Un pantano trece años después

 El tiempo transcurre, no así los misterios que s ocultan en el pantano polaco. La serie de Netflix nos recuerda que muchas veces todo se mueve para que siga igual. 

Armando Enríquez Vázquez

El año pasado Netflix estrenó lo que parecía una miniserie polaca llamada El Pantano. La historia centrada en una investigación periodística del asesinato de un funcionario escolar y una prostituta en la Polonia comunista llena de represión y censura. Esta investigación deja entrever la corrupción y lugares oscuros de la pequeña ciudad polaca de Gronty, así como los recuerdos del viejo periodista Witold Wanycz (Andrzej Seweryn), sobre su juventud y su relación con una joven alemana que tras la II Guerra Mundial regresó a Alemania para convertirse en una afamada artista gráfica. El sueño de Witold es viajar a Alemania y rencontrarse con esta mujer. En el otro extremo se encuentra el periodista novato Piotr Zarzycki (Dawid Odrodnik), hijo de un alto funcionario del partido comunista polaco que recién casado con Teresa (Zofia Wichlacz) que esta embarazada y al parecer mientras él huye de la sombra de su padre para forjar su carrera, ella también esta buscando nuevos horizontes que la liberen de la reputación que le dejó una relación lésbica. El bosque aledaño a la ciudad oculta el secreto de una matanza nazi, pero algo más también que no se esclarece bien en esa primera entrega pero que impactó directamente en la relación entre Witold y la adolescente alemana.

Al final de la primera entrega los cabos que quedan cabos sueltos no parecen demasiado fuertes para pedir una segunda temporada, las tramas principales se resuelven de forma lógica y convincente, por eso al ver anunciada una segunda temporada ubicada 13 años después me llamó la atención.

Esta segunda temporada es sorprendentemente coherente con la primera, la evolución de los personajes, la situación de Polonia ha cambiado es 1997, el comunismo ha desaparecido pero el peso de un sistema corrupto aún se cierne sobre Gronty, esta vez la tragedia que provoca todo es una gran inundación que devasta Gronty y desentierra cientos de cuerpos del cementerio clandestino en el bosque cercano al pueblo.

Piotr regresa al pueblo para dirigir el diario local en el que se inició trece años antes, con él llegan Teresa y la hija de ambos, la adolescente Wanda (Wanda Marzec) y se instalan en un nuevo desarrollo residencial que no sufre daño alguno por estas inundaciones a pesar de encontrarse en una zona muy vulnerable de los suburbios del pueblo, pues de manera providencial, al parecer, un dique se ve rebasado por el agua y la corriente toma otro rumbo que incluye las calles de Gronty.

La aparición del cadáver de un adolescente entre los escombros del paso del torrente cercano al dique desata una investigación policial que ninguno de los policías locales quiere llevar a cabo y/o que progrese y la única empecinada en hacerlo es la sargento de policía Anna Jass (Magdalena Rozczka) quien está en Gronty en un programa de intercambio con la policía de Cracovia, en un principio parece que a manera de castigo, pero la policía deja ver hacia el final de la temporada que sus órdenes son otras. Como en muchas de las series policiacas, Jass tiene un trauma por una investigación mal resuelta que la atormenta y la obliga a tratar de resolver este caso. Tal vez, el motivo de su traslado a Gronty desde la ciudad de Cracovia sea también el hecho de ser lesbiana, en un país que comenzaba a levantar su puritanismo comunista y católico.

También está el secuestro y desaparición del hijo de un poderoso empresario de la ciudad que lleva meses sin ser investigado, algo que es una prioridad para el diario que dirige Piotr, pues el empresario es el principal anunciante.

Mientras Witold se ha recluido como un ermitaño en su departamento, únicamente visitado por los fantasmas de su adolescencia y por Nadia la prostituta a la que ayudó a huir de Gronty en la primera temporada y que ahora es la dueña del salón de belleza del pueblo.

Piotr visita a Witold y le pide escribir un texto para el periódico sobre la verdad que oculta el bosque de Gronty, algo que al principio el viejo periodista se niega a hacer y lo mismo sucede cuando le pide lo mismo al viejo disidente político Kazimierz Drewicz (Michal Kaleta) quien, reintegrado a la vida pública y al diario, ahora se encarga de escribir los horóscopos y trata mantenerse apartado de todo. Al final ambos escribirán sus textos.

La investigación que Jass se empeña en continuar demuestra que el dique fue dinamitado para evitar que el conjunto residencial se inundara. También esta el viejo fiscal de la región y el fantasma de la amante de Piotr en la relación con Teresa que descubre un nuevo amor. Piotr continúa siendo un peón, sin que él lo reconozca. Mientras que la investigación de Piotr sobre el secuestro del hijo del empresario lo llevan a lugares más cercanos de lo que el mismo espera.

Todo se ha movido y cambiado para seguir igual, poder político que es remplazado en parte por poder económico. La censura convertida en autocensura e intereses comerciales en un supuesto diario independiente. Y todos los personajes están relacionados en una serie de giros de tuercas y guiños que crean una telaraña de finos hilos y vasos comunicantes.

Al final todo habrá de solucionarse, los horrores del momento y del pasado llenan la historia y una última vuelta de tuerca precede al fade out final. Cómo en la temporada anterior todo parece resuelto, existen muchos cabos sueltos que parecen insignificantes, aún quedan preguntas sin contestar, empezando por ¿qué sucedería si Witold viaja a Alemania y encuentra a la artista alemana que fue el amor de su adolescencia y cuyo recuerdo junto con un acto de cobardía que el periodista cometió y nos es revelado en esta segunda entrega lo han marcado en su vida?

Supervivencia y traiciones, supervivencia y nuevas oportunidades parecen una constante que rodea a los diferentes personajes de la serie.

Igual de breve que la primera entrega, sólo 5 episodios, esta nueva temporada de El Pantano es muy sólida, con personajes que no han cambiado en lo fundamental, pero a los que los años han matizado. Escrita de manera brillante y con actuaciones que destacan por no ser estridentes, ni llamativas, El pantano engancha desde los primeros minutos de la segunda entrega. La fotografía es sobria y gris como lo fueron los años de la dictadura comunista y los medrosos y temerosos años que siguieron a su caída solo sirve para reforzar el escenario planteado por el guión. 

Aunque al parecer Netflix no ha dicho nada acerca de una tercera temporada, hay quienes asumen que la habrá. En lo personal creo que esa historia central entre Witold y la artista alemana es la gran pieza faltante. No es imprescindible porque todos sabemos lo que los años y la distancia representan, pero en tiempos en que todos quieren que se les explique todo, nadie mejor para no dejarlo a la interpretación que los productores y escritores. El Pantano es una buena serie para ver.

Publicado originalmente en roastbrief.com.mx en agosto de 2021

imagen Netflix

Somos y tristemente seguiremos siendo.

 

Somos es una miniserie devastadora que no da concesiones y que como sucede en el caso de muchas de estas creaciones se basa en acontecimientos que han aparecido en las páginas políticas y de la nota roja de diarios y revistas nacionales e internacionales.

Armando Enríquez Vázquez

Cómo nos duele a muchos nuestro México. Cómo nos duele que la violencia sea la principal línea narrativa de series, novelas, películas, obras de teatro y hasta operas, pero duelen más la certeza de que todas estas creaciones se quedan cortas frente a la brutal realidad y 30 años de terror institucionalizado a partir de gobiernos locales y federales permisivos con el crimen organizado, una iglesia católica cómplice que se reúne con narcos y con iglesias protestantes llenas de todos los pecados capitales y veniales.

Netflix estrenó una miniserie sobre el tema, bajo el título Somos. Somos es una miniserie devastadora que no da concesiones y que como sucede en el caso de muchas de estas creaciones se basa en acontecimientos que han marcado las páginas políticas y de la nota roja de diarios y revistas nacionales e internacionales: La matanza de civiles en la población de Allende en el estado fronterizo de Coahuila.

La historia está construida con la vida cotidiana, a manera de mosaico, de diferentes habitantes de la población; adolescentes preparatorianos que a manera de high school estadounidense se dedican a jugar futbol americano y comienzan a descubrir su sexualidad. Ganaderos del lugar amenazados por la ambición de los narcotraficantes para tener mejores rutas para sus drogas. La veterinaria, los narcotraficantes, las prostitutas del lugar y los corruptos policías. Todos con sus expectativas, retos y problemas pequeños o grandes con los que los seres humanos lidiamos a diario.

La serie tiene el muy consabido y hasta predecible formato tan de moda de iniciar por el final, para remontarnos después a las tres semanas anteriores a la masacre.

