La vida se pasó y la televisión seguía prendida

 

Una serie de culto; una vida perdida. Una inquietante cinta se pasea por Max y sin ser de terror su contenido es aterrador.

Armando Enríquez Vázquez

I Saw the TV Glow (Vi el Brillo del telelevisor.) es la historia de un adolescente obsesionado por ver una serie de culto The Pink Opaque (El rosa opaco). La serie es la historia de dos jóvenes adolescentes que se conocen en un campamento de verano, se hacen amigas y a partir de este encuentro desarrollan un conexión psíquica, un pequeño fantasma fluorescente tatuado en la parte trasera de su cuello es lo que revela esta conexión. Físicamente separadas las jóvenes deben luchar contra un villano universal Mr. Melancholy y salvar al mundo.

Las historias de terror que atraen a los adolescentes y en particular de los suburbios de los pueblos americanos, se transmite los sábados a las 10:30 de la noche. Owen, un niño de diez años, es uno más de aquellos a los que el programa llama su atención, pero sus papás no le permiten verlo porque su hora de ir a la cama son las diez de la noche. De manera fortuita Owen conoce a Maddy, una chica de su preparatoria, mayor que él, que sentada en los pasillos de la escuela lee una compilación de todos los capítulos de The Pink Opaque y por lo mismo es cuestionada por Owen. Finalmente, él acepta no haber visto la serie pero tener el interés de hacerlo a pesar de las restricciones de sus padres, Maddy decide invitarlo un sábado a su casa a ver la serie.

Tras algo que suponemos una sola visita de Owen, Maddy le hace llegar los capítulos de la serie en videocasetes en formato de VHS de manera semanal. Tras la transmisión del episodio final de la quinta temporada de The Pink Opaque, Maddy desaparece mientras su televisor se quema en el patio trasero de su casa. Nadie sabe a donde fue, ni que sucedió con la joven. Owen continua entre su vida cotidiana y la espera de la nueva temporada.

Sí Maddy reaparece, si le da nuevas opciones de vida a Owen y si The Pink Opaque es lo que realmente Owen en su edad adulta sigue idealizando, son la parte en la que la cinta comienza a plantear la distorsionada visión de un hombre gris perdido en su complejo sistema de verdades o mentiras, de la forma en la que decidimos justificar nuestra vida. “Qué tal si yo fui alguien más del lado más lejano de la pantalla de la televisión.” Se cuestiona en algún punto de la vida Owen. Así la metáfora de vida perdida en la contemplación. A diferencia del Quijote, Owen no vive su locura, no construye su realidad a imagen y semejanza de sus fantasías, sólo contempla ad nauseum el pasar de su vida esperando la llegada de alguien, de algo que le dé sentido a la misma.

I Saw the TV Glow, es precisamente esa reflexión que da nombre a la cinta, el resplandor adictivo de todos los dispositivos que emiten contenidos visuales, en nuestra época, cuando más adictos a las pantallas de las plataformas, la idealización de ciertas series que de manera inexplicable se vuelven de culto. La vida de muchos hombres y mujeres se disuelve en el espejismo que es una pantalla, en historias que viven de manera segura y virtual.

Así la vida de Owen parece resumirse en un solo evento, una relación efímera y superficial y la obsesión del personaje por una serie de televisión cancelada al llegar al final de la quinta temporada.

La secuencia del club nocturno nos recuerda a las cintas del underground sesentero o del punk setentero, como toda cinta caótica gran parte de la acción sucede en la noche, los diferentes grafittis escritos en rosa fosforescente sobre el asfalto siempre nos recuerdan que: Aún hay tiempo. La televisión incendiándose, los grotescos y risibles monstruos, son el clásico universo Kitsch que se vuelve tan atractivo a muchos.

De acuerdo con Google The Pink Opaque en el slang norteamericano hace referencia a las personas que aún no se deciden a aceptar su transexualidad, de hecho el personaje de Maddy está interpretado por el actor Jack Haven, para hablar de la transexualidad aunque sea de una manera disfrazada, porque Maddy se confiesa lesbiana y también viste a Owen de una manera muy femenina.

Sí el asunto de la indefinición sexual de Owen está a lo largo de la cinta, lo cierto es que no es el único tema y tampoco el autor se centró en hacer una apología o condena de esa indefinición de su personaje, que al final acepta el rol preestablecido de género y se casa y tiene hijos. Es la indefinición frente a la vida lo que hace de Owen un personaje patético.

Una forma siniestra de parafrasear a Kieslowsky.

 

Una nueva película de Netflix oscura, siniestra y despiadada nos recuerda únicamente por su título a otro cineasta polaco.

Armando Enríquez Vázquez

Entre 1993 y 1994 se estrenó la trilogía del cineasta polaco Kristof Kieslowski. Haciendo referencia a la bandera francesa las cintas se titulan: Azul, Blanco y Rojo.

Los colores del mal: Rojo es un estreno de Netflix. La cinta polaca me recordó la obra de Kieslowski, aunque sólo la nacionalidad del director y el rojo del título son dos puntos en común de estas obras. Y el nombre que no sé si hace alusión a Kieslowski aunado al hecho de la nacionalidad polaca de la película fueron en esta ocasión lo que me llevo a verla. Sin trailer, ni poster que a veces resultan el gancho, mas de una vez tramposo y mañoso.

El director Adrian Panek ha logrado una cinta siniestra que sólo invita a buscar las novelas de Malgorzata Oliwia Sobczak, que aun no son traducidas al español y que sin duda tras el estreno de la película en Netflix provocará su difusión en diversos idiomas. Las novelas cuatro hasta la fecha; rojo,negro, blanco y amarillo que acaba de publicarse este año.

Las novelas y la serie están protagonizadas por el investigador Leopold Bilski y la jueza Helena Bogucka, quienes se unen al inicio de la saga porque la victima del crimen que investiga Bilski es la hija de Bogucka; Mónica.

Mónica pertenece a la clase alta de la sociedad polaca, su padre un afamado abogado y su madre jueza en el sistema judicial de aquel país, pero ella hija única se siente relegada y se dedica como a la vida de los excesos. Trabaja en la barra de un antro popular entre la juventud y propiedad de la mafia.

Su cuerpo desnudo y con los labios cercenados aparece a la orilla del Báltico. La acción sucede en el área metropolitana formada por las ciudades de Gdansk, Gdynia y Sopot, conocida popularmente como Triciudad,

A lo largo de esta muy bien lograda cinta, descubriremos no sólo las razones detrás de la muerte de Mónica, si el habitual mundo de corrupción legal e ilegal de este tipo de cintas.

Con actuaciones bastante aceptables destacando la de los protagonistas; Jakub Gierszal, Bilski. Maja Ostaszweska, Helena Bogucka y Zofia Jastrzebska, Mónica Bogucka. Junto a un elenco que los acompaña muy bien, resalta la actuación de Jan Wieteska quien interpreta a Mario Dubiela, el mejor amigo de Mónica, que con tan solo unas miradas dice más que con un monologo. El guión de Lukasz M. Maciejewski, Adrian Panek y la autora de la novela resulta muy bueno y la capacidad y visión para dejar la historia en una película de poco menos de 2 horas en lugar de haber escogido el formato de serie o miniserie, lo cual resultó correcto, así como la extraordinaria dirección de Panek hacen que Los colores del mal: Rojo, sea una película que vale la pena ver en más de una ocasión y dejarse abrumar con su perturbadora y siniestra anécdota y la propuesta visual alrededor de la misma.

