivimos con las manifestaciones en contra de la violencia racial proveniente desde el poder y a través de los llamados brazos de la ley del Estado.

En este caso la historia es muy poderosa, con pocos actores, sólo cuatro. Dos jóvenes indigentes de una zona marginada en una ciudad norteamericana; Moses (Jon Michael Hill) y Kitch (Julian Parker) sueñan con superar el círculo de miseria y de violencia en el que viven y para ello sólo necesitan cruzar la calle, pero cada vez que lo intentan o lo sugieren las balas se los impide. El poderosísimo final de la cinta deja a todo mundo en un silencio sepulcral.

Y digo a todo mundo porque la propuesta de cámara de Spike Lee es hacer del fenómeno teatral, un fenómeno cinematográfico. La cinta inicia a la manera de un documental con personas afroamericanas que son llevadas de un centro escolar al teatro donde presenciaran la representación de Pass Over, La puesta en cámara, va en función de la puesta en escena y las reacciones del público sirve a Lee para acentuar el ritmo y el punteo de la cinta. A diferencia de Los 5 sangre, Pass Over, es una película que mantiene los temas de Lee y una con un valor actual, envuelta en una creativa y atractiva propuesta narrativa y visual. La teatralidad de las actuaciones, la escenografía y las miradas y reacciones del público dan como resultado una película entretenida que a pesar de carecer de los elementos más llamativos de una película; los efectos especiales, no es pesada, ni lenta. Yo la pongo entre las mejores de películas de Spike Lee.

Pass Over no tiene desperdicio, Los 5 sangre es totalmente intrascendente y ofensiva.  Luz y sombra de uno de los artistas más importantes actualmente en Estados Unidos.

publicado el 1º de julio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen: Amazon Prime

Prada, el elegante negocio familiar.

 

Durante más de sesenta años la marca se dedicó básicamente a vender maletas y bolsas muchas de importación hasta que contrario a la visión de su dueño una mujer redefinió la marca.

Armando Enríquez Vázquez

En 1913 los hermanos Mario y Martino Prada abrieron un negocio dedicado a la venta de bolsas para mujeres, baúles y maletas que importaban de Inglaterra, Alemania, Austria y otros países muchos de ellos hechos con pieles exóticas, tambien vendían otro tipo de lujosos accesorios como bastones, cinturones, algo de joyeria. La tienda Fratelli Prada se encontraba en uno de los edificios icónicos y más importantes de Milán hasta la fecha. La Galleria Vittorio Emmannuele II considerada uno de los primeros centros comerciales del mundo. Inaugurada el 13 de septiembre de 1867 es un representante del estilo arquitectónico neorrenacentista italiano.

Mario era un empresario hasta cierto punto visionario, ya que si por un lado en 1919 su tienda se convirtió en proveedor oficial de la casa real de Saboya que gobernaba Italia en esos tiempos lo que le permitió abrir una segunda tienda en la calle Manzoni en Milán también, por otro lado, su posición machista impidió que ninguna mujer se dedicara a la administración de sus negocios mientras él vivió. Irónicamente el único hijo varón de Prada decidió no participar en el negocio de la familia. Antes de la II Guerra Mundial, Martino, abandonó la empresa para dedicarse al activismo político en contra del creciente fascismo, algo en lo que el mismo Mario simpatizaba. A partir de ese momento Mario se convierte en el único dueño de la empresa.

La historia y el karma pusieron al empresario italiano en su lugar, a Mario se le recuerda únicamente como fundador de la empresa, pero quien la desarrolló, décadas después, innovó con ella y la convirtió en un referente mundial de moda, elegancia y extravagancia fue su nieta Miuccia.