Somos no tiene actores de fama, incluso no todos los intérpretes son actores de carrera, no tiene tampoco la gran super producción, pero el guión y los personajes no tienen desperdicio. Escrita y creada por James Schamus, un veterano escritor, productor, quien se basó en un reportaje de la periodista Ginger Thompson acerca de cómo una operación fallida de la DEA terminó en una de las masacres más cruentas en el norte de México en los últimos años. La miniserie tuvo entre las productoras executivas y seguramente metió mano a los guiones y en la visión fría y descarnada de la misma, a la extraordinaria escritora mexicana Fernanda Melchor. 

Son mujeres fuertes las que hacen el relato, mujeres como muchas en este país que sacan adelante la casa y las familias. Nancy (Jimena Pagaza) es la adolescente contestaria, que juega futbol americano en el equipo de la escuela y cuya visión de las relaciones sexuales es en principio más pragmática que la visión patriarcal de Tom (Mario Quiñones) el joven que le gusta y escoge para ser su pareja sexual. Las hermanas Irene (Iliana Donatlán) y Ericka (Areli González) pilares de sus respectivas familias a pesar de haber crecido en una familia de padres golpeadores y abusivos. Pero sin duda el gran personaje femenino de la serie es Doña Chayo (Mercedes Hernández) la humilde vendedora de hot dogs de Allende que cuida de su hija, su nieta y su yerno y que conforme al progreso de la serie se convierte en halcón del narcotráfico. Personaje que desde el silencio y la trinchera de su carrito y frascos de mayonesa y mostaza es testigo del ir y venir del pueblo.

La otra actuación destacada es la de Jesús Sida que interpreta a Paquito el yerno de Doña Chayo un joven ingenuo, no muy brillante que termina siendo víctima de la corrupción policiaca y después de las malas decisiones que toma, pero el personaje está muy bien interpretado a pesar de que se nota la poca experiencia actoral del joven. Sus amigos son jóvenes sin oficio ni beneficio que representan esa enorme generación que sin oportunidades, ni opciones se ha vuelto parte del crimen organizado y que obviamente tienen más de lo que tiene paquito.

A diferencia de Narcos, la colusión voluntaria o involuntaria de la misma DEA en el pitazo a los miembros de los Zetas es el detonante de la masacre en Somos y muestra la complejidad de un asunto que ha corrompido a ambos lados de la frontera por más que los gringos se quieran limpiar las manos, aquí nadie sale limpio y la ingenuidad de los mandos bajos de la agencia norteamericana son la mínima conclusión a la que el espectador puede llegar. A manera de consuelo, el novel y entusiasta agente es premiado con el dudoso honor de ser nombrado el empleado del mes. En Somos la conclusión es clara, todo cambia de la peor manera para que todo siga igual.

Somos no es fácil de ver y a muchos que se niegan a ver a México y creen que todo es la familia Derbez de vacaciones y otras estupideces similares les parecerá como las cintas de Amat Escalante y Michel Franco una exageración antipatriótica, pero lo que en realidad es una vergüenza y tristeza, que debe enfurecernos y hacernos reflexionar sobre el sistema económico y político que hemos permitido se construya en nuestro país.

La ovación otorgada en Cannes esta semana a la cinta La Civil y los reconocimientos a Nuevo Orden en diferentes foros internacionales nos hace pensar que más allá del patrioterismo barato de muchos estas historias de la violencia en un México real están muy lejanas a desaparecer y algo debemos exigir.

publicado en agosto de 2021 en roaastbrief.com.mx

imagen Netflix

Apocalipsis y el amor por los dulces.

 

Sweet Tooth es una reflexión sobre los limites y los peligros que desde ciertas áreas de la ciencia implica jugar a ser Dios.

Armando Enríquez Vázquez

La serie de Netflix, Sweet Tooth, está basada en un comic homónimo muy exitoso escrito e ilustrado por el artista canadiense Jeff Lemire. El nombre de la serie y del comic proviene del desmesurado gusto de los híbridos por la comida dulce.

La historia como es digna de estos tiempos de pandemia trata de un virus que acaba con la sociedad como la conocemos y merma de manera considerable a la población humana. Al mismo tiempo que surge la pandemia, comienzan a nacer unos niños híbridos con características de animales salvajes. Como clara respuesta frente a lo nuevo, los seres humanos creen que estos niños son causa de la enfermedad y un peligro para los humanos.

La serie inicia con un hombre (Will Forte) huyendo a la zona más profunda del Parque Nacional de Yellowstone para esconder al pequeño Gus un bebé con características de ciervo. Durante los siguientes once años ambos personajes vivirán ocultos en el bosque, el padre de Gus le enseña todo lo que un padre le puede enseñar a un hijo. Hasta que como es de esperarse son descubiertos por el grupo conocido como Los Últimos Hombres, encargados de cazar híbridos para experimentar con ellos y eliminarlos.

El padre defiende a Gus internándose en el bosque y deja al chico escondido en casa, al final regresa herido al lado del chico para morir y prevenirlo de no salir jamás del cercado que rodea la casa donde vive. Antes de morir le entrega a Gus las llaves de una caja que contiene la foto de la madre de Gus que supuestamente se encuentra en Colorado. Gus (Christian Convery) logra sobrevivir por un tiempo siguiendo las reglas que su padre le dictó antes de morir, hasta que un día Gus muerde el anzuelo al seguir la pista de unos chocolates que encuentra en el camino.  Y tiene que huir para siempre de su casa.

En el camino lleno de peligros para un hibrido, ingenuo que no tiene idea cómo funciona la nueva estructura humana, Gus conoce a Tommy Jepperd (Nonso Anozie) ex jugador de futbol americano profesional, convertido en caza recompensas para Los Últimos Hombres, quién al conocer y descubrir que Gus habla y es humano, cambia de posición y decide ayudar al hibrido a llegar a Colorado.

En paralelo corren otras historias; la del médico Adityia Singh (Adeel Akhtar) y su esposa Rani (Aliza Vellani) ella sufre del virus y el médico gracias a un suero que prepara una doctora que trabaja para Los Últimos Hombres ha logrado mantener a su esposa sin que desarrolle totalmente la enfermedad, ocultando así su condición a sus vecinos, la escasez de híbridos y la renuncia de la doctora obliga al general Abbot (Neil Sandilands) a eliminar a la doctora y sustituirla con Singh que a pesar de todas sus creencias no podrá evitar el experimentar con los híbridos para salvar y  encontrar la cura de su amada Rani.

Y también está Aimee (Dania Ramírez), una siquiatra, introvertida y solitaria que escapa a la pandemia encerrada por meses en su oficina y después resguardándose en el viejo edificio del zoológico, hasta que alguien deja a las puertas del zoológico a una pequeña hibrida, a la que Aimee termina adoptando, criando y llamando Wendy. Pero como en el caso de Gus Los últimos hombres descubren a Wendy y el refugio de híbridos que Aimee ha creado recibiendo a todos los híbridos que llegan hasta ella, hasta que la llegada de los Últimos Hombres la obliguen a abandonarlo todo separada de todos los chicos híbridos que la acompañan.

Esta Bear (Stefania LaVie Owen) una joven que después de perder a sus padres y hermana crea un grupo de desheredados que defiende a los híbridos, pero que tras rescatar a Gus es destronada por sus compañeros y se ve obligada a huir junto con Gus y Tommy Jepperd.

El guión es una muy buena adaptación y me parece que esta bien pensada para producir las siguientes temporadas. Una clave para lograr una serie atractiva son la dirección y las actuaciones y en Sweet Tooth son impecables, desde Will Forte en el papel del padre Gus, la gran actuación del pequeño Convery que le imprime al personaje del niño ciervo, toda la inocencia, candidez e ingenuidad de un ser que ha crecido sin contacto humano. La cara de pesadumbre de Singh, la dureza de Jepperd y la siniestra maldad de Abbot están perfectamente desarrolladas para crear una saga memorable. Las tramas paralelas que terminan por juntarse; Gus, Wendy y los demás hibridos. Tommy Jepperd y Aimee resultan un buen cliffhanger para esperar la segunda temporada.   

La historia sirve como siempre en le caso de historias de seres diferentes físicamente para hablar de los miedos de los occidentales por lo que no se parece a un hombre blanco, algo que desde los tiempos del surgimiento de la iglesia católica apostólica y romana se ha vuelto base para justificar sus miedos y los crímenes que su complejo de inferioridad provocan. Sobre el racismo y el clasismo.