Esta vez evité los spoilers porque Los colores del mal: rojo merece verse con los ojos vírgenes de un espectador que llega como lo hacíamos en antaño al cine atraído por el simple nombre de la cinta.

Monolith ciencia ficción de la buena.

 

Porque el fin del mundo concierne a final de cuentas a uno mismo, los terrores y obsesiones también.

Armando Enríquez Vázquez.

Entre las memorables cintas de ciencia ficción que tal vez no pasaron por las carteleras mexicanas y que puedes encontrar en las diferentes plataformas están entre otras La otra tierra (2011) en Starz+ o Coherencia (2013) en Amazon Prime, eso sin contar producciones originales de las plataformas como The Vast of Night también de Amazon Prime.

Entre estas cintas se encuentra la australiana Monolith, que la encuentras en max, estelarizada por Lily Sullivan en el papel de una periodista obligada a disculparse tras publicar una investigación que resultó falsa; despedida, asediada por la prensa, sin oportunidad de encontrar trabajo en ningún medio informativo, y refugiada en la casa de sus padres que están de vacaciones, su única opción de empleo es crear un podcast acerca de lo sobrenatural, una chamba para sobrevivir en lo que todos olvidan su error, tema en el que ella no cree.

Un día llega a su correo de manera anónima un teléfono, un nombre y una fotografía, acompañada del palabra brick, (ladrillo en inglés). La periodista de entrada descarta el mensaje, y con el paso de los días y a falta de cualquier otra historia, así como el negarse a permanecer inactiva decide comenzar a investigar, para su sorpresa todo parece ser real, la mujer es una mujer que trabajaba 20 años antes como empleada doméstica en una casa de una familia con muchos recursos que la acogió a ella y su hija de la mejor manera, cuando recibió una extraña piedra negra en forma de paralelepípedo y de un color negro muy oscuro. Pero la paz del hogar se rompe cuando los muebles de la casa aparecen vandalizados y los dueños de inmediato culpan a la niña y para pagar los daños le roban el ladrillos y se lo venden a un mercader de arte alemán. Al final la mujer y su hija son despedidas de la casa.

La periodista busca al empresario del arte y lo encuentra sin problema, lo entrevista y él le confirma la existencia del ladrillo, pero no es el único y posee varios de ellos aunque sabe que existen otros alrededor del mundo. También le informa que debido a cierta amistad logro hacer un escaneo interno del objeto logrando descubrir algo muy extraño, una especie de mensaje en signos o letras desconocidas y promete a la periodista hacerle llegar una copia del estudio si lo encuentra pues han pasado ya muchos años.

El primer episodio del podcast se vuelve un éxito, personas de todo el planeta le escriben a la periodista para decirle que ellos tienen un ladrillo o han visto uno, la plegaria de un oyente de la India es que ya no se produzca el podcast que sólo traerá calamidades. Todo coinciden que los ladrillos que recuerdan al objeto de 2001, Odisea del espacio, en un tamaño fun size son transformadores y contienen un gran poder o al menos eso perciben todos los que lo han recibido además de sufrir de diferentes tipos de alucinaciones.

Testaruda y egotista la joven continuará con su investigación a pesar de las muchas recomendaciones de parar y realmente reflexionar como le dice su editor, si todo eso es real o ella quiere creer que real, lo que pasa a continuación es desconcertante y aterrador.

Una cinta de ciencia ficción y terror con un guión muy sólido, escrito por Lucy Campbell, con sus debidas vueltas de tuerca y un personaje perfecto con una interpretación brillante, pues Sullivan es el único personaje a cuadro en la cinta. Todas sus interacciones con los demás personajes son a través del teléfono y la computadora. Monolith esta dirigida por Matt Vesely.

Ejemplo de una generación empeñada en hacer lo que le viene en gana, en el éxito inmediato, en el aislamiento tecnológico, Monolith es antes que nada una extraordinaria serie de ciencia ficción y terror que no debes dejar de ver.

publicado tambien en charlacualqueira.wordpress.com

¿Y sí Supermán…?

 

Al otro extremo de las películas de superhéroes de los universos lugar común, y muy lejana a los antihéroes, la cinta Brightburn es una historia de terror basada en un clásico.

Armando Enríquez Vázquez

La visión de los universos de Marvel y DC tienen como denominador común que sin importar el origen del super héroe, ya sea un accidente, venga de una isla perdida e ilocalizable, dioses mitológicos, seres supra normales o extraterrestres, todos son son amigos de los seres humanos y velan por nuestro bienestar. Generalmente trabajan bajo la bandera de las barras y las estrellas y bajo la concepción WASP (Blanca anglosajona y protestante) de Estados Unidos.

Los anti héroes funcionan de una manera similar, aunque irreverentes, carentes de solemnidad y en las últimas décadas aceptando a regañadientes que existen minorías que son visibles e importantes para la mercadotecnia y negocio de los estudios de comics y cinematográficas, así tenemos superhéroes negros, latinos, LGBT y asiáticos. Todos pueden ser superhéroes, siempre y cuando vean al mundo bajo la idea de Estados Unidos.

En la maniquea y bíblica historia de Superman, Jonathan y Martha Kent recogen al niño extraterrestre que cae en el terreno de su granja en Kansas y lo crían para hacer de él un ciudadano ejemplar que aproveche sus poderes en bien de los Estados Unidos.

La premisa de la película Brightburn (2019) es básicamente la misma con un pequeño twist.

Tory Breyer (Elizabeth Banks) y su esposo Kyle (David Denman) tienen una enorme granja en Brightburn, Kansas. Incapaces de tener hijos, los Breyer como los Kent viven solos en su granja.

A diferencia de los Kent en el momento en que una nave extraterrestre, que ellos creen en un principio un meteorito, se estrella en su granja, los Breyer son una pareja joven que pueden hacerse pasar por los padres del niño extraterrestre que viaja al interior de la nave espacial que cae en sus tierras.

Pero Brandon Breyer (Jackson A. Dunn) al descubrir sus poderes, también descubre que esto lo hace diferente; más fuerte y con capacidades que los seres humanos no tienen.

La historia va de una aburrida y vulgar vida en un pueblo rural de Estados Unidos a una historia de terror sobrenatural. En Brightburn no hay Luisa Lane. Ni Tory y Kyle se sentirán orgullosos de Brandon, quien obsesionado por su descubrimiento se hace de un traje, una mascara y una capa que están muy lejos de poder tranquilizar y dar confianza a quien lo ve.

Una B mayúscula estilizada y en espejo es el logo que Brandon tiene para marcar su identidad y las escenas de sus crímenes. Una capa hecha girones y una máscara siniestra que no tranquiliza a quien enfrenta a Brandon, y cuyo sutil tinte lovecraftiano intentan ocultar la personalidad del adolescente.

Dirigida por David Yarovesky, quien también ha dirigido The Hive en 2014 y Nightbooks en 2021, Brightburn es sin duda la visión más oscura y apocalíptica del extraterrestre que llega a nuestro planeta, es criado por seres humanos y descubre su condición excepcional.

Brightburn, navega entre el terror, la ciencia ficción y el tan gustado género de los superhéroes. Es una cinta que vale la pena ver y una de esas pequeñas joyas que están perdidas en las plataformas y confrontan la idea de las películas fáciles y predecibles de personajes que ya resultan un aburrido y predecible lugar común.

Oppenheimer; Una biopic sobre la mediocridad norteamericana.

 

La brillante carrera de uno de los físicos más importantes sirve, una vez más, para reflexionar sobre la mediocridad del norteamericano medio.