Al morir Mario Prada en 1958, su hija Luisa se hizo cargo de la empresa y fue ella quien mantuvo a Prada a flote durante las décadas de los sesenta y setenta, al cambiar la orientación de la empresa y convertirla en una marca dirigida a la clase media, esto fue un paso atrás en la historia de Prada, no porque la visión de Luisa fuera equivocada, al fin y al cabo Prada sobrevivió de manera digna a estos años de crisis en toda la sociedad italiana, pero si en el sentido de la presencia de la marca en el ámbito nacional como una marca de lujo desapareció.

En 1977 Miuccia Prada, hija de Luisa y nieta de Mario, licenciada en ciencias políticas y que también trabajó en el teatro, se conviertió en la cabeza de la empresa. Miuccia ya había diseñado diferentes accesorios para la empresa familiar. En 1979 Prada lanzó por primera vez su línea de calzado para dama. En 1983 comenzó también la nueva imagen de las tiendas de Prada primero en Milán y después se abrieron tiendas en Nueva York, Paris, Madrid, Londres y Tokio que se caracterizaban por el verde pastel de sus muros. En 1985 Miuccia, cuyo verdadero nombre es Maria Bianchi, diseñó una back pack negro de nylon que se convirtió en un éxito inmediato de Prada. En 1988, Prada presentó su primera colección de ropa para mujer en una pasarela en Milán para la temporada Otoño/Invierno de ese año. En 1993 Prada presentó su primera colección de ropa para hombres.

Miuccia conoció en 1977 a otro empresario peletero italiano Patrizio Bertelli quien se convirtió en su esposo en 1987 y juntos son quienes han hecho de la marca un éxito y referente mundial de diseñó y elegancia.

En 1992 Miuccia fundó la segunda marca de Prada; Miu Miu, una marca de ropa y accesorios para mujeres jóvenes. Con un diseño mucho más atrevido y moderno que los de Prada. En 1999 Prada compró una marca icónica del calzado inglés llamada Church’s que se distingue por su hechura a mano y sus más de 140 años de existencia y en 2001 la italiana Car Shoe fundada en 1963. En 2014 el Grupo Prada adquirió la casi bicentenaria Pastelería Marchesi de Milán y la empresa curtidora de piel francesa Hervy.

Miuccia Prada ha recibido distinciones y premios. La marca que su abuelo fundó hace 107 años está más fuerte y saludable que nunca, y entre sus muchos productos también destacan los lentes y perfumes. En 2010 recordando sus días de juventud, Miuccia accedió a diseñar el vestuario para la ópera Atila de Verdi que se presentó ese año en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

Prada, como muchas otras empresas dedicadas a la moda, se ha sumado en 2020 a la confección de mascarillas y trajes médicos que ha entregado a los centros hospitalarios de Italia.

publicado en thepoint.com.mx el 21 de septiembre de 2020

imagen: prada.com

Sin salas y con estrenos extraordinarios.

 

Los cines permanecieron cerrados meses y la oferta de contenidos de películas nuevas fue exclusividad de las plataformas de Internet.

Armando Enríquez Vázquez

Justo la semana en que comenzó el confinamiento estaba por estrenarse en las salas de cine una película española que he estado esperando en los últimos meses titulada Mientras dure la guerra dirigida por Alejandro Amenábar y que cuenta la historia de la posición política de Manuel de Unamuno durante la Guerra Civil Española, una de las producciones sobresalientes del cine español el año pasado. A manera de compensación Netflix estrenó en estos días de encierro La trinchera infinita, otra producción española del año pasado, también sobre temas relacionados a esa guerra fraticida que marcó la vida de España el siglo pasado.