También como en el caso de Utopía de la que escribí hace poco, Sweet Tooth es una reflexión sobre los limites y los peligros que desde ciertas áreas de la ciencia implica jugar a ser Dios. En Sweet Tooth la aparición simultanea del virus y los híbridos parece ser una metáfora de que los caprichos científicos pueden de manera inesperada resultar en el final del mundo como lo conocemos. Vale la pena ver esta serie que a diferencia de Utopía que es una descarnada y aberrante distopia, Sweet Tooth parece un enfermo cuento de hadas, pero un cuento a final de cuentas.

publicado originalmente en roastbrief.com.mx en agosto 2022

Los otros cuerpos invadidos.

Katla es el nombre de uno de los volcanes activos más grandes de Islandia y el mundo. que da nombre a esta serie islandesa de lento ritmo europeo, guiños con el famoso Noirdic, contundentes personajes y una historia sólida.

Zona de spoilers, continuar es bajo su propio riesgo.

Entre las muchas películas que me gustan se encuentran Invasion of the Body Snatchers en su versión original de 1956 dirigida por Don Siegel, así como el extraordinario remake de 1978 dirigido por Phillip Kaufman. Estas cintas basadas en la novela homónima de ciencia ficción de Jack Finney sobre unas esporas llegadas del espacio exterior capaces de replicar los cuerpos de los seres humanos creando una comunidad de extraterrestres que trabajan en conjunto y van eliminando a los seres humanos para conquistar la tierra, me parecen ser la base de la nueva serie islandesa de Netflix; Katla que trabaja sobre el mismo principio rector, una fuerza extraterrestre capaz de duplicar los cuerpos de seres humanos.

Katla es el nombre de uno de los volcanes activos más grandes de Islandia y el mundo. Katla está debajo de un enorme glaciar y cada vez que ha hecho erupción ha provocado que partes del glaciar se derritan creando inundaciones en las zonas aledañas al volcán, que se ubica al sur de la isla.  

La serie en un sobrio y lento ritmo europeo, con sus guiños con el famoso Noirdic, hipnotiza al espectador por lo contundente de sus personajes, la fuerza de la historia y la manera en que se va develando la verdad. La serie inicia con el volcán que lleva meses en plena actividad, la cercana localidad de Vik está casi despoblada por la constante y peligrosa caída de ceniza y lodo provocada por el volcán. La aparición de una mujer joven desnuda que es descubierta caminando cerca del glaciar, cubierta por ceniza endurecida por el agua, la falta de documento alguno y el aislamiento de la región pone en alerta a Gisli (Thorstein Bachmann) jefe y el único policía que queda en la zona, ante la posibilidad de que un grupo de turistas hubiera traspasado el cerco de seguridad pues la mujer a pesar de recordar su nombre Gunhild, una sueca, es incapaz de recordar nada más. Cuando Gisli habla a la casa de una Gunhild en Suecia se siente decepcionado de su búsqueda porque la mujer esta en Suecia y quien contesta el teléfono es su hijo un joven de 20 años, pero la madre al recibir el mensaje decide viajar a Vik donde estuvo 20 años atrás en un viaje definitivo para su vida. Gisli es un hombre fanático religioso, lleno de demonios y deseos frustrados, que cuida de su mujer hemipléjica; Magnea (Solveig Arnasdottir).

El repentino descubrimiento de un comportamiento anómalo en las piedras colectadas por los investigadores en la zona, obligan al vulcanólogo Darri (Björn Thors) a trasladarse de Reikiavik a Vik para estudiar en directo las incoherencias. En realidad, Darri va huyendo de su vida, de su divorcio y de la muerte de su hijo Mikael (Hlynur Hardason) de 8 años.

Finalmente, esta Grima (Gudrun Yr Eyfjörd) y su padre Thor (Ingvar Sigurdsson), su marido Kjartan (Baltasar Breki Samper) quienes como una terrible familia disfuncional han sido golpeados, en especial Grima por la muerte de su hermana menor; Asa (Iris Tanya Flygenring) el matrimonio de Grima esta por llegar a su punto final y la relación con su padre es casi inexistente pues él le pide que supere la muerte de su hermana en el glaciar, algo que Grima se rehusa a hacer. Además de la muerte de Asa, la familia esta marcada por el suicidio de la madre de Grima y Asa, así como el descubrimiento de Asa, anterior a la muerte de su madre, de que su padre tiene una amante.

Al final del primer capítulo con la misteriosa Gunhild en la clínica local y la vieja Gunhild viajando desde Suecia a Vik, Grima encuentra a una segunda persona cubierta en la mezcla de ceniza y agua que resulta ser Asa y conforme avanza la serie vamos empezando a sospechar lo que resultara cierto Gunhild es la misma persona veinte años antes.

Darri descubre a un tercer individuo, su hijo Mikael, quien murió tres años antes provocando el distanciamiento entre Darri y su esposa, el único problema con Mikael es que es un niño con impulsos homicidas. Mikael llama a su madre para que lo rescate del encierro en el que Darri lo tiene y todos los elementos de la culpa y el amor son la base de la relación entre este triangulo familiar, a pesar que desde un principio Darri sabe con certeza que ese Mikael no es su hijo, pero representa todos los miedos de Darri sobre el tomar decisiones en la vida.

Tres seres y hacía el final de la serie un cuarto y un quinto; La esposa de Gisli en versión más joven y sin su paralasis, así como un doble de Grima, terminan por cerrar el cuadro. Esta nueva Grima, más jovial intentara robar su hogar y esposo a la Grima real. La aparición de una Magnea joven es para Gisli una respuesta a sus contenidos deseos sexuales y al final será interpretado por el policía como un intento del diablo por desviarlo de su camino hacia dios, mientras que el enfrentamiento entre la depresiva Grima y su doppelgänger optimista llevará a un desenlace final inesperado, terriblemente cruel, pero totalmente congruente con la serie y la lógica desesperanzada de la depresiva Grima. Thor tiene también sus secretos y razones para desear la llegada de un ser del volcán, que se manifiesta en parte todos los días con un cuervo con una pluma blanca.

A diferencia de las novela y cintas norteamericanas, en Katla los seres duplicados mantienen una individualidad y carecen de esta visión de trabajo en colectividad. Son seres sin camino, ni historia propia, así como el pretexto y una obligación para reflexionar sobre el pasado; cómo lo construimos y deconstruimos, son el recordatorio de las culpas de los protagonistas. Opuestos a los complejos humanos a los que emulan, los cuerpos invadidos de la serie a pesar de tener sentimientos y un albedrio propio están construidos por los recuerdos de sus familiares, son también la imagen idealizada o potencializada del humano replicado. Asa ya no tiene vicios y la verdad brutal y directa que dice Mikael. Magnea es una ama de casa amorosa y Gunhild sólo busca ese amor que la marcó de por vida, mientras Grima es todo lo que la verdadera Grima desearía poder ser.

La serie es una obra compleja y completa. La música de la serie compuesta por Hogni Egilsson, la fotografía y la ambientación gris, con sus montones de ceniza son el simple reflejo del alma de los pocos habitantes de Vik. Las tres enormes rocas del litoral, el fuselaje oxidado de avión abandonado que marca un antiguo accidente aéreo, son características reales de la zona que ayudan a delimitar a esos personajes que protagonizan la serie, totalmente desamparados que deambulan por una tierra infértil y sin vegetación.

Como otras series escandinavas Kapla no tiene desperdicio y vale mucho la pena verse.  

La serie fue escrita por Sigurjon Kjartansson y Baltasar Kormakur que también dirigió cuatro episodios de la temporada que tiene ocho.

publicado originalmente en roastbrief en agosto de 2021

imagen Netflix

Dos visiones de la música negra.

Una de las más importantes influencias de los negros en la cultura es sin duda en el terreno de la música a partir del jazz y del blues. Estas son visiones sobre dos mujeres de la música. 

Armando Enríquez Vázquez

En un año de reivindicación de la cultura afroamericana en Estados Unidos, Hollywood produjo en 2020 diferentes cintas con personajes principales negros, así como biografías de personalidades de la cultura negra de aquel país.

Una de las más importantes influencias de los negros en la cultura es sin duda en el terreno de la música a partir del jazz y del blues todos los anglosajones crearon la música que tanto presumen desde la década de los 50 del siglo pasado a partir de los géneros creados por los afroamericanos.

Aunque en Una Noche en Miami, la menos valorada de estas cintas dirigida por Regina King, uno de los personajes es  el músico Sam Cooke, interpretado por Leslie Odoms Jr., que fue uno de los artistas que sirvió de puente para el reconocimiento de la música negra entre los sectores anglosajones más racistas y poderosos, quiero platicar de las dos cintas que tienen como personajes centrales a dos mujeres del jazz que indiscutiblemente enfrentaron en su momento al sistema norteamericano: Ma Raineys Black Bottom, distribuida por Netflix con el nombre de La madre del Blues y la cinta originalmente distribuida por Hulu pero que puedes ver a través de Amazon Prime Estados Unidos vs Billie Holiday.