Armando Enríquez Vázquez

Christopher Nolan es un director de altibajos, sobrevaluado para mi gusto con su saga de Batman, Tennet y Dunkerke son dos tabiques, pero que ha creado cintas de gran calidad como Memento, The Prestige e Interestelar.

Oppenheimer su más reciente película es una mezcla.

Como en muchas de la cintas de Nolan lo primero que resalta es la gran cantidad nombres de actores de primera que desfilan a lo largo de las 3 horas, incluso el ridículo papel como Harry Truman en el que aparece el gran Gary Oldman.

Esta no es la historia de un momento en la historia, ni de la carrera contra los alemanes por lograr la primera arma de muerte masiva. Es la historia del triunfo de la mediocridad y la ignorancia, sobre la razón. Oppenheimer es una ficción que en el mejor de los casos funciona como ensayo.

La cinta está basada en dos actuaciones y dos personajes; Cillian Murphy en el papel de Robert Oppenheimer y Robert Downey Jr. como el mediocre burócrata Lewis Strauss, quienes llevan a la columna vertebral de las tres horas.

Downey Jr. brinda una de las mejores actuaciones y caracterizaciones de su carrera, el contenido político sólo explota al final, cuando no logra su objetivo en el gobierno, pero capaz de disimular su fracaso. El político, como sucede con todos los de su especie, sonríe con aire triunfal frente a los reporteros.

El éxito del trabajo de Nolan radica en haber orquestado de la mejor manera la biografía del científico, su época, el desconocimiento de la radiación y sus efectos secundarios, con una reflexión sobre el poder de los políticos y la envidia de aquellos que anhelan los triunfos ajenos. La mediocridad que esconde nuestra noción de democracia, en la que cualquiera puede querer enjuiciar las acciones del otro, simplemente por desconocer el tema, ser incapaz de entender la idea y sus bases racionales, o simplemente porque no coinciden con la idea propia. En una de las secuencias de la audiencia en contra de Oppenheimer en la que se le acusa de comunista, el científico defiende y diferencia de manera perfecta su posición frente a las ideas comunistas norteamericanas y sus diferencias, de acuerdo con él, con el comunismo soviético, mientras el fiscal de la causa insiste en rasar al comunismo.

Nolan incluye en la película de manera muy sutil la teoría de que la amante de Oppenheimer, Jean Tatlock ( Florence Pugh), ella sí era miembra del partido comunista y mantenía comunicación con el partido ruso, fue asesinada por los miembros de seguridad del Proyecto Manhattan y no se suicidó.

La cinta a través de la vida del brillante físico, sirve para reflexionar sobre el siglo en el que Estados Unidos se impuso como la policía de mundo, y todas las contradicciones que vivió esa nación desde los empresarios voraces que han predominado a lo largo de cien años, los políticos mediocres, corruptos, arrogantes y miedosos, así como sus intelectuales, artistas y científicos rebeldes y contestarios y su descalificación desde la idea falaz de la democracia y la validez de la opinión mayoritaria.

Mientras Oppenheimer está preocupado por encontrar las correspondencias entre su pensamiento ético y la necesidad de Estados Unidos de ganar la guerra a los alemanes y ante todo a los Nazi, Strauss es únicamente un burócrata mediocre, sólo se interesa en él y los reflectores que lo rodean.

Oppenheimer me recuerda a muchas de las películas de Milos Forman donde los personajes excepcionales sirven para remarcar la mediocridad en la que estamos hundidos. Y otras como Good Night and Good Luck de George Clooney que también señala a ese momento vergonzante en la historia moderna de Estados Unidos cuando dos hombres obsesionados con sus complejos Edgar J Hoover y Joseph McCarthy crearon su propia guerra de represión al ser incapaces de debatir con ideas y argumentos.

Tres horas tal vez es mucho tiempo y la cinta se estanca por momentos en su narrativa, al no avanzar y algunos de sus personajes como la Kitty esposa del científico, interpretada por Emily Blunt, resultan planos y que poco aportan a la cinta. Un papel insípido y sin mayor impacto en la cinta a diferencia de la amante Jean Tatlock que es un personaje que desde un inició intriga y se vuelve empático.

Especial es el caso de Albert Einstein (Tom Conti) quien en una la secuencia en la que es presentado parece un personaje intrascendente, sin embargo cuando al final se revela aquel primer encuentro la fuerza del alemán es impactante. 

En ese sentido a Nolan le falta autocrítica y síntesis, su amor por los personajes de Oppenheimer y Strauss, lo hace olvidar el peso de otros.

Oppenheimer es una cinta que vale la pena ver por no quedarse con el gusanito, como otras cintas de Nolan muestran maestría de la dirección, pero una frialdad y longitud poco excesivas.

Tres grandes comedias de tres grandes directores.

 

Todos los directores tienen buenas, malas y peores películas, pero también tienen esas que por no pertenecer al género con los que los identificamos se van olvidando, y sin embargo son joyas.

Armando Enríquez Vázquez

Si escuchamos los nombres de Martín Scorsese, Alfred Hitchcock o Steve Spielberg, por lo general recordamos películas de crimen, suspense o melodramas desproporcionados respectivamente por lo que si hablamos de comedias dirigidas por estos tres, para la mayoría de la gente es difícil recordar el nombre de una de ellas, y sin embargo existen y no son menores.

Martín Scorsese neoyorquino ha construido gran parte de su obra con el prototipo del migrante italiano convertido en mafioso que controló primero la urbe de hierro y después todo Estados Unidos, sus cintas hablan de mafias criminales de acción, pero también de las mafias criminales de cuello blanco y la corrupción en la policía. Taxi Driver de acuerdo con su guionista Paul Schrader es una versión contemporánea de Crimen y Castigo de Dostoievski, es un retrato de una sociedad corrupta y Raging Bull, también escrita por Schrader narra la historia de descomposición de un campeón de boxeo, no por vicios, si no por su propia arrogancia y paranoia. Ni que decir de la muy siniestra BringingOut the Dead con Nicolas Cage, eso sin hablar de sus documentales de todo tipo, y también tiene una de las comedias más divertidas de los años ochenta; After Hours.

Mal traducida en México con el título literal de Después hora, en lugar de horas extras. Pero las palmas se las llevan como siempre los españoles que la titularon ¡Jo! Qué Noche. La cinta narra el traumático viaje de la noche al día, literalmente, de Paul Hackett (Griffin Dune) un oficinista, con una rutina aburrida y diaria. Una noche de entresemana mientras cena en cafetería muy norteamericana conoce a una bella chica de nombre Marcy (Roxanne Arquette). Cuando Paul ya de vueltas en su departamento decide llamarla y atravesar la ciudad de Nueva York en un taxi conducido de manera vertiginosa donde al intentar pagar pierde su único billete comienza el descenso a los infiernos.

Hackett será víctima y sufrido personaje que sólo intenta regresar a casa tras un encuentro que no resulta amoroso, sino decepcionante. After Hours es sin lugar a dudas una de las mejores cintas de Scorsese, pero también es una de las menos conocidas. Si te topas con ella te recomiendo verla. La comedia con su final devastador y sin esperanza solo refuerza nuestras carcajadas, aunque pensándolo bien también es una de las películas más despiadadas con su protagonista, lo que no le quita lo divertida, del gran director neoyorquino.