La cinta que ganó en la pasada entrega del Premio Goya, el mayor premio otorgado por la industria cinematográfica española, 2 premios; el primero al mejor sonido y el segundo a la actriz Belén Cuesta como la mejor actriz del año pasado en el cine español. La cinta cuenta la historia de un hombre que para escapar de las fuerzas franquistas y de la represión y asesinatos promovidos por este dictador, pasa más de treinta años encerrado en su casa; escondido. La cinta esta basada en el hecho real de casos documentados de españoles que vivieron en estas condiciones, de hecho, esta no es la primera cinta sobre el tema, yo recuerdo una protagonizada y dirigida por Fernando Fernán Gómez titulada Mambrú se fue a la guerra que se estrenó en México en una Muestra Internacional de Cine en la década de los ochenta. La trinchera infinita es sin duda una película muy potente y con un par de excelentes actuaciones, el hecho de que no se haya estrenado en las salas de cine de México creo que le da una mayor visibilidad y accesibilidad a las audiencias como en su momento sucedió con Roma de Cuarón o La balada de Buster Scruggs de los hermanos Cohen.

 Otro ejemplo de la importancia de los estrenos en las diferentes plataformas de internet ha sido el estreno de una de las mejores películas mexicanas que he visto en los últimos años; Ya no estoy aquí, dirigida por Fernando Frías y con la actuación de Juan Daniel García Treviño. Sobre una subcultura de jóvenes regiomontanos que ha sido eliminada, como otras por la cotidianidad de narcotráfico en nuestro país. La película mexicana es sin duda uno de los grandes hits de la plataforma y sin duda miles de espectadores en México y el mundo la han visto en estas semanas, algo que difícilmente hubiera logrado de estrenarse en salas cinematográficas.

Esa diferencia entre la cinta española y la mexicana; una producida para las salas, la otra producida por la plataforma para exhibirse en la misma, lo que permite su estreno a nivel mundial en un solo día y no tiene que hacer un circuito de salas cinematográficas y una estancia en las mismas que depende su comportamiento en la taquilla, a diferencia de las ventajas del on demand.

También Amazon Prime ha entrado ya en la producción de películas y uno de sus estrenos; The Vast of the Night, otra de las películas que he visto en este encierro, es una extraordinaria historia de ciencia ficción que no requiere de llamativos efectos especiales que por lo general distraen al espectador de la verdadera falta y fallas en la trama. Con una puesta de cámara que es demencial y nos da ese ritmo que el director Andrew Patterson imprime para acentuar la incertidumbre y ansiedad de los personajes.

Estas y otras películas, que estuvieron pocas semanas en la cartelera, se pueden disfrutar desde la comodidad de casa, con todo lo que esto implica en todos los sentidos y a pesar de todo lo que muchos objetan de la opción. Lo cierto y obvio es que las cadenas de exhibición cinematográfica están obligadas a replantear su modelo de negocio ahora que se vuelvan a abrir.

Cinépolis de hecho mantuvo durante la cuarentena su servicio en línea con su plataforma Cinépolis Click y aunque anuncia un mínimo de salas abierto su negocio en los pasados meses estuvo en su servicio en línea.  

En estos largo meses de encierro se popularizó, también, la plataforma de FilminLatino y su oferta de películas mexicanas que no es fácil ver.

Los tiempos de crisis son también de oportunidades. El regreso paulatino que se ha dado a las salas cinematográficas, está muy lejos de representar las taquillas a las que las empresas estaban acostumbradas y en países como el nuestro donde las cifras del contagio están totalmente maquilladas y en Estados Unidos el país occidental más importante para la industria cinematográfica, pero también el que tiene el mayor número de contagios y muertes esto es un golpe duro.  Una de las soluciones que han tenido cierto éxito en México es la apertura de los autocinemas, aunque sin duda son las estrategias en red las más atractivas y redituables para los exhibidores y productores, así como más económicas para el consumidor que también ha sido golpeado en su poder adquisitivo por la emergencia sanitaria.

Además, existe otro beneficio que había descubierto ya desde hace mucho tiempo. ¿Por qué habría de abandonar la comodidad y ventajas que me da estar en casa, para enfrentarme a gente que habla durante la exhibición de la película o que no pone su teléfono en vibrador?

Y una petición a Netflix o Amazon Prime por favor alguien compre los derechos de Mientras dure la guerra y prográmela en su plataforma.

Una versión de este texto se publico el 22 de junio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen:pickpik.com