La primera esta basada en la obra de teatro del mismo nombre escrita por August Wilson y publicada en 1985, la cinta retrata una sesión de grabación de la legendaria cantante Gertrude Ma Rainey, considerada por algunos como la madre del blues por ser una de las pioneras del género, así como una mujer que rompió al famoso techo de cristal al convertirse en una de las pocas mujeres negras en grabar discos en la década de los años 20 y sólo la segunda en firmar un contrato con una disquera grande como Paramount.

La cinta habla de los clásicos y consabidos lugares comunes sobre el racismo, la degradación y segregación de los negros en Estados Unidos, supuestamente una nación diversa, incluyente y justa, algo que no sucede hasta la fecha.

La película no le hace justicia ni a la cantante, ni a su importancia y no dejando de mostrar un producto surgido del teatro varías de las actuaciones incluyendo la del finado actor Chadwick Boseman resultan demasiado teatrales y estridentes para las pantallas del cine. La creatividad y propuesta son nulas. Perdiendo todo aspecto cinematográfico y convirtiendo la cinta en una simple grabación de una obra de teatro que poco aporta en realidad a la cinematografía.

La extraordinaria actriz Viola Davis da vida a la cantante, pero la mala dirección de la cinta opaca a la actriz encapsulándola en el estereotipo de una mujer caprichosa en lugar de retratar la fuerza de esta mujer que enfrentó los obstáculos que su color y su género le imponían en la década de los años 20, para terminar su vida siendo una exitosa empresaria y construyendo dos teatros en su estado natal; Georgia. Lo más decepcionante de la cinta es que a pesar de tratarse de la vida de una mujer que dedico a la música y cuyas grabaciones en Internet muestran la fuerza y belleza de su voz, no tiene una banda sonora que sea relevante, ni impresionante.

La película se convirtió en una visión de lo que debe ser premiado por razones equivocadas; la muerte de un actor, termina siendo una película más dentro de las muchas que se estrenan a lo largo del año en Estados Unidos; tristemente una más del montón.

Por su parte el retrato de la vida de la gran Billie Holiday, aunque mucho más cinematográfica, también se queda corta al hablar y mostrarnos la vida de esta cantante extraordinaria. La historia da por sentado una serie de cosas que en el fondo son terribles mentiras para la audiencia, como el hecho de que la legendaria Strange Fruit no fue escrita por Holiday, quien, si se fue la primera en interpretar la canción sobre linchamientos arriesgándose con el contenido político de la letra en tiempos en que, a pesar de la supuesta libertad, los negros eran considerados algo menos que simples habitantes de aquella nación. A diferencia de la cinta sobre Ma Rainey, Estados Unidos vs Billie Holiday utiliza a la cantante Andra Day que hizo su debut como actriz en esta cinta. La voz aunque de diferente tesitura a la de Holiday da a las interpretaciones de Strange Fruit y All of me una gran calidad. El personaje esta escrito con profundidad y la contraparte del agente negro del FBI Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes) que se infiltra para hundir a la cantante crea la oportunidad para añadir algo de romance en la cinta, aunque este sea al final solo una ilusión entre personas a las que su contexto los define.  

Es curioso que la cinta no esta basada en ninguna biografía novelada, ni obra de teatro si no en un ensayo sobre la adicción de la heroína y las primeras acciones del gobierno norteamericano a través del FBI por organizar la lucha contra las drogas que se titula Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, del periodista inglés Johann Hari. Harry Anslinger, fue uno de los agentes destinados por el Edgar Hoover al combate de las drogas y un racista acosador de Holiday, interpretado en la cinta por el actor Garret Headlund, el personaje real sobrevivió en la agencia hasta 1962 tres años después de la muerte de la cantante. El guion fue escrito por Suzan-Lori Parks.  

En ese sentido la película hace un retrato claro de las persecución, intolerancia, impunidad y racismo de la política de Estados Unidos en contra de los ciudadanos, en este caso en contra de Billie Holiday. La película a pesar de ser una historia de la caída de una estrella, jamás nos hace ver a Holliday demasiado mal hasta sus últimas escenas, a diferencia de otras cintas sobre estrellas negras musicales como la inolvidable Bord de Clint Eastwood (1988) sobre la vida del saxofonista Charlie Parker con la brillante actuación de Forrest Whitaker o Ray (2004) de Taylor Hackford que le valió a Jamie Foxx un Oscar por su actuación. Aún así la cinta es muy recomendable.

Publicado en roastbrief.com.mx en agosto de 2021

imágenes Netflix y Amazon

Los dioses deben estar locos.

Netflix estrenó la segunda temporada de su serie Ragnarok, donde por momentos los guionistas han creído que los dioses están locos.

Armando Enríquez Vázquez

¿Recuerdan esa gran cinta sudafricana de los ochenta con ese título? en ella una botella de Coca Cola vacía caía del cielo en las manos de un bosquimano, quien emprende una travesía en busca del fin del mundo para regresar el extraño objeto a sus dueños; los dioses. Los dioses y los mitos atraen a todos desde los escritores de Marvel con su patético y muy gringo Thor hasta los escritores de series como American Gods o Ragnarok.

Sin que la lógica y la trama sean comedia, aunque algunas situaciones sean de humor involuntario digno de Juan Orol, Netflix estrenó la segunda temporada de su serie Ragnarok, donde por momentos los guionistas han creído que los dioses están locos, aunque sea por momentos.

Ragnarok es una historia de mitológica nórdica; la lucha entre los gigantes y los dioses reescrita a nivel de serie juvenil y preparatoriana situada en el pequeño pueblo noruego emblemáticamente llamado Edda. En la primera temporada Magne (David Stakston) un joven con problemas de aprendizaje, de socialización, incluso de vista comienza a darse cuenta que con su llegada al pueblo él comienza a cambiar. Todos sus problemas físicos desaparecen y comienza a tener una fuerza sobrehumana. En el pueblo dominado por la familia Jutul que conforme avanza la serie descubrimos son un grupo de gigantes inmortales que dominan en muchas formas el pueblo y viven instalados en el spleen y la nostalgia. Los gigantes añoran los siglos anteriores cuando los humanos los adoraban y veían como dioses.

Al final de la primera temporada Magne se da cuenta que es Thor y de que controla el rayo y para sorpresa del jerarca de los Jutul; Vidar (Gisli Örn Gardasson) que es derrotado por primera vez en eones, para poner punto final a la lucha ambos quedan inconscientes al ser alcanzados por un rayo convocado por Magne.

La nueva temporada inicia justo donde termina la primera: El gigante y el dios noqueados por el rayo. Con la hechicera divina, que es además la cajera del supermercado local, observando todo. Conforme ambos personajes recuperan la conciencia y se reconocen. Vidar amenaza a Magne con matarlo al llegar el siguiente ciclo lunar y que crea el principal hilo narrativo de la serie o al menos eso pretenden los guionistas que supongamos.

Gry (Emma Bones) el amor platónico de Magne rescatada por Fjor (Herman Tommeraas) el gigante que se hace pasar por el hijo de la familia Jutul, inicia una relación con el inmortal. A partir de esta relación Fjor abandonara a los gigantes y se replanteara su vida, para al final optar por el destino que obliga su historia.

Magne se tiene que plantear sí el fin justifica los medios siendo un digno representante de la forma de pensar de los jóvenes algo que lo convierte en un personaje vivo, incapaz de reconocer sus valores como Dios, algo que pocas veces sucede en los superhéroes que siempre tienen claro si son buenos o malos, o en los antihéroes como los superhéroes institucionalizados de la serie The Boys de Amazon Prime que son cínicos y hedonistas con sus poderes.  Los dioses de la antigüedad tenían una responsabilidad cosmogónica con sus adoradores. Los gigantes con ellos mismos. Mientras Magne y Fjor son personajes complejos y bien armados en sus conflictos interiores. Los demás parecen atravesar los capítulos como fantasmas de un melodrama simplón.

 

La segunda temporada ahonda en la mitología y crea los compañeros correspondientes en la vida de Magne y sus conocidos en Edda. Encontrar a los nuevos dioses que habrán de acompañarlo en batalla y la necesidad de Magne por forjar el famoso martillo se convierten en sus principales obsesiones y terminaran por hacer al joven dudar y renunciar a su don divino.