Steven Spielberg es por lo general la solemnidad, patrioterismo y uno de los mejores directores de melodramas de libro de texto, el hombre que hizo de los blockbusters veraniegos un tema durante los setenta, ochenta y noventa. Que nos hizo estremecer con uno de los extraterrestres más kitch que ha existido y un gigantesco tiburón. Creador de una visión maniquea de la II Guerra Mundial y de la infancia al producir cintas como Los Goonies. Al inicio de su carrera Spielberg fue un director lleno de ganas de experimentar en diferentes géneros, así The Duel es uno de los mejores Road Movies que existen, su aproximación a la historia de Ballard sobre un niño inglés en China durante la II Guerra Mundial es contundente. Pero en 1979 filmó una de las comedias más divertidas sobre la II Guerra Mundial desde la visión norteamericana y la paranoia que dominaba la costa oeste de aquella nación tras el bombardeo de Pearl Harbor. 1941 es una comedia delirante en la cual el después patriotero director de cine se atreve a burlarse de sus paisanos, estelarizada por un sin número de actrices y actores que crean historias que se desarrollan de manera paralela en la noche de fin de año. Destacan el gran cómico John Belushi como un piloto desquiciado de la fuerza aérea norteamericana, Ned Beatty como un padre de familia dispuesto a defender su casa y a los suyos del ataque japonés, Toshiro Mifune como el almirante de la fuerza de submarinos japoneses, Robert Stack como el general norteamericano que llora con Bambi. La película ha sido olvidada pero sin duda es una de las mejores comedias de los años setenta filmada en Estados Unidos, junto con Foul Play (Juego Sucio en México) con Goldie Hawn y Chevy Chase y Whats Up Doc (La Chica Terremoto) Con Barbra Streisand y Ryan O’ Neal dirigida por otro grande: Peter Bogdanovich.

Finalmente, el amo del suspence, que muchos confunden con la intriga y en el peor de los casos con el terror, el gran Alfred Hitchock, poseedor de uno de los sentidos del humor más negro en su momento y creador de clásicos como: North By Northwest, the Birds, Psicosis, Vertigo, The man who knew too much, The Rear Window, grandes cintas todas ellas, también dirigió una película hoy casi desconocida y sin embargo una pieza muy divertida en la filmografía del inglés. The Trouble with Harry, narra la historia de un grupo de habitantes en una pequeña comunidad del norte de Estados Unidos que tiene un gran problema Donde enterrar a Harry para que nadie lo descubra. Estelarizada por una muy joven Shirley McLaine, de hecho es su primera película en el papel de Jennifer Rogers una joven madre que se acaba de mudar al pueblo sólo para encontrarse en medio de las andanzas de un cadáver muy conocido por ella, acompañada de John Forsythe y un grupo de actores de películas de serie B que funcionan muy bien en esta comedia del maestro del suspenso, sus constante obsesión con el suspense está presente en esta comedia de errores donde el cuerpo de Harry aparece y desaparece. Pero ante todo ¿quién es aquel hombre muerto que ha aparecido en el campo cercano al poblado?

Estos no son los únicos ejemplos de grandes directores dirigiendo comedia pero son los tres primeros que se vinieron a mi mente porque las tres películas las disfruto hasta la fecha y se las recomiendo.

Luego les contaré de otras. 

La estupidez es un plato que se sirve sin guarnición

 

La nueva película de Mark Mylod es una feroz crítica a la sociedad de la banalidad y estupidez en la que nos hemos convertido.

Armando Enríquez Vázquez

Zona de spoilers después de este punto.

¡Quién no haya visto un programa de cocina, que tire la primera hamburguesa!

La película El Menú dirigida por Mark Mylod, quien ha hecho su carrera dirigiendo capítulos para diferentes series de televisión entre ellas Succession, Game of Thrones, Shameless,.

La cinta escrita por Will Tracy y Seth Reiss especializados en comedia y sátira, resulta una historia demoledora e irónica acerca de cómo la comida es comida y nada más.

El trailer de la cinta vende la idea de la clásica y trillada historia del cazador, y sus victimas humanas en una isla, pero la idea central de la cinta se centra en la venganza, la comida y las pretensiones de los seres humanos que ya no encuentran nada que hacer en esta sociedad de mezquindad y avaricia.

La historia se centra en una serie de posers que viajan a una isla a degustar un menú preparado por el famoso chef Slowik (Ralph Fiennes) una degustación de comida a la que pocos pueden acceder y que en esta ocasión como descubrirán los comensales no sólo es cara si no que todos ellos han sido seleccionados por el mismo Slowik para asistir, todos con una sola excepción.

La isla está habitada únicamente por los miembros del staff de Slowik. En la realidad la relación entre el chef y sus empleados se asemeja más a una secta o un culto. La devoción de cocineros, pinches, meseros, sommeliers y personal de seguridad por Slowik es total.

Slowik es una mezcla entre Lord Voldemort y Gordon Ramsey el neurótico, bipolar personaje de la televisión.

La lista de invitados incluye a una crítica de comida (Janet McTeer), y su acompañante (Paul Adelstein) un político (Reed Birney) y su esposa (Judith Light), una estrella de televisión en busca de revivir su carrera (John Leguizamo) y su pareja y publirrelacionista (Aime Carrero) Tres jóvenes tecnócratas empleados de una de las empresas tecnológicas más importantes y un sibarita egoista de nombre Tyler (Nicholas Hoult) y quien parece ser su cita para la noche; Margot (Anya Taylor-Joy).

La presencia de Margot parece inquietar no sólo a Slowik, si no desde un principio a su asistente principal Elsa (Hong Chau) quien es la encargada de dar la bienvenida a los visitantes en el muelle de la isla y darles un recorrido por la isla, mostrarle la sustentabilidad de lo que van a degustar, así como lo orgánico de los productos que crecen, se cultivan en la Isla y quien al conocer a Margot se muestra sorprendida de su presencia en la isla.

 Poco a poco y entre diferentes plato que no son más que patrañas dignos de quienes gustan de ver los canales de comida y visitar restaurantes “exclusivos” que sólo saben vender mínimas porciones por el precio de una vaca entera, en ese sentido una de las mejores ideas de la cinta es “el pan sin pan” que consiste en una serie de salsas que usualmente se pondrían sobre el pan, pero sin que en la mesa se sirva una sola pieza de pan. Para la mayoría de los comensales se trata de una burla, pero para Tyler es parte de la enorme sapiencia culinaria de Slowik.

Todos, staff y comensales se someten a los caprichos e ideas arbitrarias del prepotente chef, en aras de comer las pequeñas muestras de comida de Slowik. Todos menos Margot que es la única que cuestiona y enfrenta al chef. Esto hace que Tyler muestre su verdadera naturaleza; mezquina, envidiosa y servil.

Margot no pertenece al mundo de los privilegios y la prepotencia de los otros comensales, conforme avanza la trama descubrimos que es solo una prostituta contratada por Tyler para suplir a la persona que originalmente había invitado y con la que tuvo un rompimiento, pero le aterró la idea de no ser admitido en la cena sin pareja.

Una de los momentos más importantes de esta experiencia/degustación sucede en el momento entre platos cuando uno de los subalternos de Slowik, que intentaba ser como él y fracasa en el intentó se suicida frente a los comensales bajo la mirada complaciente del Cocinero en jefe.

En los últimos años hemos visto a la comida convertirse de un fenómeno social y de convivencia a una especie de creerse culto, no por pensar, sino por degustar, los ejercicios de pensamiento y análisis para muchos se han convertido en meras sensaciones; experimentación absurda sin una lógica. Los críticos culinarios existentes desde hace décadas, se creen los críticos de arte, se sienten los nuevos filósofos que descubren la verdad de la naturaleza en el bocado de un cerdo cocinado.

El Menú se diferencia de aquellas cintas como El festín de Babette, Chocolate en las que la comida es el pretexto para unir a los seres humanos para devolverles la humanidad perdida. El Menú es la bestialidad de los seres humanos con la comida como pretexto para disfrazarla.

Si eres amante del humor negro y del sinsentido El Menú puede llegar a gustarte y tras el final de la cinta y mientras las luces del cine se encienden, tal vez notes el regusto de haber visto algo interesante.

 imagen:cinembrollos.com

Dos visiones de la música negra.

Una de las más importantes influencias de los negros en la cultura es sin duda en el terreno de la música a partir del jazz y del blues. Estas son visiones sobre dos mujeres de la música. 

Armando Enríquez Vázquez

En un año de reivindicación de la cultura afroamericana en Estados Unidos, Hollywood produjo en 2020 diferentes cintas con personajes principales negros, así como biografías de personalidades de la cultura negra de aquel país.

Una de las más importantes influencias de los negros en la cultura es sin duda en el terreno de la música a partir del jazz y del blues todos los anglosajones crearon la música que tanto presumen desde la década de los 50 del siglo pasado a partir de los géneros creados por los afroamericanos.

Aunque en Una Noche en Miami, la menos valorada de estas cintas dirigida por Regina King, uno de los personajes es  el músico Sam Cooke, interpretado por Leslie Odoms Jr., que fue uno de los artistas que sirvió de puente para el reconocimiento de la música negra entre los sectores anglosajones más racistas y poderosos, quiero platicar de las dos cintas que tienen como personajes centrales a dos mujeres del jazz que indiscutiblemente enfrentaron en su momento al sistema norteamericano: Ma Raineys Black Bottom, distribuida por Netflix con el nombre de La madre del Blues y la cinta originalmente distribuida por Hulu pero que puedes ver a través de Amazon Prime Estados Unidos vs Billie Holiday.

La primera esta basada en la obra de teatro del mismo nombre escrita por August Wilson y publicada en 1985, la cinta retrata una sesión de grabación de la legendaria cantante Gertrude Ma Rainey, considerada por algunos como la madre del blues por ser una de las pioneras del género, así como una mujer que rompió al famoso techo de cristal al convertirse en una de las pocas mujeres negras en grabar discos en la década de los años 20 y sólo la segunda en firmar un contrato con una disquera grande como Paramount.

La cinta habla de los clásicos y consabidos lugares comunes sobre el racismo, la degradación y segregación de los negros en Estados Unidos, supuestamente una nación diversa, incluyente y justa, algo que no sucede hasta la fecha.

La película no le hace justicia ni a la cantante, ni a su importancia y no dejando de mostrar un producto surgido del teatro varías de las actuaciones incluyendo la del finado actor Chadwick Boseman resultan demasiado teatrales y estridentes para las pantallas del cine. La creatividad y propuesta son nulas. Perdiendo todo aspecto cinematográfico y convirtiendo la cinta en una simple grabación de una obra de teatro que poco aporta en realidad a la cinematografía.

La extraordinaria actriz Viola Davis da vida a la cantante, pero la mala dirección de la cinta opaca a la actriz encapsulándola en el estereotipo de una mujer caprichosa en lugar de retratar la fuerza de esta mujer que enfrentó los obstáculos que su color y su género le imponían en la década de los años 20, para terminar su vida siendo una exitosa empresaria y construyendo dos teatros en su estado natal; Georgia. Lo más decepcionante de la cinta es que a pesar de tratarse de la vida de una mujer que dedico a la música y cuyas grabaciones en Internet muestran la fuerza y belleza de su voz, no tiene una banda sonora que sea relevante, ni impresionante.

La película se convirtió en una visión de lo que debe ser premiado por razones equivocadas; la muerte de un actor, termina siendo una película más dentro de las muchas que se estrenan a lo largo del año en Estados Unidos; tristemente una más del montón.

Por su parte el retrato de la vida de la gran Billie Holiday, aunque mucho más cinematográfica, también se queda corta al hablar y mostrarnos la vida de esta cantante extraordinaria. La historia da por sentado una serie de cosas que en el fondo son terribles mentiras para la audiencia, como el hecho de que la legendaria Strange Fruit no fue escrita por Holiday, quien, si se fue la primera en interpretar la canción sobre linchamientos arriesgándose con el contenido político de la letra en tiempos en que, a pesar de la supuesta libertad, los negros eran considerados algo menos que simples habitantes de aquella nación. A diferencia de la cinta sobre Ma Rainey, Estados Unidos vs Billie Holiday utiliza a la cantante Andra Day que hizo su debut como actriz en esta cinta. La voz aunque de diferente tesitura a la de Holiday da a las interpretaciones de Strange Fruit y All of me una gran calidad. El personaje esta escrito con profundidad y la contraparte del agente negro del FBI Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes) que se infiltra para hundir a la cantante crea la oportunidad para añadir algo de romance en la cinta, aunque este sea al final solo una ilusión entre personas a las que su contexto los define.  

Es curioso que la cinta no esta basada en ninguna biografía novelada, ni obra de teatro si no en un ensayo sobre la adicción de la heroína y las primeras acciones del gobierno norteamericano a través del FBI por organizar la lucha contra las drogas que se titula Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, del periodista inglés Johann Hari. Harry Anslinger, fue uno de los agentes destinados por el Edgar Hoover al combate de las drogas y un racista acosador de Holiday, interpretado en la cinta por el actor Garret Headlund, el personaje real sobrevivió en la agencia hasta 1962 tres años después de la muerte de la cantante. El guion fue escrito por Suzan-Lori Parks.  

En ese sentido la película hace un retrato claro de las persecución, intolerancia, impunidad y racismo de la política de Estados Unidos en contra de los ciudadanos, en este caso en contra de Billie Holiday. La película a pesar de ser una historia de la caída de una estrella, jamás nos hace ver a Holliday demasiado mal hasta sus últimas escenas, a diferencia de otras cintas sobre estrellas negras musicales como la inolvidable Bord de Clint Eastwood (1988) sobre la vida del saxofonista Charlie Parker con la brillante actuación de Forrest Whitaker o Ray (2004) de Taylor Hackford que le valió a Jamie Foxx un Oscar por su actuación. Aún así la cinta es muy recomendable.

Publicado en roastbrief.com.mx en agosto de 2021

imágenes Netflix y Amazon

El ciudadano Mank

 

La política, la corrupción y un personaje extremo en la cinta que Netflix y actuada por el excepcional Gary Oldman.

Armando Enríquez Vázquez

EEl Ciudadano Kane es considerada por muchos una de las tres mejores películas en la historia del cine. Su director el polémico y genial Orson Welles, que en el momento de su debut cinematográfico tenía tan sólo 24 años, es en sí mismo una leyenda en la historia de la cinematografía y de la radio en Estados Unidos. La película es una reflexión y un retrato sobre el poder desmedido representado por uno de los personajes más destacados y despreciables de los medios escritos de Estados Unidos y cuyo imperio ha llegado hasta nuestros días; William Randolph Hearst.

Mucho se ha dicho y escrito acerca de la película y de Welles, pero poco acerca de quién junto con el gigante de Kenosha, Wisconsin escribió el guion de El ciudadano Kane; Herman Mankiewicz. Netflix estrenó a finales de 2020 Mank una extraordinaria película sobre esta parte del génesis de la cinta y acerca del hombre clave para el clásico del cine mundial. Mank es protagonizada por Gary Oldman en el papel de Herman Mankiewicz.