Thor en la mitología tiene un medio hermano; Loki. En la serie Magne tiene un hermano Laurits (Jonas Strand Gravli) que termina siendo en realidad medio hermano y el producto de la relación extramarital de su madre con Vidar, cumpliendo de esta manera con las características del semidios vikingo, este personaje es uno de los peores escritos de la serie y el menos trabajado en materia actoral. Desde el rostro inexpresivo del actor a lo largo de los doce episodios de la serie.  Su actuación que pretende ser contenida, resulta más bien constreñida. El personaje construido parece un triste esbozo semidios. El reflejo en el espejo que le descubre su verdadera imagen y personalidad, lo muestra como un triste un rockstar de un mal grupo de metal norteamericano, no como el astuto y artero personaje que es Loki. Y para ponerle una cereza a todo el esperpento del personaje está el hecho de que la serpiente que devora al mundo nace como una solitaria lo que es uno de los peores momentos e ideas de la serie junto con la serpiente misma y su boca tipo guasón, muestra lo irregular de la escritura y concepción de la historia.

Más allá de este fallido personaje, la serie tiene un grave defecto que es iniciar creando la expectativa de una batalla en la que los gigantes intentaran matar a Magne, que nunca sucede. Por otro lado, en lugar de crecer dramáticamente la tensión del argumento este se va alentando y perdiendo fuerza, únicamente para dejarnos al final con la promesa de una tercera temporada que puede o no valer la pena.

Es aquí donde la serie me recuerda muchos aspectos de American Gods de Amazon Prime donde en las primeras dos temporadas mucho pasa para que en realidad no pase nada o pase muy poco para que la acción definitoria y realmente importante de toda una temporada se cuente a lo largo de la misma y se defina en los minutos finales del capítulo donde termina la temporada. No existe en ninguna de las dos series una progresión narrativa, estamos frente a un deliberado retraso de las acciones para cumplir con tiempos de producción, con tramas secundarias que no aportan nada a la serie.  Con solo seis episodios por temporada estas deficiencias se notan más.

Los dioses deben estar locos si han permitido a los guionistas de Ragnarok, la ridiculización de personajes como Loki, o como la giganta que pretende ser la madre del grupo y se dedica a beber y fumar en un estado de depresión en aras de terminar sus guiones a tiempo. Es cierto que los dioses de la antigüedad fueron creados a imagen y semejanza de los seres humanos con sus pasiones, defectos y virtudes. Pero lo cierto es que en el dibujo de los personajes de Ragnarok estos rasgos son muy exagerados y no tienen mayor contraparte como en los complejos dioses de los pueblos antiguos.

Esperemos si hay tercera temporada que recupere la frescura y fuerza de la primera. Que los guionistas no olviden que hay que devolver la botella vacía de Coca Cola, pero las aventuras deben ser congruentes, atractivas, sin traicionar el género que escogieron.

 

publicado originalmente en roastbrief.com.mx en agosto de 2020

imagen: Netflix 

Taschen: El arte de los libros de arte

 

La más famosa e importante editorial de libros de arte nació en Alemania en 1980 vendiendo y publicando comics.

Armando Enríquez Vázquez

Benedikt Taschen nació el 10 de febrero de 1961 en Colonia, Alemania. Benedikt el menor de cinco hermanos, ya desde su infancia mostraba su carácter de empresario y el amor por los materiales de lectura con ilustraciones. A los once años de acuerdo con unas fuentes a los nueve de acuerdo con otras Taschen vendía sus comics usados en esos bazares que muchos tuvimos en la infancia especie de venta de garage, pero lo cierto es que a los diecinueve y con un préstamo de sus padres montó su primera tienda en la que vendía comics de diferentes editoriales estadounidenses y europeas.

Benedikt fundó entonces una de las editoriales de libros de arte más importantes del mundo que lleva su apellido y fue la pionera en este estilo de libros por la manera en que el alemán desarrolló su modelo de negocio. El primer gran negocio de Taschen fue comprar los saldos de unos libros de arte en especial de René Magritte y venderlos al doble de precio. Taschen vendió todos los ejemplares que compró en el doble. La premisa inicial de Taschen era comprar y más adelante producir grandes tirajes de libros a precios muy bajos para poder obtener un buen margen de ganancias utilizando un buen papel y una muy excelente calidad en la impresión de las fotografías y dibujos.  En 1985 editó su primer gran éxito: Picasso; el genio del siglo, el libro se tradujo a más de 25 idiomas y lo siguieron libros sobre artistas como Dalí y van Gogh a precios muy accesibles. Estas ediciones hoy se conocen como Basic Art Series. La colección tiene casi doscientos títulos publicados y es la colección de libros de arte (Pintura, gráfica, arquitectura, dibujo) más vendida en el mundo y es reconocida por ser accesible a todo público en cuanto a precio.

De hecho, uno de los primeros slogans de la publicidad de Taschen fue: No quiero un libro de bolsillo, quiero un libro de Taschen. Rápidamente la editorial se convirtió una de las favoritas a nivel mundial por aquellos que no podían acceder a ediciones costosas de libros de arte y que fueran de calidad, bellos y con textos cuidados y bien escritos.

Pero Taschen también se convirtió en uno de los modelos de negocio más copiado por nuevos y ambiciosos editores.  Lo que obligó a Benedikt a cambiar su estrategia y mover los libros de Taschen al otro extremo de los consumidores. En 1999 publicó un libro muy especial. Con las fotografías del alemán Helmut Newton (1920-2004). Este libro conocido como Sumo por su tamaño, más de 460 páginas, un formato de 50 cm. por 70 y peso de 30 kilos, el libro incluía un atril diseñado por el arquitecto francés Phillippe Starck. Las fotografías de Newton eran parte de su trabajo en la moda como en el retrato e incluye fotografías de Catherine Deneuve, Mickey Rourke, entre otros. Con un ambicioso tiraje de 10,000 ejemplares firmados por Newton, a un precio de venta de 1,500 dólares, Taschen vendió, para sorpresa de muchos, toda la edición en poco tiempo.

Así abrió el mercado para los libros de lujo, la categoría Sumo de Taschen ha editado libros dedicados a la legendaria fotógrafa Annie Liebovitz, a David Hockney, los Rolling Stones, los murales tibetanos, pero sin duda el más exitoso se llama GOAT por sus siglas en inglés Greatest of All Times dedicado Casius Clay / Mohamed Ali con fotografías del boxeador dentro y fuera del ring.

Benedikt Taschen ha apostado por la fotografía, el arte clásico, el arte pop, la cultura pop, en los últimos años por libros infantiles, pero también siempre ha sido señalado por sus libros sobre arte erótico, y muchos lo tachan fácilmente como editor de libros de pornografía por lo explícito de algunas fotografías o la temática de los fotógrafos como el famoso japonés Nobuyoshi Araki y como el editor reconoce con cierta tristeza los libros eróticos sólo representan el 5% de sus ventas.

Taschen tiene tiendas en Colonia, Londres, Berlín, Beverly Hills, Madrid, Milán, Miami, Hong Kong, París, Bruselas, Madrid y sigue siendo una editorial líder.  

publicado originalmente ne thepoint.com.mx el 22 de noviembre de 2021

imagen Taschen.

Bafar; embutidos, quesos, nueces y mucho más

 

Una de las empresas más exitosas del país nació de reconocer las oportunidades que se le aparecieron a un joven administrador chihuahuense.

Armando Enríquez Vázquez.

A finales de los años ochenta del siglo pasado, en la ciudad de Chihuahua nació una empresa llamada Bafar. Su fundador Eugenio Baeza Fares descubrió, mientras se desempañaba laboralmente en las instalaciones que Ford Motor Company acaba de instaurar en la capital del del estado del mismo nombre, que podía vender carne producto del rancho de ganado bovino familiar, su padre Eugenio Baeza Montes, fue un destacado ganadero chihuahuense.

Eugenio Baeza Fares, renunció a su empleo para poder dedicarse a la creación de una empresa que se dedicó a la importación de diferentes tipos de cárnicos no solo de los países vecinos del norte, si no de Europa, actuando como simple intermediario entre empresas y productores extranjeros, este negocio a pesar de ser altamente lucrativo para Baeza Fares, resultó efímero, pues pronto los productores se dieron cuenta de lo absurdo de tener un intermediario en un México que se abría por primera vez en décadas de proteccionismo al comercio exterior. Eugenio Baeza Fares comprendió la necesidad de darle un giro al negocio, primero creó una marca utilizando la primera sílaba de sus apellidos y así nació Bafar.