La cinta fue dirigida por David Fincher, el director estrella de Netflix quien en 2013 inauguró la explosión de la producción propia de la plataforma con House of Cards, lo que revolucionó a las plataformas de video en Internet, terminó con el mito de la duración de los contenidos de video en línea y precipitó la caída de la televisión.

La película narra el momento de la vida de Herman Mankiewicz, al que sus amigos y conocidos llamaban Mank, en que escribió el guion de la cinta. confinado en un rancho con una fractura en la cadera, obligado a la sobriedad por su agente y después de haber perdido su empleo en MGM por burlarse de Louis B. Mayer uno de los creadores de Hollywood, Mank se enfrenta a escribir contra tiempo la historia para la primera cinta de Welles a quien RKO contrató intentando levantar las ganancias y audiencias del estudio.

Mankiewicz fue todo un personaje, aparte de ser un escritor exitoso en los inicios de Hollywood, fue alcohólico, ludópata, irreverente y necio. Su vicio contribuyó a que muchos se formaran una imagen del guionista como bufón. Mankiewicz era visto como un miembro divertido en la corte de William R. Hearst, siempre rodeado de lambiscones o empleados, incluido el mismo Mayer, quién de acuerdo con la cinta fue un simple testaferro del magnate de medios impresos. El guion de El Ciudadano Kane de acuerdo con la cinta de Fincher sería una versión muy personal de Mankiewicz de un hombre al que el guionista ha decidido condenar al infierno, como en su momento han hecho otros artistas con sus críticos y enemigos. Mankiewicz intentó condenar a Hearst a la soledad y la amargura con el guión, después de narrar su prepotencia, arrogancia y el poder que imponía a todos aquellos cercanos a él. Y sin quererlo, Mank, acaba con la amante de Hearst, Marion Davies (Amanda Seyfried) a la que el magnate de la prensa convirtió en estrella de cine, convenciendo a Mayer de incluirla durante algunos años en MGM y que fue buena amiga de Mank. En la película queda como simplona arribista. El estreno de El ciudadano Kane marginó aún más a Mankiewicz y así vivó durante la última década de su vida

En tiempos de política y cuando Hollywwod presume de ser un centro de liberales, Mank cuenta la forma en que MGM y Mayer se involucraron en la campaña por la gobernatura de California en 1934. El productor apoyó al candidato republicano Frank Merriam y orquestó una campaña de propaganda a través de documentales ficticios que querían pasar por reportajes en contra del escritor Upton Sinclair, candidato demócrata al que se consideraba comunista en los círculos más reaccionarios de los dueños de los estudios de Hollywood. Mayer intentó obligar a los empleados de MGM a votar por el republicano. La influencia del cine en aquellos años y por extensión de los medios en la actualidad en el comportamiento y la forma de pensar de las audiencias es así uno de los temas que pone sobre la mesa la cinta. De la misma manera la capacidad del público para entender la narrativa y los temas expuestos en películas, programas de radio o televisión, más allá de las sencillas y simples líneas argumentales del melodrama.

Mank tiene diferentes capas y niveles de lectura. Pero su lectura más superficial es impecable, los personajes y la manera de contar la anécdota son perfectos. La extraordinaria actuación de Oldman quien lleva de principio a fin toda la película, otro paralelo con la película de Welles, hace a todos los personajes, incluido Orson Welles, bailar al ritmo que Oldman los obliga. Las escenas entre el Mank y Marion Davies, interpretada por Amanda Seyfried son de lo mejor de la película. Oldman, Seyfreid y la cinta estuvieron nominados al Oscar en la entrega pasada.

La historia filmada en blanco y negro, algo que le gusta a Netflix para sus más ambiciosas películas, con grandes referencias visuales y artísticas al cine de los años treinta iniciando con la secuencia de créditos. Las escenas en la famosa residencia, hoy museo, de San Simeón que construyó Hearst a partir de un castillo medieval que importó de Europa piedra por piedra y reconstruyó de la misma manera en California muestran la espectacularidad y el obsceno estilo de vida que llevaba Hearst y los festines que se organizaban en su enorme propiedad y que contrastan con la vivienda modesta donde Mank escribe y dicta su guion.

Como en el caso de El ciudadano Kane, el guion de Mank es la columna vertebral de una extraordinaria película y es producto de la mente del padre de Fincher, Jack Fincher guionista y periodista que murió en 2003 y que también escribió un guion que propuso a Martin Scorsese sobre la vida de Howard Hughes y que al final no fue el utilizado para El Aviador. Como en el caso de El ciudadano Kane, el guion es una reflexión sobre el poder, la soledad y además, sobre un sistema arbitrario de trabajo y un hombre que hace lo único que sabe hacer; escribir historias.

publicado originalmente en roastbrief.com.mx

imagen Netflix

Películas desastrosas, películas exitosas.

Tres de los más polémicos directores de cine han merecido grandes cintas cinematográficas de directores que los han expuesto o reivindicado como quiera verse.

Armando Enríquez Vázquez

Acabo de ver la película de James Franco The Disaster Artist (2017) acerca de un personaje sui generis, por decir lo menos, Tommy Wiseau, creador de The Room (2003), la que muchos críticos de Estados Unidos consideran la peor película de la historia, pero que entre ciertos sectores de la población de aquel país se ha convertido en una cinta de culto, como ha sucedido con otras películas excepcionalmente malas como The Rocky Horror Picture Show (1975), Killer Klowns of Outer Space (1988), The Attack of the Killer Tomatoes (1978) o la celebérrima Plan 9 from Outer Space (1959).

La película de Franco, estelarizada por él mismo en el papel de Wiseau y su hermano Dave en el papel del principal amigo de Tommy, Gregg Sestero. A pesar de haber sido nominada a un premio Oscar por su guion y que el trabajo de Franco fuera premiado con el Globo de Oro por su actuación, no me pareció nada espectacular, pero me recordó una de las cintas mas olvidadas de Tim Burton, Ed Wood (1995), sobre el director y escritor de Plan 9 from Outer Space y de su relación con Bela Lugosi en lo que sería la última cinta del actor que encarnó a uno de los vampiros más famoso en la historia del cine. Ed Wood de la misma manera que Tommy Wiseau se empeñó en llevar a cabo cintas que se han vuelto de culto en Estados Unidos a partir de características nada deseables, mala factura, pésima dirección y un argumento inverosímil plagado de diálogos burdos.

Ed Wood también fue merecedora del reconocimiento de la Academia Cinematográfica estadounidense, la actuación de Martin Landau en su papel de Bela Lugosi fue merecedora de la estatuilla al mejor actor de reparto. Y la película fua aclamada mundialmente, Johnny Deep quien interpretó al excéntrico productor, director y escritor hollywoodense de la década de los cincuenta fue reconocido por Círculo de Críticos de Londres como el mejor actor del año.

Tanto Franco como Burton decidieron llevar a la pantalla la historia de dos personas que con ideas bastante malas han logrado trascender en la cultura cinematográfica de Estado Unidos estando en un lugar que nadie puede envidiar. Sin embargo, ambos directores lograron descubrir que las verdaderas historias y personajes cinematográficos eran los dos creadores de cintas y aquellos que decidieron creer y suscribir sus locuras, personas que confiaron por diferentes razones en Wood y Wisaeu.