Los primeros productos de Bafar fueron embutidos y carnes preparadas, el siguiente paso fue crear una cadena de puntos de venta a la que llamó Carnemart y que a la fecha cuenta con presencia nacional.  En 1995 Bafar compró a Femsa otra marca de tiendas de carne llamada BIF. En este rubro Grupo Bafar añadió la compra de las cremerías y salchichonerías La Pastora originaria del estado de Puebla y con presencia en Tlaxcala, Veracruz, Oaxaca y el Estado de México.

A la marca de Bafar de embutido se sumaron marcas muy bien posicionadas ya en el mercado mexicanos como Parma, Sabori y tiene otras como Campestre, Burr, Tres Castillos, Ponderosa, Pery. Guisy  es la marca dedicada a la producción de alimentos procesados y listos para calentarse y servirse.

Con el paso de las décadas la empresa se ha integrado a la producción de maíz y de nuez con plantaciones de nogales que abarcan casi 600 hectáreas, así como una empresa inmobiliaria y una aseguradora.

Grupo Bafar tiene presencia en México, Estados Unidos, Japón, China, Centroamérica y el Caribe.

La empresa inauguró en 2021 un enorme complejo agroindustrial en La Piedad, Michoacán.  

El logo del grupo es la cabeza de un león con una melena que recuerda el sol del desierto chihuahuense.

Grupo Bafar es un enorme conglomerado de empresas y de negocios, pero su participación en el mercado de los embutidos esta muy lejos del líder del sector que es Sigma de Grupo Alfa cuyas marcas emblemáticas son FUD y San Rafael que tiene más del 50% del mercado contra el 16 o 14 dependiendo de la fuente de Grupo Bafar que ocupa así el 2º o 3º lugar en el país.

Publicado originalmente en thepoint.com.mx el 16 de noviembre de 2021

imagen Grupo Bafar

De los taquetes a los juguetes. fischertechnik.

 

Esta empresa de juguetes para construir fue fundada por el inventor de uno de los implementos más prácticos en toda construcción mundial.

Armando Enríquez Vázquez

Artur Fischer es una de los inventores más prolíficos en la historia del mundo moderno, se dice que patentó más inventos que el tramposo de Thomas Alba Edison. El más conocido de los inventos del alemán y sin lugar a dudas el más exitoso en todos los sentidos es el taquete plástico.

Fischer nació en Tumlingen, Alemania el 31 de diciembre de 1919. También, fue el inventor del flash sincrónico para cámara fotográfico, un clavo para huesos fracturados. Sus estudios se limitaron a la educación secundaria, en su adolescencia fue aprendiz de cerrajero y después de renunciar a las juventudes Nazi fue reclutado en la Fuerza Aérea Alemana donde vivió la II Guerra Mundial, en la que Artur Fischer fue parte del escuadrón aéreo Jagdgeschwader, fue hecho prisionero en Italia y después regresó a Alemania.

Fischer fundó su empresa en 1948 Artur Fischer Apparatebau Hörschweiler, al año siguiente patentó su flash sincrónico y comenzó a trabajar mucho con la empresa fotográfica Agfa. Fue en 1958 cuando Fischer patentó su taquete plástico tan utilizado en la construcción y que bien se puede decir que no existe un hogar en el mundo en el que no se utilicen estos taquetes para fijar clavos y tornillos a las paredes que sostienen cuadros, espejos y otro tipo accesorios que se acostumbra colgar en las casas.

En 1964, Fischer desarrolló un sistema de construcción para niños al que llamó fischertechnik, se dice que en su infancia su madre le regaló un sistema similar y en 1965, Fischer regaló las primeras mil cajas con el juguete. a una asociación llamada Aktion Sorgekind dedicada a los niños afectados por la Talidomida ingerida por sus madres durante el embarazo y que provocó deformidades en los niños.

La idea detrás de fischertechnik es despertar la curiosidad del niño y adolescente acerca de cómo funcionan las cosas.

En 1966 fischertechnik salió a la venta, el sistema consta de bloques de diferentes tamaños que se pueden unir en sus seis lados. Uno de los extremos es macho, mientras el otro es hembra lo que permite crear una línea de bloques. Mientras que los cuatro lados de los bloques tienen un canal central que permite añadir otros bloques en los ejes Y y Z. También incluye eje de metal que pueden conectarse en los extremos del bloque, o deslizarse a través de los canales en los laterales del bloque.

Como muchos otros juegos de construcción, fischertechnik con el tiempo ha agregado diferentes piezas que permiten la creación de diferentes construcciones. Engranes, luces y otros, pero también ha agregado diferentes elementos que lo vuelven único. En 1968 se incluyeron piezas electromecánicas; motores y condensadores. En 1981 piezas neumáticas que incluye mangueras, compresores de aire. En 1997, fischertechnik introdujo su primer paquete de construcción que incluía paneles solares, en 2009 se incluyó en algunos modelos una célula de combustible. En 2011 fischertechnik puso a la venta sets de construcción para crear pistas de obstáculos para canicas y bolas de acero. En 2013, de nuevo en el campo de la ciencia, sets de construcción con luces y principios de óptica y en 2014 la opción de crear robots con cámara y que se controlan a partir de aplicaciones en el teléfono o tableta. En 2016, fischertechnik se convirtió en el primer juguete en incluir entre sus elementos una impresora 3D.

Mientras fischertechnik está comprometida con crear juguetes con tecnología atractiva para los jóvenes, también ha creado uno de los mejores productos para niños de preescolar. En 1998 fischertechnik creó un material para manualidades a partir de almidón de papa y colores comestibles que permiten a los niños pequeños diseñar y crear de manera totalmente segura. fischerTiP es el nombre comercial de la patente de Fischer para este producto.

Desde 1968 se creó la revista fischertechnik Fan que actualmente se publica en línea.

Artur Fischer murió el 27 de enero de 2016. Desde 1980 la empresa es dirigida por su hijo Klaus que es dueño mayoritario de la misma. fischertechnik es sólo una empresa del Grupo fischer que es sin duda una de las más importantes empresas alemanas con impacto en diferentes negocios.

publicado originalmente en thepoint.com.mx el 18 de octubre de 2021

imagen: fischertechnik

Blizzard una tormenta de juegos.

 

Fundada hace 30 años por tres egresados de UCLA, esta empresa tiene títulos icónicos entre los videojuegos como Warcraft.

Armando Enríquez Vázquez

¿Quién no ha jugado StarCraft? ¿Quién ignora lo que es Warcraft? Son dos de los más vendidos y populares video juegos de la historia y fueron creados por Blizzard Entertainment, que sin duda es una de las empresas de video juegos más reconocidas por los aficionados, gamers y deportistas electrónicos. Las narrativas creadas por la empresa para dar vida a sus juegos y personajes son memorables, y que realmente revolucionaron la industria y de ver un juego.

Como muchas empresas de la era de las computadoras, Blzzard Entertainment nació en los años noventa gracias a la sociedad de tres jóvenes de la Universidad de California en Los Ángeles, (UCLA); Michael Morhayme, Allen Adham y Frank Pearce. Fue Adham que estudió Ciencias de la computación quien reunió a los otros dos para crear una empresa dedicada a la programación y producción de juegos, que fueran divertidos y adictivos y que les evitara ser empleados de un tercero.  

Así el 8 de febrero de 1991 fundaron la empresa Silicon & Synapse llamada así por el silicón de las computadoras y las sinapsis que se llevan a cabo en el cerebro humano. Su primer juego fue desarrollado para el Super Nintendo y se llamó RPM Racing.

En 1992, el segundo juego de la empresa llamado Lost Vikings. Una segunda parte de este juego se presentó en 1997.

Después de un par de años la empresa cambió de nombre por el Chaos Studio, porque el silicón se comenzaba asociar directamente con las prótesis utilizadas en los senos femeninos. Sin embargo, los derechos sobre el nombre pertenecían a una empresa que le pidió a Morhayme, Adham y Pearce cien mil dólares por el nombre, algo a lo que se rehusaron los fundadores de Blizzard y como medida de emergencia pusieron por unos meses el nombre de Ogre Studio, mientras en una búsqueda de palabras en el diccionario, Adham encontró la palabra Blizzard que tras ser investigada y demostrarse que nadie tenía los derechos de una empresa que utilizara la palabra los tres socios decidieron llamar a la empresa en 1994: Blizzard Entertainment.

Ese año lanzaron su primer video juego que habría de convertirse con el paso de los años en una franquicia y uno de los favoritos de los geeks; Warcraft: Orcs & Humans. Al año siguiente, 1995, Warcraft II: Tides of Darkness y en 1996 Warcraft II; Beyond the Dark Portal, a lo largo de los siguiente 25 años la franquicia de Warcraft ha tenido nuevas versiones y mejoras, así como una película que le hace un pobre honor a la narrativa del juego.

En 1996 la empresa presentó un nuevo juego: Diablo otra de sus franquicias estrella que también ha crecido en versiones y partes a lo largo de los años.

En 1998 fue presentada la que se convertiría en la segunda gran franquicia de Blizzard; StarCraft. Al igual que Warcraft y Diablo la saga espacial de Blizzard Entertainment ha tenido diferentes partes y mejoras.

En 2016 nació una nueva franquicia que ha sido muy exitosa para Blizzard Entertainment: Overwatch un juego en equipos con diferentes personajes.

Existen otros juegos creados por Blizzard Entertainment que gozan de menor popularidad como Hearthstone y Heroes of the Storm

A lo largo de 30 años los juegos de Blizzard Entertainment se han mantenido en el gusto de los jugadores y han evolucionado con los tiempos y la veloz transformación de la industria; de los cartuchos para consola, a los juegos en disco para PC a la inmediatez y capacidad de unir a desconocidos con el mismo interés que tienen actualmente los juegos en línea y no que decir el crear y patrocinar equipos profesionales para los torneos de e-sports. Blizzard ya trabaja en versiones de algunas de las franquicias para teléfonos y otros aparatos portátiles, el otro gran mercado de los videojuegos.

Pero a pesar de la aparente solidez que representa el que los juegos sobrevivan a lo largo de los años, Blizzard Entertainment ha cambiado en más de una ocasión de dueños, siendo los más significativos de estos cambios cuando fueron comprados en 1995 por Vivendi Games, y cuando a su vez esta compañía fue adquirida en 2008 por Activision.

Los fundadores de la empresa también han con el tiempo abandonado la empresa. El primero fue Allen Adham quien, en 2004, renunció para dedicarse a lo que definió como: Otro gran video juego; las finanzas. Aunque en 2016 Adham regresó a la empresa que fundó como vicepresidente, llamando un verdadero error el haber abandonado Blizzard.

En 2018 Morhayme pasó a ser asesor de la empresa y en 2019 la abandonó por completo. En 2020 fundo una nueva empresa que aún no presenta algún juego, llamada Dreamheaven.

Finalmente, en 2019 Frank Pearce renunció a la compañía.

Blizzard tiene tal número de seguidores a nivel mundial que desde 2005, anualmente lleva a cabo una convención llamada BlizzCon que en estos años de pandemia se realizó, como muchos otros eventos de manera virtual.

El logo de Blizzard Entertainment, se reduce a la palabra Blizzard en mayúsculas en una tipografía agreste que da la idea de aventura de mundos extraños, subrayando la palabra se encuentra la otra palabra: Entertainment. Por lo general la palabra está en azul, pero se han creado diferentes versiones en diferentes colores, siempre respetando la distribución de las dos palabras. Este logo se ha mantenido sin cambios desde su creación en 1994.

Blizzard es la palabra con la que se designa a una poderosa tormenta de nieve.

Publicado originalmente el 11 de octubre de 2021 en thepoint.com.mx

imagen Blizzard Entertainment

Amor, robots e inmortalidad.

 Lo más destacado sigue siendo la calidad de la animación, en los ocho episodios las propuestas y diferentes animaciones como en la primera temporada son uno de los grandes atractivos de la serie.

Armando Enríquez Vázquez

Se alerta que el siguiente texto contiene spoilers, la lectura es bajo el riesgo del lector después de este punto.

Netflix estrenó la segunda entrega de la serie Love, Death and Robots la serie de pequeñas ficciones en animación. En esta ocasión y probablemente por las condiciones impuestas por la pandemia la segunda temporada sólo consta tristemente de 8 episodios, diez menos que la primera.

En el caso de estas ocho narraciones, la mitad de los argumentos están dominados por lugares comunes, homenajes, referencias e historias contadas ad nauseum en formas muy similares. La historia Pasto alto, recuerda a la película En la hierba alta estrenada no hace mucho por la misma Netflix, sin embargo, lo atractivo de la historia es la animación. Algo similar sucede con la primera historia de la selección, Servicio al cliente automatizado, sobre la tecnología que, en lugar de servir a los humanos, se revierte con el pequeño twist de que todo es un macabro y siniestro plan para vender las mejoras en el sistema operativo de la tecnología doméstica, como en muchos de estos tipos de historias la referencia a Hal de Odisea 2001, en el espacio. Lo mismo sucede con Refugio, donde una falla mecánica en una estación espacial pone en riesgo la vida del piloto de una nave espacial de combate se ve en peligro cuando un robot de la cápsula de resguardo se descompone e intenta matarlo, esta historia es la menos atractiva de la segunda temporada. Respuesta Evolutiva recuerda a Blade Runner, desde la trama y la visión de un futuro distópico, sólo que en lugar de los replicantes la historia habla de niños y reproducción humana controlada. La estética de la animación también recuerda la cinta de la cinta de Ridley Scott al escoger el sombrero y largo gabán para vestir a los policías.  

Lo más destacado sigue siendo la calidad de la animación, en los ocho episodios las propuestas y diferentes animaciones como en la primera temporada son uno de los grandes atractivos de la serie, aunque prevalece un estilo de animación hiperrealista que no deja de sorprender. Son cuatro las historias que para mi gusto resaltan en esta segunda temporada de la producción de Netflix.

Hielo no sólo tiene una buena historia sobre un futuro lejano con humanos modificados, no modificados, discriminación y los lazos de hermandad. La animación es muy llamativa y más en los terrenos de una animación más tradicional que en las demás animaciones y de una manera muy llamativa en tonos grises y azules va de la mano con la historia. En esta historia es el amor entre hermanos el que resalta.

Albino en el desierto es una historia de amor y esperanza entre dos seres marginados y diferentes en medio de una cacería motivada por la ambición de los seres humanos, los personajes principales condenados a la inmortalidad se aferran a la vida como cualquier mortal común y ordinario.

El gigante ahogado es una historia que abandona la ciencia ficción por la fantasía en una animación que se convierte en una reflexión poética sobre la condición humana después de la muerte.

La visita es para mi gusto la mejor de las 8 historias, una gran historia de humor muy negro y fantástica que le da un giro al clásico relato navideño y que se da el lujo de rematar la historia con una frase llena de humor que contrasta con el terror de la anécdota.

De manera tácita el tema que ronda varias de las historias es la eternidad ya sea como un hecho real que es característica de los personajes, como en Albino en el desierto donde es una característica de los dos personajes principales que por lo mismo se pueden considerar extra humanos, o en el caso de Respuesta evolutiva donde la premisa es una mayor vida, pero sin reproducción o en Hielo donde los humanos mejorados, sin que se diga en el corto también tendrían una mayor vida que en los humanos normales y eso sin contar ya con El gigante ahogado en donde la reflexión sobre la eternidad surge a partir del hecho real, irrepetible y efímero que es la vida.

En una oferta de animación en la que abundan las repetitivas historias de superhéroes, animé y comedias simplonas, Love, Death and Robots es una de las mejores propuestas de la ciencia ficción y la animación. Un oasis para quienes gustan de historias únicas. Love, Death and Robots, es sin duda algo que vale mucho la pena ver.

Netflix anunció ya una tercera entrega a mediados de 2022, esperemos que sea de mucho más de ocho episodios porque Love, Death and Robots se quedó a deber a sus fans en esta segunda entrega.  

Publicado originalmente en roaastbrief.com en mayo 2021

imagen Netflix

Vainilla; Leyenda, marcas, denominación de origen.

 

Otro producto con denominación de origen que salió de tierras mexicanas para ser producido por otros con mayor éxito que los agricultores mexicanos.

Armando Enríquez Vázquez

De acuerdo con la leyenda totonaca hubo una princesa cuya belleza desde niña era deslumbrante, su nombre Tzacopontziza que significa Lucero del alba. Su padre el rey Teniztli consciente de la belleza de su hija decidió consagrarla a la diosa Tonacayohua, diosa de la siembra. El templo de la diosa era cercano a la ciudad de Papantla. Las jóvenes consagradas a la diosa vivían enclaustradas en el templo dedicadas a honrar y cuidar a la deidad, un día que Tzacopontziza salió en busca de ofrendas para la diosa un joven Zkatan-Oxga (Joven venado) vio a la joven y se enamoró de ella y se la llevó aún sabiendo la condena de muerte que pesaba sobre aquel que osara enamorarse de la bella princesa. Se dice que un horrible monstruo bloqueó su huida, obligándolos a retroceder, de esta manera fue como los jóvenes fueron atrapados y ejecutados por las huestes totonacas de Teniztli. El corazón fue extraído de los cuerpos degollados de los amantes y arrojados a un barranco, la vegetación del sitio se secó y con el tiempo surgieron un arbusto y una orquídea que se aferraba al arbusto. Los lugareños vieron en las plantas el renacimiento de los jóvenes la orquídea aunada al arbusto fue interpretada como la princesa abrazada al pecho de su amado. Después aparecieron las aromáticas vainas y tanto la flor como su fruto se convirtieron en sagradas entre los totonacas y los aztecas.