Las películas de Wood o el bodrio de Wiseau son el resultado de la testarudez de dos personajes carismáticos, con hambre por trascender a pesar de su ignorancia y con nulas de aprender. Hombres excepcionales, que se volvieron las verdaderas singularidades de un sistema de estrellato que devora a decenas de miles de jóvenes mediocres anualmente y la visión tanto de Burton como de Franco nos permiten ver una de las realidades más claras de nuestros días, las ideas no se pueden sostener sin una estructura y una educación que las sustenten. Si bien la visión personal de los directores nos propone una realidad atractiva de Wiseau y de Wood. En el caso de Franco la historia de un curioso personaje con disponibilidad a millones de dólares sin que hasta la fecha quede claro su origen y en el caso de Burton la mirada a un excéntrico que en mucho se parece a los personajes de las ficciones del gran director. Ambas cintas provocaron la edición de libros y producción de programas sobre ambos personajes.

En México existe también el caso de un director, productor y actor que bien podría ser la versión nacional de cualquiera de los dos estadounidenses; Juan Orol. A diferencia de Wood o Wiseau, Orol, fue un director muy prolífico llegó a filmar cuatro cintas en un año, tres al mismo tiempo y bajo el mismo presupuesto. Orol a pesar de las críticas a sus cintas que en su momento fueron feroces, continuó produciendo y es un director odiado por unos y por otro lado desde hace décadas ha sido objeto de culto. Se han publicado libros sobre el director nacido en Galicia, realizador de cintas del género de cintas de gangsters y cabareteras. Su filmografía incluye películas como Charros vs Gangsters (1947) y su secuela El Charro del Arrabal (1948), Cabaret Shangai (1950), Zonga, el ángel diabólico (1958), El fantástico mundo de los hippies (1968), de entre más de 35 películas. Orol gozó de cierto éxito con sus cintas, sobre todo al inicio de su carrera a diferencia de Wood y Wiseau.

En 2012 se estrenó la película El fantástico de mundo de Juan Orol del director Sebastián del Amo sobre la vida del gallego-mexicano. Roberto Sosa interpretó a Orol y su actuación le valió el Ariel a la mejor actuación ese año.

El ojo creativo de Franco, Burton y del Amo supieron aprovechar a personajes excéntricos que tuvieron para bien sus minutos de fama negativa y lograron lo que ellos no pudieron; buenas películas.

Publicado originalmente en roastbrief.com.mx en noviembre 2020

Spike Lee; Netflix y Amazon.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano.

Armando Enríquez Vázquez

Spike Lee es sin duda uno de los directores de cine más importantes de las últimas décadas, su activismo por la causa de los afroamericanos es parte vertebral de su propuesta creativa. Películas como Haz lo correcto, Bamboozled, La noche del asesino, una extraordinaria cinta que habla del clima social que se vivía en Nueva York el año en que el asesino serial El hijo de Sam cometió sus crímenes poniendo a una de las mayores urbes del mundo en un estado de paranoia. Malcolm X, la cinta sobre el importante y radical líder del movimiento afroamericano en la década de los años 60. El año pasado su película El infiltrado del KKK, ganó el Festival de Cannes y del Oscar por el mejor guion adaptado. Su documental 4 niñas de 1997 sobre el asesinato en 1963 de cuatro en Alabama en un atentado con bomba en una iglesia bautista. Así como sus documentales sobre Jim Brown y Kobe Bryant son parte de su innegable legado sobre los derechos civiles y humanos de los afroamericanos.

Spike Lee es más allá de su importancia como director, guionista y productor, un verdadero líder y ejemplo para la comunidad afroamericana y un hombre admirable. Muchos de los jóvenes directores y escritores afroamericanos están profundamente influenciados por el trabajo y las ideas de Lee y eso no se puede negar.

Este año tanto Netflix como Amazon Prime han volteado a ver a Spike Lee. Ambas plataformas estrenaron películas del importante director norteamericano, las dos son puntos de vista contradictorias y por primera vez veo en una cinta del Lee, arrogancia y estupidez racista, típica de los norteamericanos.

Da 5 Blood, traducida Los 5 sangre, es un melodrama de guerra con aromas de western y un ejemplo de cómo también del lado de los afroamericanos el racismo y la prepotencia nacionalista gringa puede ser mayor que los fundamentos válidos e innegables con los que en general señalan a la cultura occidental y en especial en Estados Unidos que los ha segregado y criminalizado por el simple hecho de tener la piel de otro color.

Los 5 sangre esta estelerizada por Delroy Lindo (Paul), Jonathan Majors (su hijo, David), Clarke Peters (Otis), Norm Lewis (Eddie) y Isiah Whitlock Jr (Melvin). La historia cuenta el regreso de cuatro veteranos de la guerra de Vietnam, después de 40 años, al país que destruyeron y los cambió, bueno no del todo, para recuperar un cargamento de oro que robaron al gobierno de su país y que estaba destinado a grupos guerrilleros en el Vietcong. El quinto sangre fue muerto en el fragor de la batalla y sus restos nunca fueron recuperados, lo que sirve de pretexto a los otro cuatro para regresar por el oro. En el camino se encuentran con un mercenario financiero francés interpretado por Jean Reno, que hace la versión grotesca de la caricatura del francés en el arrogante imaginario norteamericano.

El verdadero cambio, el que atañe a Paul, quien al final develará el origen de los cuarenta años que lleva volviéndose loco y desarrollando el síndrome de guerra. Lo triste de la cinta, una imitación de película de Tarantino sin el sentido del humor retorcido y en tanto la factura e historia, es la visión que el director americano hace de los vietnamitas a los que desprecia y que cómo en todo buen western se acerca a la de los indios o mexicanos del género, malos, estereotipados y a los que no importa matar por esas mismas razones. Este planteamiento argumental racista no es extraño a un gran número de películas estadounidenses, pero resulta extraña y patética en un hombre que a lo largo de su vida se ha dedicado a combatir el racismo y la discriminación, incluso el hacer estereotipos de los seres humanos como en el caso de Bamboozled. Los 5 Sangre es sin duda la peor película de Spike Lee y no por su factura o sus actuaciones, si no por su planteamiento ideológico.

Amazon Prime, por su parte, estrenó Pass Over, que se puede traducir como Cruzar. La cinta basada en la obra de teatro homónima de la dramaturga norteamericana Antoinette Nwandu que a su vez se basa en la obra fundamental del escritor y Premio Nobel de Literatura irlandés Samuel Beckett Esperando a Godot, es una poderosa visión desde el Teatro del Absurdo de la irracional y demagógica situación actual en materia de racismo que se vive en los Estados Unidos de Donald Trump. La historia es una metáfora acerca de la opresión y cómo a los afroamericanos continúan siendo víctimas de una libertad ficticia basada en una libertad real. La historia totalmente actual y más en el momento que vivimos con las manifestaciones en contra de la violencia racial proveniente desde el poder y a través de los llamados brazos de la ley del Estado.

En este caso la historia es muy poderosa, con pocos actores, sólo cuatro. Dos jóvenes indigentes de una zona marginada en una ciudad norteamericana; Moses (Jon Michael Hill) y Kitch (Julian Parker) sueñan con superar el círculo de miseria y de violencia en el que viven y para ello sólo necesitan cruzar la calle, pero cada vez que lo intentan o lo sugieren las balas se los impide. El poderosísimo final de la cinta deja a todo mundo en un silencio sepulcral.

Y digo a todo mundo porque la propuesta de cámara de Spike Lee es hacer del fenómeno teatral, un fenómeno cinematográfico. La cinta inicia a la manera de un documental con personas afroamericanas que son llevadas de un centro escolar al teatro donde presenciaran la representación de Pass Over, La puesta en cámara, va en función de la puesta en escena y las reacciones del público sirve a Lee para acentuar el ritmo y el punteo de la cinta. A diferencia de Los 5 sangre, Pass Over, es una película que mantiene los temas de Lee y una con un valor actual, envuelta en una creativa y atractiva propuesta narrativa y visual. La teatralidad de las actuaciones, la escenografía y las miradas y reacciones del público dan como resultado una película entretenida que a pesar de carecer de los elementos más llamativos de una película; los efectos especiales, no es pesada, ni lenta. Yo la pongo entre las mejores de películas de Spike Lee.