La vainilla fue muy importante para los totonacas, su nombre es Xanath que significa flor negra fue también utilizado por los aztecas; Tlilxochitl, Los mexicas la añadían al chocolate y así la conocieron los españoles quienes la llevaron a España y por extensión a Europa como muchos otros productos de origen mexicano. Hasta el siglo XIX, México fue el único productor de vainilla en el mundo. Fueron los franceses los que se preocuparon por entender a la planta, polinizarla de manera manual y llevarse las orquídeas a sus diferentes colonias en África. Después el conocimiento del cultivo de la vainilla se esparció por el mundo. México dejo de ser el productor principal de vainilla en el mundo en el siglo XX y desde hace ya décadas ese honor lo tiene Madagascar mientras que en México el cultivo ha disminuido de manera dramática. En 2009 para darle valor al cultivo de la orquídea en nuestro país y en especial, a la cultivada en la zona de la que es originaria, se le otorgó a la vainilla de la región del Totonacapan que es al norte del estado de Veracruz y oriente del estado de Puebla la condición de denominación de origen, con esta denominación se reconoce a 19 municipios de Veracruz y 19 de Puebla como los lugares donde se puede cultivar la vaina.

Entre las principales marcas que se producen en la región de denominación de origen existen desde las tradicionales que reúnen a diferentes agricultores de la región como Comercializadora de Vainilla del Totonacapan S.P.R. de R.L. de C.V. cuya marca es Orquídea de Papantla con sede en el poblado de Gutiérrez Zamora en Veracruz tiene una tradición de más 100 años en la elaboración de la Vainilla en un método diseñado por el migrante italiano Francisco Arzani Sartirana desde 1873, hoy al frente de la empresa se encuentra la cuarta generación de la familia Arzani.

En el área de Papantla existe una marca llamada Rancho Sta. Beatriz, cuya historia es reciente, pero en general no existe ninguna forma de comprobar el origen de la mayoría de las vainillas mexicanas existen marcas muy antiguas como Vainilla Molina fundada en 1944 en Guadalajara, Jalisco, del otro lado del mapa mexicano, por José Molina. La empresa continúa siendo familiar y tiene una fuerte presencia en el mercado, pero no asegura en su sitio de internet ser cultivada en la zona de la denominación de origen.

En 2002, en Gutiérrez Zamora se creó la empresa Zanilli que actualmente tiene sus oficinas centrales en Monterrey, Nuevo León. El nombre de la empresa significa leyenda en Náhuatl y comercializa tanto el extracto de vainilla como la vaina.

Tristemente la vainilla no tiene un organismo que proteja a los productores de la zona de la denominación de origen y su producción cada año va más a la baja.    

publicado originalmente en thepoint.com.mx el 4 de octubre de 2021

imagen. wikipedia.org

Tres tenistas francesas de principios del siglo XX

 

Estas tres mujeres llamaron la atención de la afición al tenis en las primeras décadas del siglo XX, cuando Francia era una de las potencias del deporte.

Armando Enríquez Vázquez

Si eres amante del tenis y sobre todo de las grandes mujeres del deporte blanco como Selena Williams, Martina Navratilova, Billie Jean King, Stefi Graf, probablemente hayas escuchado de estás tres tenistas que jugaban en las canchas francesas a principios del siglo pasado. Ellas fueron las grandes estrellas del tenis francés e incluso de la escena mundial.

Comencemos en orden de aparición; Françoise Adine Masson fue la primera gran estrella del tenis francés. Poco se sabe de ella más allá de las estadísticas y torneos ganados. Adine fue la primera ganadora del Torneo Nacional de Francia, creado por su padre Armando Masson, y que es el antecedente directo del afamado Roland Garros. La jugadora ganó por primera vez en 1897, en 1898 y 1899 repitió, pero en esas dos ocasiones logró el título por default al no tener oponentes. Pero en 1902 y 1903 volvió a ganar el torneo enfrentando a otras cmpetidoras y en 1904 llegó de nueva cuenta a la final, pero en esa ocasión perdió frente a su compatriota Katie Gillou.

Marguerite Broquedis-Billout, quien nació el 17 de abril de 1893 en la población del suroeste francés de Pau en los Pirineos, es la segunda en esta lista.

En 1912 Marguerite desfiló con la delegación francesa en los V Juegos Olímpicos de la era moderna realizados en Estocolmo en 1912, la estrella del tenis de la época logró la medalla de oro en la categoría femenil y la de bronce en mixtos con su compatriota Albert Canet. A lo largo de su vida ganó en seis ocasiones el Torneo de Tenis bajo techo de Francia a lo largo de dos décadas. En la década de los años 20 logró llegar a la semifinal de Wimbledon en 1925 y en 1927 logró el campeonato mixto en Francia junto con el legendario Jean Borotra.

Broquedis murió el 23 de abril de 1983 en Orleans, Francia.

La reina del tenis francés durante las primeras décadas del siglo XX fue sin duda Suzanne Lenglen, que nació el 24 de mayo de 1899 en Paris, Francia. Lenglen recibió una raqueta como regalo por parte de su padre en su onceavo cumpleaños con el que la niña se dedicó a jugar en la cancha de arcilla que tenían en su casa. A los 15 años y antes de que estallara la I Guerra Mundial Suzanne disputó su primera final en un torneo en arcilla, el Torneo Nacional de Francia, el mismo que 17 años atrás había ganado Adine Masson. En su debut Lenglen perdió frente a Marguerite Broquedis.

Durante los años de la guerra, Lenglen continuó practicando enfrentando hombres y mujeres por igual. Cuando en 1919 se reanudó el torneo de Wimbledon, Lenglen viajó a Londres para derrotar a la veterana y siete veces ganadoras del torneo inglés; Dorothea Douglass Chambers Lambert. Frente a un publicó encabezado por Jorge V, rey de Inglaterra. Obviamente existen muchas historias que intentan desacreditar a la francesa. Qué si su padre le había dado a la mitad del encuentro un frasco con coñac que reanimó a la tenista y otras historias similares. Pero Lenglen regresó al año siguiente a defender su titulo y derroto por segunda vez a la inglesa.

Ese mismo año, Lenglen participó en los Juegos Olímpicos de Amberes y ganó dos medallas de oro y una de bronce. Las de oro fueron, una en la categoría individual y la otra en el doble mixto, mientras que el bronce lo obtuvo en doble femenil.

La primera campeona de Wimbledon que no era inglesa no solo ganó en esas dos ocasiones, Lenglen retuvo su título en 1921,1922 y 1923. Lenglen no formó parte de la final del torneo inglés en 1924, pero en 1925 volvió a ganarlo y esta vez fue la última. Suzanne Lenglen gano en seis ocasiones Wimbledon lo que la convierte en una de las campeonas de tenis que más veces ha ganado ese torneo. Superada por las norteamericanas, Martina Navratilova con 9 copas, Helen Wills ocho veces campeona. Con siete su rival inglesa Dorothea Douglass Lambert Chambers, la alemana Steffi Graf y la norteamericana Serena Wilson y empatadas con Lenglen en 6 títulos de Wimbledon están la inglesa Blanche Bingley y la norteamericana Billie Jean King. Lenglen sólo perdió tres encuentros en su larga historia de 94 encuentros en el torneo.

Las hazañas internacionales de la tenista francesa, eran opacadas por su reinado en el Torneo Nacional de Francia. De 1920 cuando venció a Broquedis en la final hasta 1926, solamente perdió el campeonato en 1924. Suzanne Lenglen, apodada por la prensa francésa La divina, era lo que llamamos hoy una rockstar, muchas veces saltaba a las canchas de tenis maquillada, con estola de armiño o abrigo de piel. En 1926 jugó en Cannes contra la naciente estrella norteamericana Helen Wills y la derrotó en esa única vez que la enfrentó.

Lenglen se convirtió en la primera tenista profesional de la historia y por cincuenta mil dólares aceptó una gira por Estados Unidos. Regresó a parís y se retiró del Tenis. Lenglen murió el 4 de julio de 1938.

imagen: picryl.com