Pass Over no tiene desperdicio, Los 5 sangre es totalmente intrascendente y ofensiva.  Luz y sombra de uno de los artistas más importantes actualmente en Estados Unidos.

publicado el 1º de julio de 2020 en roastbrief.com.mx

imagen: Amazon Prime

John Alvin; extraterrestres, robots y un rey.

Otro de los grandes cartelistas del cine norteamericano fue John Alvin creador de los posters de películas como Blade Runner, E.T., El rey león, El joven Frankenstein entre otras.

Armando Enríquez Vázquez.

Todos reconocemos el poster que anunciaba una de las películas más importantes de Steven Spielberg, el dedo de un niño que toca el dedo luminoso de un extraterrestre, con la misma fuerza de la pintura de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina e inspirado en él, debajo del encuentro cercano del tercer tipo se encuentra nuestro planeta y envolviendo las dos manos el Universo. Un Poster sencillo lleno de significado y de metáforas, para el cual el diseñador utilizó la mano de su hija como modelo de la mano de Elliot. Detrás de la concepción se encuentra el talento de un hombre nacido en Hyaniss, Massachussets el 24 de noviembre de 1948. Hijo de un militar cambió de residencia en más de una ocasión y al final la familia se estableció en California.

Estudió en el Centro de Estudios en Diseño de Los Ángeles y se graduó en 1971. Su amor por el cine lo llevó a buscar trabajo en Hollywood y pronto se vio trabajando en el que sería su primer poster cinematográfico, para la película Blazzing Saddles (1974), un western satírico de Mel Brooks, el creador del Super Agente 86. Después creó el poster para otra película de Brooks, El Joven Frankenstein, una farsa de la novela Mary Shelley y de las películas de Boris Karloff, este es otro de los posters más reconocidos en el mundo.

A lo largo de su vida Alvin diseñó más de 135 posters para igual número de cintas. Además del de ET, los más famosos son el de Blade Runner (1982), la extraordinaria película de Ridley Scott basada en la novela de Philip K. Dick y El Rey León (1992) el ya clásico shakespeareano de Disney.

Entre mis favoritos se encuentra el de El Imperio del Sol de Steven Spielberg basado en la novela de J.G. Ballard sobre la infancia en China durante la II Guerra Mundial. El Sol cruzado por un avión en picada, la silueta de un niño saltando y una cerca de púas con un fondo gris difuminado sin esperanza forman una composición que es complemento perfecto de la lúgubre historia.

Otro gran diseño es el que Alvin creó para la película de Edward Blake Victor Victoria sobre una actriz que tiene que hacerse pasar por hombre en los cabarets de Berlín de entreguerras, sobre un fondo negro los sensuales labios rojos coronados por un bigote creado con las luces de una marquesina. Así es la síntesis que debe lograr un poster para atraer al publico sin engañarlo.

Pero además creó otros posters que todos recordamos. La bella y la bestia de Disney, Batman Returns de Tim Burton, Cabo de miedo de Martin Scorsese, El color púrpura de Spielberg, Cocoon de Ron Howard, Gremlins de Joe Dante con el regalo abriéndose y las manos de Gizmo asomando de la caja. La sirenita de Disney, Hook de Spielberg, El fantasma del Paraíso de Brian de Palma, que el museo Smithsonian exhibió como uno de los mejores posters del siglo pasado.

Para Alvin crear un poster era no sólo promoción si no el recuerdo emocional de la primera vez que el espectador vio la película.

Aunque ningún diseño de Alvin fue elegido para los posters de la primera trilogía de Star Wars, el diseñador hizo dos posters relacionados con la saga que le valieron diferentes reconocimientos; el poster del décimo aniversario del nacimiento de la historia y el poster del concierto con la música de las primeras películas.

Alvin murió en 2008, tenía 59 años. Para el diseñador su poster favorito de los que él había creado siempre fue el de ET.

Existe un sitio llamado www.artinsight.com que le ha dedicado un sitio al artista y su trabajo, también ha posteado en Youtube una entrevista en tres breves partes con el diseñador.

imagenes: artinsight.com

¿Quien vigila a los vigilantes?

Armando Enríquez Vázquez

Esta frase aparece en una de las escenas de una de las películas de héroes-antihéroes más interesantes de éste año y recientemente puesta a la venta en DVD y Blu-ray; Watchmen.

Basada en una de las novelas gráficas más exitosas de la historia Watchmen cuenta una historia alterna de una realidad alterna de nuestra sociedad. El año es 1985, Estados Unidos y Rusia se encuentran a punto de enfrentarse en una guerra nuclear. Los norteamericanos ganaron la guerra de Vietnam y Richard Nixon es todavía presidente de los Estados Unidos.
La sociedad americana desde los años cincuenta ha visto el surgimiento de hombres y mujeres enmascarados y disfrazados que luchan contra las pandillas de malhechores, pero el tiempo pasa y los héroes se vuelven viejos o mueren y con el tiempo se hace necesaria una nueva camada de héroes. Lo que antes fue lucha contra el crimen poco a poco se vuelve represión y con el tiempo el congreso prohíbe a los enmascarados regresándolos a su realidad o cosas peores….
¿Dónde terminan los héroes y comienzan los brazos represores del estado? ¿Cuál es la diferencia entre los ideales personales de justicia y bienestar y las necesidades reales de la humanidad para poder alcanzar estos ideales?.
Los personajes de Watchmen están cargados por el pasado, por sus glorias y sus fracasos, mostrando ante todo su lado humano. Parte freudiana, la historia lleva a los personajes a enfrentar momentos claves de su infancia y con ello descubriri su circunstancia. Uno de los personajes principales Rorschach, tiene una máscara en la que constantemente cambian las manchas que la conforman, asimilando las famosas cartas de la prueba psicológica. Rorschach es el único de los héroes que continúa su lucha contra el crimen cuando todos los demás ya han sido retirados a la vida normal.
Escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons, la Primera edición de la novela gráfica se llevó a cabo entre septiembre de 1986 y octubre de 1987 en doce entregas. La versión cinematográfica fue dirigida por Zack Snyder, quién anteriormente dirigió otra novela gráfica: 300, y su primer largometraje fue el remake del clásico de George A. Romero El amanecer de los muertos.
Watchmen es una película inteligente, que nos lleva más allá de los enmascarados capaces de terminar con la maldad del mundo sin mancharse la conciencia, y aunque el cinismo es parte fundamental de cualquier héroe, la búsqueda de la trascendencia, el sacrificio, el compromiso con uno mismo y las traiciones a éste, son una parte importante de estos héroes tan sui generis.
Técnicamente y en su ejecución Watchmen tiene muy buenos efectos, fotografía y banda sonora impecables y una soundtrack muy aceptable Watchmen es de los DVD más recomendable para adquirir y si ya conoces la trama o el comic evita por un momento las comparaciones literales, porque afortunadamente todo lo importante se conserva en la película.
Watchmen . (2009) Dir. Zack Snyder con Malin Akerman, Billly Crudup, Mathew Goode, Carla Gugino, Jackie Earle Haley, Jeffrey Dean Morgan y Patrick Wilson. Paramuont DVD.
Publicado por Blureport.com.mx Noviembre 2009